Leave No Stone Unturned [Remuer la terre] est la première exposition collective au Maroc qui initie des réflexions sur la nature, la politique et les structures de pouvoir, allant du Maroc à la Tunisie, en Israël/Palestine, de l'Afrique du Sud à Haïti, à la Turquie et même aux déserts. Il est essentiel d'encourager le dialogue sur la question de la flore et des systèmes de significations, en particulier dans une perspective postcoloniale et dans un échange Sud-Sud. En fouillant dans la terre, les graines et les plantes, nous découvrons une autre nature : une nature construite non seulement par ses relations avec l'homme - souvent dans la domination et l'exploitation, et également par le respect, la spiritualité et la guérison - mais qui réclame son propre pouvoir.

Clelia Coussonnet

 Africa is often seen as a continent of people on the move. Great migrations ?gure in the myths of origins for many ethnic groups: for example, the Bantu expansion of movement from central Africa, the 'Hamitic myth' of migration from north to south, and even the Voortrekkers' 'Great Trek' in South Africa. These stories serve an important function in the construction of Africa and its people in the modern world. In the context of current global discourse where ?South-North exodus? occupies media attention and becomes ever more precarious, statistics show that most Africans move within their own country, in rural-to-urban migration, or to other countries in the same region, therefore creating diasporas within the continent and in their own countries.
While the term diaspora is now used to refer to any migrants group and their descendants who maintain a link with their place of origin, it is rarely applied to African populations within Africa, raising the critical question: why not?
A dearth of diasporas within Africa seems strange when one juxtaposes two persistent themes that often recur in many discussions about Africa: a long history and practice of migration within the continent; and the close attachment of people and place, in particular land.

This fall, MoMA PS1 will present a large-scale group exhibition examining the legacies of American-led military engagement in Iraq. While brief, the 1991 Gulf War marked the start of a lengthy period of military involvement in the country that led to more than a decade of sanctions and the 2003 Iraq War. The invasion in 2003 galvanized a broader international response, prompting anti-war protests around the globe. Though the Iraq War officially ended in 2011, artists have continued to examine these conflicts and their ongoing impacts.

Theater of Operations explores the effects of these wars on artists based in Iraq and its diasporas, as well as responses to the war from artists in the West, revealing how this period was defined by unsettling intersections of spectacularized violence, xenophobia, oil dependency, and new imperialisms. On view across the entire MoMA PS1 building, the exhibition will feature the work of over 50 artists including Afifa Aleiby, Dia al-Azzawi, Thuraya al-Baqsami, Paul Chan, Harun Farocki, Tarek Al-Ghoussein, Guerrilla Girls, Thomas Hirschhorn, Hiwa K, Hanaa Malallah, Monira Al Qadiri, Nuha al-Radi, and Ala Younis.

Waiting for Omar Gatlato is a survey of contemporary art by Algerian artists and by those in its diaspora. The project expressly refuses thematic axes, such as memory or exile, the violence of the civil war, in favor of the open-ended framework Algerian film critic and lawyer Wassyla Tamzali sets out in her eponymous volume, published in Algiers in 1979. In her book, Tamzali argues that Merzak Allouache?s 1976 feature film Omar Gatlato represents a turn toward the individual in Algerian society, their desires and the contradictions they struggle with. This exhibition proposes that an analogous ouveture vers le quotidian is taking place today's art scenes and, indeed, even in its streets.

The Algerian context is hard to integrate into a broad regional history because it is exceptional, even when viewed together with its North African neighbors, Tunisia and Morocco. The specificity of its long, intimate colonial relationship to France, the fact that it experienced a violent Islamic coalition movement in the 1990s, decades before the rise of ISIS, and the significance of its non-Arab, Muslim Berber minority in political discourse and cultural life are just a few factors contributing to this exceptionalism.

"En Attendant Omar Gatlato" is presented with full acknowledgment of this exceptionalism and the attendant impossibility both?political and aesthetic?of representing an artistic context that is at odds with its own national mythology. The exhibition nevertheless takes a claim for national specificity seriously, not as a way to essentialize artists from Algeria or its diaspora, but as an important structuring condition of their cultural production both at home and abroad.  

The Sun Ra Repatriation Project propose un geste artistique qui a pour but le rapatriement de Sun Ra à son lieu d'origine: Saturne. Musicien de jazz mort en 1993, Sun Ra témoigne de parvenir de Saturne et prône une philosophie «astro-black» dans laquelle il affirme son origine extraterrestre. Inspiré par la mythologie de Sun Ra, The Sun Ra Repatriation Project crée un système de communication interplanétaire sur quatre étapes: Phase I - Production d'image Un portrait robot de Sun Ra est produit à partir des interviews vidéo effectuées avec ceux qui l'ont connu. Phase II - Codage et émission Le portrait est encodé afin d'être émis par des ondes radio vers Saturne. Phase III - Réception et Observation Les informations en provenance de Saturne sont observées, enregistrées et diffusées dans l'espace d'exposition sous forme de sons. Phase IV - Analyse, Transcription, Carnet d'observation Ces informations sont analysées et transcrites régulièrement afin d'établir un carnet d'observation. Ce carnet sert d'archive et de document d'étude dans lequel se déchiffrera peut-être un message de Sun Ra confirmant son retour.

Le frac île-de-france organise au Château de Rentilly (Parc culturel de Rentilly - Michel Chartier) une exposition à partir de sa collection relevant intrinsèquement du plus pur des hasards : un tirage au sort, ouvert à tous via un plugin sur le site internet du frac, a été organisé du 05 mars au 25 mars 2019 pour choisir une lettre de l'alphabet, lettre déterminant le choix des artistes exposés. La lettre « gagnante » est le « D » : tous les artistes présents dans la collection du frac dont le nom commence par « D » font donc partie de l'exposition et toutes leurs oeuvres sont systématiquement présentées *.

Tout en constituant une véritable première, le projet s'inscrit dans une logique de travail avec la collection favorisant l'expérimentation - tout en respectant les oeuvres et les artistes dont il est question -, notamment par une approche à la fois ludique et conceptuelle.

À l'image d'expositions organisées par le passé, que ce soit au Plateau ou au Château, tout comme dans la lignée d'expositions historiques - des surréalistes, de Fluxus aux propositions plus récentes de Bertrand Lavier ou de Bob Nickas -, il s'agit ici de définir une règle au préalable - un protocole - et de s'y tenir de façon rigoureuse, voire drastique.

Ainsi, là où en général se détermine en premier lieu le véritable parti pris d?une exposition - en l'occurrence la sélection des oeuvres -, se met en place un principe prédéterminé ne laissant aucune place à un choix d?ordre subjectif.
D'un autre point de vue, il s'agit de quelque chose de véritablement arbitraire - la définition de la règle en question - qui régit en grande partie la suite des opérations?
Au-delà de ce paradoxe apparent, l'exposition et ce parti pris permettent la présentation et la confrontation d'oeuvres sous un jour totalement inédit.
Détachées de toute thématique préexistante ou prédominante, elles se présentent de fait en une parfaite autonomie. Et c'est là le véritable but du jeu : donner à voir les oeuvres de la collection pour ce qu'elles sont, sans présupposé ni parti pris, dans toute leur intégrité.

A strange metal object lies shattered in the desert sands. Is it from outer space? Or is it a fragment of our military disasters? This image by Sophie Ristelhueber (b. 1949, France ), taken in Kuwait after the Gulf War, is likened by novelist Tom McCarthy (b. 1969, UK) to the starling's nest colonised by honey bees in W.B. Yeats's Meditations in Time of Civil War (1922). The photograph and poem are the starting point for Empty House of the Stare, McCarthy's meditation on surveillance and control, and their malfunction and breakdown.

Guest curator McCarthy builds his narrative around the work of seven artists in "la Caixa" Collection of Contemporary Art. In Illuminer (2001) by Steve McQueen (b. 1969, UK), a man watches a report about military operation in Afghanistan on tv in a dark hotel room. A sculpture by Isa Genzken (b. 1948, Germany) - crumpled bookshelves found on a lower Manhattan street after September 11, 2001 - bears an uncanny resemblance to the remains of the twin towers. From his series Destructuras, Aitor Ortiz (b. 1971, Spain) photographs a modernist building as a haunting concrete shell. If the reels of tape in the archive by Pedro Mora (b. 1961, Spain) contain any recordings, they are irretrievable.

We enter the ground floor gallery towards a radiant portal by Eugenio Ampudia (b.1958, Spain) that might offer illumination and clarity but could be a trick of the light, an illusion. Eve Sussman's (b. 1961, UK) film about a worker in City-A, a Central Asia oil town uses an algorithm to determine the sequence of scenes so that, like real life, the story is never the same twice.

The intersection of art and anthropology can be traced to the long-standing human desire to collect, classify, and display across cultures and time. In Western societies, the systematic accumulation and exhibition of objects considered to be culturally valuable dates back to the Renaissance-era cabinet of curiosities, or Wunderkammer, the precursor by several centuries to the modern art museum. Meant to inspire and amaze, these cabinets began in private, domestic spaces but over time expanded to entire rooms in the public sphere, eventually becoming what we know today as natural history, anthropology, and ethnographic museums. It wasn?t until the late seventeenth century that the first art museums appeared, taking their cue from these private curio collections turned public, where art collections of the royal, wealthy, and ruling elite made their way into public spaces for exhibition. In many ways, art museums evolved in opposition to natural history museums, the relationship between the two echoing undercurrents of the longstanding discussion between ?high? and ?low? art. In tandem, anthropological endeavors aspired to remain a comfortable distance from notions of fine art, averse to ethnographic methods becoming aestheticized and the inherent colonialist impulses present in both fields. (...)

Het is of de stenen spreken (silence is a commons), four solo shows by Babi Badalov, Ansuya Blom, Ama Josephine Budge, and Mire Lee, opens 14 September!


If together we talk and separately we understand, what might we understand together if we listen to the stones speak? How do we unlearn to speak for the commons and listen to them instead? And how can we protect language commons that are of neither power nor capital?



The Autumn 2019 exhibition program at Casco Art Institute presents Het is of de stenen spreken (silence is a commons), featuring four solo shows of the distinguished artistic practices and languages by Babi Badalov, Ansuya Blom, Ama Josephine Budge, and Mire Lee. Each artist presents forms of communication that transgress the norms and habits shaped by power and capital-driven media.

The exhibitions open on Saturday, 14 September with a celebratory program from 12:00 - 18:00 at Casco Art Institute: Working for the Commons and on het Domplein as part of Uitfeest, the opening of the cultural season in Utrecht organized by Culturele Zondagen.

The show, organised on the 80th anniversary of the outbreak of World War II relies on three precisely determined focal points – Guernica and the 1930s, the “Arsenal” exhibition and the 1950s, contemporary art and (post-)fascism – to present the singular and distinctive tradition of anti-fascist art. It is also held as part of the Anti-Fascist Year, a country-wide initiative of public institutions, NGOs, social movements, collectives, artists, and activists, which goal is to oppose movements endorsing post-fascist ideas, discourses, and practices in current public sphere.

Artist Babi Badalov will lead a participatory workshop on mask-making and a collective mural painting with a mixed group of social workers, people in the refugee struggle, and youth from Casa delle Agriculture. Part of a long-term support to this collective of organic farmers, using storytelling, story-placing, and visual self-representation, the work aims to center those thriving against land enclosure, forms of displacement and exploitation. It also celebrates land defenders, the Indigenous resurgence worldwide, and those who fight for a more just, equal, and non-extractive relationship with both human and non-human species.

The diary used to be our most private and secret thing ? until it wasn?t. Think of all the diaries (sometimes with a little lock on them) pried open and read by those described in less than flattering terms on their pages. That scene is a common trope in literature, theatre and cinema, just like the diary entry as a narrative form.

Many diarists have dreamt ? privately, secretly ? about posthumously sharing their life with the interested public. Publishing diaries (and writers? letters, and artists? notebooks) has become a whole industry driven by our lust for illicit insight, and ultimately our hope that process will reveal itself as superior to product.

Social media have accelerated this transformation of the private into the public. Today, it seems, little privacy remains. We upload our lives onto insidiously designed platforms, willingly sharing sensitive data with the real clients of Gmail and Facebook and Instagram. When they pursue us with individually tailored ?prediction products? we feel only vaguely spooked, although their digital mindreading threatens to deprive us of our human unpredictability and thereby of our free will.

The word ?Kazakh,? appears in the 13th century, to signify the ?free man,? the ?wanderer? (nomad) or the ?exiled?; it means a free individual who had left his people for freedom. The spirit of nomadism and freedom shared by the artists is the guiding thread of the exhibition which aims to raise awareness on the dissonances of a changing world and its contemporary mirages.

Racing the Galaxy brings together 20 artists from 15 countries, enriching each other and creating a new intercultural dialogue.

The exhibition deals with the gradual dissolution of dichotomies between East and West, in the era of global communication and the confrontation and melting of cultures, referencing the idea that artistic forms travel, mingle and enrich each other, from one continent to another. Built around the concepts of instability, change and mutation, Racing the Galaxy gathers experiences, territories, continents and people. It reveals the ambivalence of migrating artists and motionless travellers, always taken between different states, different positions.

Racing the Galaxy evokes the impermanence of things, social, political, economic, aesthetic rules and convenes all artistic forms. It embodies the plurality of the contemporary artistic scene facing the new challenges of the contemporary world such as globalization, multiculturalism, identity, gender, minorities, the quest for the future, the instability of perception and preconceived ideas as well as the appropriation of history. These artists lucid and informed by their multiple displacements and by their mastery of new technologies, set up speculative fictions, investigation and diversion strategies, mapping aesthetically social and political problems.

Dans l'atelier de la Mission se propose de revenir sur le tournant fondateur qu'a représenté la Mission photographique de la DATAR dans la carrière de ceux qui aujourd'hui comptent parmi les plus grands photographes contemporains. C'est au printemps 1983, à l'occasion de ses vingt ans, que la Délégation à l'aménagement du territoire et à l'action régionale (DATAR) lance une vaste commande artistique de photographies ayant pour objet de « représenter le paysage français des années 1980 ». Prévue pour une seule année à l'origine, la Mission va finalement durer jusqu'en 1989. Le projet réunit les travaux de vingt-neuf photographes, jeunes auteurs ou artistes confirmés, français et étrangers. Offrant au public la possibilité de découvrir les arcanes du processus créatif dans le cadre d'une Mission devenue aujourd'hui mythique dans l'histoire de la photographie, cette exposition sera aussi l'occasion de faire dialoguer certaines images méconnues de la Mission avec des archives personnelles inédites.
Raphaële Bertho et Héloïse Conésa

Du 1er juillet au 25 août 2019, pour l?exposition inaugurale de son nouveau bâtiment, l?École nationale supérieure de la photographie d'Arles a le plaisir d?accueillir la collection agnès b., dont le commissariat est assuré par 7 étudiants de l?école. C?est aussi la première fois qu?agnès b. montre une sélection des photographies de sa collection aux côtés de travaux d?étudiants en cours de cursus. L?exposition Modernité des passions, avec le généreux soutien de la Fondation des Artistes, s?inscrit dans le cadre d?un projet pédagogique lié aux pratiques de commissariat. Ainsi, depuis 2018, un groupe d?étudiants a endossé le rôle de commissaire et sélectionné plus d?une centaine d?oeuvres pour réaliser cette exposition. Comment donner à voir la singularité d?une collection ? Comment rendre visibles les pratiques contemporaines de la photographie ? Et comment rendre compte des recherches et des pratiques de l?image et du photographique au sein de l?école ? Tels sont les questionnements au coeur de cette exposition et de l?expérience pédagogique du projet qui tente d?éprouver ce que peut être la modernité aujourd'hui.

The work of Nikita Kadan (born 1982 in Kiev) centers on his artistic exploration of post-communist social and political developments, and their origins and causes in the Soviet system. Kadan produces drawings, paintings, and photography as well as objects, sculptures, and installations. The artist is a sensitive and critical observer and interpreter of historical shifts, and also of the connections and continuities between the communist past and turbo-capitalist present. He is a member of the artists? group R.E.P. (Revolutionary Experimental Space) and co-founder of the activists? group Hudrada. As an activist in the field of art and politics, Kadan also works with architects, sociologists, and human rights activists.

In his exhibition, the artist addresses the visibility and function of the artistic avant-garde in Ukraine within contemporary neoliberalism, which?in the conflict with Russia?is shaped by a politics based on military goals and an ideology of anti-solidarity in the fabric of society.

Taking the politics of making as its point of departure, this group exhibition explores the cultural meanings that emerge from the materials artists use. Drawing on the writings of Édouard Glissant, guest curator Daisy Desrosiers assembles a selection of works that engage often-overlooked narratives within cultural histories, considering the itinerant and opaque legacies that surround certain materials. Ideas of belonging, witnessing, domesticity, and migratory journeys are brought to the fore, engaging shared and self-reflective experiences and inviting audiences to be guided by the stories that they tell.

Phrygian Obelisk by Nikita Kadan is linked to the mythological figure of Attis, a symbol of eternally reviving nature. In various versions of the myth, the genitals cut off by the hero in a fit of madness turn into plants or fungi. The obelisk grows out of a vegetable garden, which inconspicuously reminds one about spontaneous gardening in downtown Kiev during the Maydan. The garden refers to the worship of Attis but also to the laws of vegetation, first and foremost to the cyclical nature and reversibility of processes. Both a vertical metal object of human height and plant matter represent mankind; the Donetsk architectural catalogue complements the semiotics by placing a metaphor in the context of a place.

Décor du quotidien ou espace de contemplation, le paysage est omniprésent et invisible à la fois. Il n'en demeure pas moins un enjeu politique et sociologique majeur. Les photographes investissent les territoires pour tenter de saisir de nouvelles facettes d'un paysage en transformation. Comment concilier le paysage, figure de la permanence, modelé au fil des âges, façonné par l'homme et la nature, avec l'acte photographique qui semble être lié à l'instantaneité ?

L?exposition PAYS-ÂGES présente les regards croisés d'artistes photographes, vidéastes et plasticiens d?aujourd?hui, livrant leurs perceptions du paysage.

Dans le cadre des 50 ans du lac du Salagou, une salle de l'exposition sera consacrée aux photographies de Georges Souche connu pour ces photos magiques du lac.

AVEC DOVE ALLOUCHE, JOAN AYRTON, FRÉDÉRIC BENRATH, MICHAËL BIBERSTEIN, BEATRIX VON CONTA, THIBAUT CUISSET, VÉRONIQUE ELLENA, ELGER ESSER, GILERT FASTENAEKENS, JEAN-LOUIS GARNELL, WERNER J. HANNAPPEL, ALEXANDRE HOLLAN, ADRIEN MISSIKA, GABRIEL OROZCO, SOPHIE RISTELHUEBER, GEORGES SOUCHE.

Stars Are Closer and Clouds Are Nutritious Under Golden Trees is a two-part exhibition and public program taking place at the MMAG Foundation between June 13 and December 5, 2019. The project takes Jean Genet's final book, the poetic and self-reflexive Prisoner of Love (1986), as its point of departure. Love for landless revolutions inspired Genet to narrate another kind of story about his time with the Palestinian fedayeen and the Black Panthers during the 1970s.

Reconsidering the vocabularies and incomplete histories of 20th-century political subjectivity, Stars Are Closer and Clouds Are Nutritious Under Golden Trees inhabits different times and spaces, thinking in the languages of the region, including Arabic, English, French, Kurdish and Turkish. The program connects figures of the political left from Turkey who fought in Palestine in the 1970s with Palestinian feminist movements of the British Mandate period. It follows the story of the Portapak camera that recorded Jean Genet in Jordan and then traveled to North America and Africa, feeding into the eroticism of revolutionary desire and power while highlighting the contemporary dilemma of the Kurdish autonomous women's movement in northern Syria. In other fragments of history, the Soviet film archive recently found in Amman walks alongside an accelerated dream that was triggered by the once-iconic political spectacle of the plane hijackings. The fighters of Monique Wittig's Les Guérillères (1969) merge with the Black Panther who found inspiration in the poetry of Palestinian Samih al-Qasim.

These narrative fragments form a political and poetical imaginary that will gradually take over the MMAG Foundation over six months. The two parts of the exhibition, opening on June 13 and September 19 respectively, will be bridged by a public program that includes lectures, conversations, screenings and workshops. The project is a collective effort by artists, activists, archivists and academics to explore the different ways we can counter hegemonic discourses and histories of the context.

Because the world needs other kinds of stories.

Curated by Frits Gierstberg - art historian, critic and curator and Head of Exhibitions at the Nederlands Fotomuseum in Rotterdam (Netherlands) -, this exhibition and its catalogue bring together, for the first time in Spain, a number of long-term photography commissions that focus on the changing rural, urban and suburban European landscape. Both cover a period from 1984 until today and concern projects that have been given by public or semi-public institutions in a number of European countries, regions and cities. Works by almost sixty photographers will be presented along the many publications that were produced in the context of the selected commissions: Mission photographique de la DATAR (France), Mission photographique Transmanche (France), Linea di Confine per la Fotografia Contemporanea (Italy), Ekodok-90 (Sweden), Fotografie und Gedächtnis [Photography and Memory] (Germany), Long-Term Photographic Observation of Schlieren (Switzerland), Places. Denmark in Transition (Denmark) and RO_Archive (Romania).

Museo ICO presents a selection from the collection of the CRP/.

For the 21st time, the exhibition will be presenting paintings and sculptures, photographs and installations by 200 selected artists from all over the world. NordArt is one of the largest annual exhibitions of contemporary art in Europe. NordArt, conceived by Chief Curator Wolfgang Gramm, year after year redefines itself anew and setting new priorities. Around 3,000 artists from 102 countries applied for the NordArt 2019.

This year's Focus Country is on France, with its own pavilion under the patronage of the Ambassador of France in Germany, Anne-Marie Descôtes.

FRENCH PAVILLION - Some of Us

Curator: Jérôme Cotinet-Alphaize
Associate curator: Marianne Derrien

The country pavilion titled ?Some of Us? is dedicated to French female artists born between the late 1960s and early 1990s who have made a name for themselves in our neighbouring country and beyond in recent years. The exhibition aims to investigate the development across two generations of women, illuminating commonalities and examining what is typically French or perhaps Western.
?Some of Us? is an exhibition in two parts: ?Focus? is based on a selection of emerging artists with recent recognition in France. As a complement to this focus, the second exhibition ?Statement? offers a panorama of more than a hundred female artists.

Les oeuvres sur papier de Kees Visser sont en général de l'abstraction pure, utilisant des aplats de couleur monochromes et des multicouches pour obtenir des effets de couleur subtiles à la surface texturée et cristalline. A la Maison Louis Carré, Visser s'engagera dans un dialogue avec l'espace en utilisant la géométrie de ses peintures et de ses sculptures pour repenser celui-ci et repousser les limites de la peinture contemporaine vers une expression plus minimale et conceptuelle encore.

L'exposition est organisée en collaboration avec la Galerie Jérôme Poggi, Paris, et Berg Contemporary, Reykjavik.

Soirée de lancement de l'ouvrage collectif La Besogne des Images (art, littérature, philosophie) sous la direction de Léa Bismuth, critique d'art et commissaire d?exposition, et Mathilde Girard, psychanalyste et écrivaine, co-édité par Filigranes Éditions et Labanque Béthune.
Ce livre fait suite à l'expérience curatoriale La Traversée des Inquiétudes, menée par Léa Bismuth au centre de production et de diffusion en arts visuels Labanque, à Béthune de 2016 à 2019, mais n'en constitue pas le catalogue. Ces expositions librement inspirées de la pensée de Georges Bataille ont permis l'émergence d'une forme nouvelle de savoir prolongée dans cet ouvrage avec des écrivains, philosophes, artistes.

Lectures de Léa Bismuth, Mathilde Girard, Yannick Haenel, Bertrand Schefer, Pierre Weiss.
Projection d'un film de Georges Tony Stoll, Film, 26 minutes.

Serpentine Galleries present the third instalment of this year-long symposium and research project, presented as part of the General Ecology project. The Shape of a Circle in the Mind of a Fish with Plants brings together scientists, anthropologists, artists and theologians around plant sentience, plant intelligence, communication with the vegetal world and forms of mysticism and healing. Participants include Saelia Aparicio, Antoine Bertin, Vivian Caccuri, Teresa Castro, Amy Hollywood, Kapwani Kiwanga, Natasha Myers, Michael Marder, Tabita Rezaire, Kim Walker, Elvia Wilk and more to be announced. A new commission from Chris Watson will be presented on the night.

THEIR PAST, YOUR PRESENT, OUR FUTURE is the third chapter of a series of international exhibitions organised under the title HOTEL EUROPA by French-Italian curator Théo-Mario Coppola. The project is an opened dialogue within different artists practices related to Europe as a state of mind and not necessary as a continent. The third edition of HOTEL EUROPA will highlight the cultural relations between the Georgian art scene and European artists.

In April 1955, representatives of 29 newly, and struggling-to-be, independent countries from Asia and Africa gathered for a conference in Bandung, Indonesia, to champion common interests of national sovereignty, decolonisation, anti-imperialism and economic development. The international meeting of new geopolitical alliances represented 54% of the world population at the time and signalled a pivotal moment for postcolonial political order. From this encounter emerged the Non-Aligned Movement (NAM) formed by nations that embraced the above and shunned the polarities of the Cold War ? the Third World. [...]

TAF will host GALLERIES dealing in CONTEMPORARY VISUAL ARTS, actively engaged in the organisation of exhibitions and contributing to the contemporary ARTISTIC DISCOURSE. Galleries are selected according to their professional REPUTATION, ARTISTS represented, CURATORIAL DECISIONS, geographical FOCUS, and commitment to building a SOUND ART MARKET. Participants in TAF 2019 edition include, from Georgia, LC Queissier, Erti, Project Art Beat, Ria Keburia Gallery, Window Project, Vanda Gallery, TBC, Baia Gallery, Chardin Gallery. And Kamel Mennour (France), Gisela Clement (Germany), Simone Subal (USA), Rooster (Lithuania), Q gallery (Azerbaijan), Art Agency (Bulgaria), Valid Photo BCN (Spain), Levy Delval (Belgium), L?Aleatoire (France), AB43 Contemporary (Switzerland), Eugster (Serbia), as well as The Screening Room (video art) in collaboration with Gallery Apart (Italy), Madragoa (Lisbon), 22,48m2 (France), Jerome Poggi (France). Galleria Continua (France, China, Cuba, Italy), Vin Vin (Austria), Levy Delval.TAF will host GALLERIES dealing in CONTEMPORARY VISUAL ARTS, actively engaged in the organisation of exhibitions and contributing to the contemporary ARTISTIC DISCOURSE. Galleries are selected according to their professional REPUTATION, ARTISTS represented, CURATORIAL DECISIONS, geographical FOCUS, and commitment to building a SOUND ART MARKET. Participants in TAF 2019 edition include, from Georgia, LC Queissier, Erti, Project Art Beat, Ria Keburia Gallery, Window Project, Vanda Gallery, TBC, Baia Gallery, Chardin Gallery. And Kamel Mennour (France), Gisela Clement (Germany), Simone Subal (USA), Rooster (Lithuania), Q gallery (Azerbaijan), Art Agency (Bulgaria), Valid Photo BCN (Spain), Levy Delval (Belgium), L?Aleatoire (France), AB43 Contemporary (Switzerland), Eugster (Serbia), as well as The Screening Room (video art) in collaboration with Gallery Apart (Italy), Madragoa (Lisbon), 22,48m2 (France), Jerome Poggi (France). Galleria Continua (France, China, Cuba, Italy), Vin Vin (Austria), Levy Delval.

Curated by Alessandro Gallo

Le Tripostal, vaisseau amiral de lille3000, déroule le grand récit de l?Eldorado à travers une myriade d'oeuvres d'art contemporain empruntées aux quatre coins du monde avec plus de 40 artistes présentés. En trois chapitres, correspondant aux trois étages du lieu : Les Mondes rêvés, La Ruée et les Nouveaux Eldorado.

Hans Ulrich Obrist poursuit sa série d?Entretiens Infinis avec la Fondation Cartier lors d?un marathon de la parole au cours duquel il échange avec des artistes de l?exposition.
Avec Gabriel Abrantes (Portugal), Evgeny Antufiev (Russie), Charlie Billingham (Royaume-Uni), Kasper Bosmans (Belgique), Formafantasma (Italie), Miryam Haddad (Syrie, France), Lap-See Lam (Suède), Tenant of Culture (Pays-Bas), Marion Verboom (France) et Jonathan Vinel (France).

La revue - dans un clin d'oeil aux glorieuses aînées des années 30 et à l'esprit Music-Hall - propose un programme annuel d'interventions performatives. Après une première soirée solo pour chacun des invités, les trois artistes de la troisième saison investissent ensemble les espaces libres du plateau, le temps d?une soirée entre deux expositions.

Dans le cadre de cet événement d?une durée de trois semaines orchestré par Rhodnie Désir, des artistes de descendance africaine de Montréal et de la diaspora animeront rencontres et laboratoires socioartisitiques axés sur les enjeux et les expériences relatives aux droits civils et à l?engagement social. Présenté parallèlement aux performances de cinq artistes internationaux.
????
Kapwani Kiwanga
AFROGALACTICA : A brief history of the future [performance]
19/04/2019 20h

Since the second half of the twentieth century, in particular poets and artists in Eastern Europe have taken up the challenge of reflecting on and investigating the instrumentalization of language for communicative and political-ideological purposes. They did so by drawing attention to the material and medial dimension of language, and by creating performative situations for themselves and their audiences within which possibilities of verbal expression could be tested and acted out. The exhibition presents authors from subcultures in socialist states along with contemporary positions. Now and then, poetry and performance take on an exceptional topicality in periods of political crisis, as these ephemeral and flexible art forms enable the reflection of relations and contexts that remain otherwise undiscussed.
11/03/2019 - Workshop: Poetry & Performance

«Si la Raison n?y peut, que toutes ces morts y aillent, et nous lavent le regard!», Patrick Chamoiseau, Frères migrants.

Des gens périssent dans la Méditerranée, la photo du corps du petit Aylan Kurdi est gravée dans notre mémoire à tous, elle nous rappelle que ce sont des dizaines de milliers de personnes qui se sont noyées dans cette mer pour échapper à la misère, aux guerres depuis ce siècle nouveau.
Le Cyclop est un monument d?histoire de l?art et un monument d?histoire, c?est une sculpture qui fait état des doutes et des luttes du XXe siècle, de ses modifications, c?est une ?uvre éminemment politique. L?Hommage aux déportés d?Eva Aeppli nous rappelle l?histoire européenne et l?horreur des camps de concentration et d?extermination nazis. Il nous rappelle l?exode de nos parents, de nos grands-parents lors de la Deuxième Guerre mondiale, pas si lointaine. Si Le Cyclop témoigne de ces événements, il nous rappelle qu?ensemble, nous pouvons agir et changer le monde.
Voyageurs clandestins, expulsés, exilés, migrants climatiques et/ou économiques, réfugiés, enfin, une structure gonflable de 4 000 m2 de l?architecte Hans-Walter Müller a pu en accueillir certains de manière digne, un temps, porte de la Chapelle, à Paris.
Six artistes qui s?intéressent, dans leur travail, au sort des réfugiés ont bien voulu répondre à notre appel pour composer cette exposition et réfléchir à un nouvel horizon d?hospitalité.

LISTEN TO US is an invitation to listen to the works. Their sensual presence and intelligence are telling a lot about our common reality and encourage our own reflection.
Additionally, beside the works from the Art Collection Telekom, a few newly commissioned artworks by Bulgarian artists and some works of the recent history of contemporary art in Bulgaria will be integrated in the exhibition.
The project is accompanied by its own educational and mediation programme, reaching out to the general public, kids and schoolkids and elderly people. Starting in autumn 2018, first workshops establish practical training experiences for students and curators to mediate content and storylines of the works in the exhibition.The project is curated by Nathalie Hoyos and Rainald Schumacher.

Du 4 avril au 16 juin 2019, la Fondation Cartier pour l?art contemporain présente Jeunes Artistes en Europe. Les Métamorphoses, une exposition consacrée à la diversité des voix et à la vitalité des échanges qui animent le vaste territoire artistique européen. Elle réunit 21 artistes de 16 pays s?exprimant à travers la peinture, la sculpture, la mode, le design ou le film. L?exposition sera également rythmée par un ambitieux programme de Soirées Nomades. Premier volet d?une série d?expositions sur les jeunes scènes artistiques à travers le monde, Les Métamorphoses célèbre une nouvelle génération de créateurs incarnant le visage de l?Europe d?aujourd?hui et de demain.

Commissariat de Rudi Fuchs

[...] "Les Orphelins" correspondent aux photographies extraites de travaux réalisés par l'artiste tels que l'image d'un tuyau à la forme étrangement naturelle ou la photographie proche du tableau pictural de deux interrupteurs et d'un mur dont la fissure vient contrarier la géométrie.
Si son oeuvre ne relève pas de l'autobiographie," Autoportrait #2" de 1999 et édité en 2005, rappelle comme un clin doeil la présence de la photographe et sa pratique de terrain. [...]

« À l'échelle du cosmique, seul le fantastique a des chances d'être vrai. » Ce postulat énoncé par Teilhard de Chardin au milieu du XX^e siècle constitue une excellente entrée en matière pour accéder à cet autre monde, niché à l'intérieur de notre monde, auquel le titre de cette exposition fait référence.

UN AUTRE MONDE///DANS NOTRE MONDE questionne tous azimuts notre rapport au réel à travers de nombreux secteurs de la création et de la connaissance, aux frontières de la science, de la tradition, du fantastique, de la science-fiction et, in fine, du réel. L'exposition ravive une quête de savoir visant à dépasser l'apparente contradiction entre matérialisme et spiritualisme, aux croisements de l'art et de la technologie, de l'alchimie et de l'anthropologie, de l'érudition et de la culture populaire, de l'ésotérisme et de la physique quantique, de l'avéré et de l'imaginaire.

La Villette invite la jeune création à investir la Grande Halle et les Folies dans le cadre de la 4e édition du festival 100%. Véritable carte blanche donnée à 6 écoles françaises au rayonnement international, 100% L?EXPO présente une sélection de talents récemment diplômés. Pensée comme un tremplin pour les jeunes créateurs, l?exposition propose un panorama fidèle et exigeant de la scène artistique émergente.

Du 20 au 31 mars, 100% L?EXPO réunit pour la première fois les Beaux-Arts de Paris, l?École nationale supérieure des Arts Décoratifs (ENSAD), La Fémis, l?École nationale supérieure d?arts de Paris-Cergy (ENSAPC), l?École nationale supérieure de création industrielle (ENSCI ? Les Ateliers) et l?École nationale supérieure d?architecture de Paris-Malaquais.

 Un panorama inédit de la jeune création française en accès libre !

A collection is a closed set; hence the works selected for the exhibition certainly do not exhaust the topic of the transformations associated with the 1989 breakthrough in all its complexity. Yet the exhibited works obviously point to some issues which thirty years later, and viewed from today?s perspective, still seem not to have been properly worked through.
 
The main objective of the exhibition is to present the most important phenomena that emerged in Polish art after the year 1989. However, the presence of artists originating from Central-Eastern Europe and the countries of the South Caucasus which regained their independence after the fall of the Soviet Union (Armenia and Azerbaijan), is an extremely important element of the project. On the one hand, it arises from the curatorial conception of Collection II; on the other, it points to new, complex artistic geographies in the world of art, which emerged after the fall of communism, the disintegration of the world?s binary divide, and the illusory ?end of history?.

Parallèlement à l?exposition de Thomas Houseago, et à l?occasion de nouvelles donations majeures, le nouvel accrochage des collections du Musée d?Art moderne explore le thème de la narration envisagée comme une expression plastique plutôt que littéraire. Tel un récit révélé à travers l?histoire et le temps, Rumeurs & Légendes présente un art confronté à son actualité politique, sociale et esthétique tout en restant perméable aux aléas de l?histoire personnelle.

Les Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse proposent une exposition consacrée pour la première fois aux rapports entre Picasso et l'exil espagnol. Déployée sur deux étages des Abattoirs, elle explore comment le bouleversement historique et personnel de l'exil a touché Picasso, et aussi nombres d'artistes qui lui étaient contemporains.

Picasso et l'exil prend la suite de l'exposition Guernica présentée au musée national Picasso à Paris, qu'elle prolonge avec un nouveau volet, un volet contemporain, comprenant des appropriations de Guernica comme oeuvre de paix, des interventions artistiques sur l'exil, ainsi que des invitations à des commissaires et des artistes espagnols, complète cette thématique sur le site des Abattoirs. Dans le cadre d'un ensemble pensé à l'échelle du territoire, des expositions d'art contemporain sur les thèmes de l'histoire et de l'exil seront également développés dans d'autres sites toulousains et dans toute la région Occitanie, sous l'intitulé Je suis né étranger.

Inspired by a True Story: What was the Network of Networks?

Thirty years ago as the Soviet Union collapsed, the Open Society Institute, an unprecedented civil society initiative created by philanthropic activist George Soros, stepped in to facilitate vulnerable transition in most major cities throughout Eastern Europe and Central Asia. This non-governmental organization helped to implement a wide variety of neoliberal educational initiatives in areas such as public health and independent media that accelerated the path towards democracy and free-market thinking—ideals that were often incompatible with the previous system. One of the prolific ways this was done was by ushering in the most avant-garde program of contemporary art in human history in the form of the Soros Centers for Contemporary Art (SCCA), established in twenty major cities across the former bloc. [...]

The exhibition Southern Constellations: The Poetics of the Non-Aligned emphasizes the ideas, ideals and principles of the movement, particularly in close connection with its cultural policies and place them in a contemporary context with the question: Could there be a non-aligned contemporaneity? And if so, what would it be like? However, the topics covered in the exhibition are not to be considered some kind of exoticism of the past, nor do they harbor nostalgia for the movement itself. Instead, the focus is on the way the ?southern constellations? envisioned forms of politics that took as their starting point the life of peoples and societies that had been forcibly relegated to the margins of the global economic, political and cultural system. Struggles against poverty, inequality, and colonialism in the world system coupled with transnational solidarity which took many concrete forms could be included in a reconsideration of the history and legacies of the NAM today.

Créé il y a 11 ans, le Festival Art Souterrain est une grande exposition d?art contemporain qui investit plus de 6 km de souterrain et 8 lieux satellites.

Pour cette 11e édition, Frédéric Loury, directeur général d?Art Souterrain, a invité les commissaires Maude Arsenault, Martin Le Chevallier et Joyce Yahouda à se questionner autour de la thématique Le Vrai du Faux.

Durant trois semaines, des expositions d?artistes locaux et internationaux et des activités de médiation seront à découvrir dans un parcours souterrain et un parcours satellite. Avec le soutien du Gouvernement du Québec, le festival est gratuit et ouvert à tous. C?est l?un des événements majeurs de la saison hivernale à Montréal qui anime le quotidien de plusieurs milliers de personnes.

As part of the Demonstration Rooms project, Céline Condorelli, Kapwani Kiwanga and Judy Radul have been invited to reflect on the presentation of the collection in the Albertinum. In various rooms of the museum they have developed artistic interventions that interrogate customary viewing habits and spatial perception. Hence, this project builds upon the ideas of El Lissitzky who in 1926 created a ?Demonstration Room? for the Dresden International Art Exhibition, through which he sought to make the viewing of art a more active process by taking an unconventional approach to interior design. Even today, the progressive designs of Mondrian and Lissitzky still have the potential to inspire innovative thinking.

The title Dramaturkia. Chapter I: introduction is inspired by the work of Babi Badalov, an artist and poet from azerbaïjan. The exhibition, which will take place at the university of antwerp from february 22 of 2018 until may 22 of 2019, is the beginning of an exhibition cycle exploring the topic of the middle east. The viewers are to be immersed in a narrative space offering several levels of interpretation dealing with politics, history, women and conceptual ideas. Ten artists from various horizons, coming from the middle east as well as from western europe, will present their personal views on those contemporary issues. The term ?greater middle east? was introduced under the george bush administration in order to reshape this vast ensemble. Its boundaries were arbitrarily determined by the united states. Indeed, history and geography forged the middle east as well as fractured it.

In an era when humanity is facing new challenges posed by big data, bioengineering and climate change, Whitechapel Gallery has invited ten groups of artists, architects and other cultural practitioners to explore the potential of collaboration and offer their visions of the future. They imagine scenarios in which queer desire, house music and fracking meet on a mountainside; grief and microbes generate new possibilities for housing; or machines dispense objects and emotions to support our place in the technological world of tomorrow.

« L?avènement et la démocratisation des outils vidéos ont permis aux artistes de s?immerger dans les villes pour en extraire le pouls, les rythmes et les circulations »

Samedi 9 et dimanche 10 février 2019, de 12h à 19h, Clair Obscur et le Frac Bretagne s?associent pour une programmation de films d?artistes contemporains dont l?espace urbain est au c?ur de la démarche tels que Francis Alÿs, Fayçal Baghriche, Cécile Hartmann, Hervé Beurel.

At the core of Safe Passage, Kiwanga?s exhibition at the List Center, is an engagement with racialized surveillance and the power dynamics inherent in seeing and being seen. Kiwanga follows the lineage of surveillance and positions it in relation to blackness in America, from its roots in slavery to the role that technology performs today. Safe Passage presents four recent interconnected bodies of work that address the history of forced visibility, strategic concealment, and networks of resistance.

The invitation of the Câmara Municipal de Lisboa to Fundación ARCO to hold the Criteria exhibition falls within its programme of exhibitions of private collections that began with the Fundación Serralves Collection and that of Fundación La Caixa. This invitation will serve to further strengthen, if possible, ARCO and IFEMA’s ties with Portugal, as well as to continue furthering the work of Fundación ARCO in promoting the collecting and appreciation of contemporary art, especially on the Portuguese art scene.

In 2019 De Ketelfactory celebrates its 10-year anniversary. A wonderful occasion to bring together all artists who ever exhibited work here.
Winnie Teschmacher invited them to create a work of art about ‘silence’, no bigger than 30 x 30 x 30 cm. Allof the artists accepted her invitation. It is the start of De Ketelfactory’s ‘Silence collection’.
The images, writings, films and objects will be presented downstairs. The setup will change regularly, making for a constantly changing exhibition.
The ‘Silence collection’ has a predecessor. Some thirty years ago, a mysterious Museum of Silence travelled through our country. Curator and artist Rob G.M. Vrakking had used mail art to ask hundreds of national and international artists to send him an object about silence.
The response was overwhelming: sculptures, paintings, drawings and written pieces arrived in the post.
After ten years, the collection was consigned to the Osthaus Museum in Hagen, Germany. There, the works lay wrapped up and unseen in the attic for years.
In 2018 Kester Freriks – writer of the book Silence, space, darkness – appealed for the Museum of Silence to be brought back and exhibited in the Netherlands once more.
De Ketelfactory accepted the invitation and collected the archive from Hagen.
For the next months, the collection will be displayed in alternated setups on the top floor of De Ketelfactory.

On danse ? Oui, on danse. Tous. On n’est pas forcément Nijinski, Beyoncé, ni Fred Astaire, mais peu importe, à un moment ou à un autre, on danse : dans une fête, en club, dans un concert, ou seul dans son salon. La danse n’est pas qu’une affaire de virtuoses, nous la connaissons et la fabriquons tous. C’est bien de cela que traite l’exposition « On danse ? », présentée au Mucem : un fait social partagé, créateur de liens, qui traverse nos vies et nos sociétés de part en part.
Du corps, premier territoire de la danse, à la transe qui nous le fait oublier, l’exposition invite à découvrir la danse là où on n’a pas l’habitude de la voir et à réaliser à quel point elle modifie le rapport à soi et aux autres.
Dans une scénographie qui invite au mouvement, le visiteur est libre d’aller et venir, s’asseoir, s’étirer, s’allonger, s’adosser, pour découvrir films, pièces sonores et extraits de textes. Ces œuvres sont agencées en un flux audiovisuel de six heures qu’il s’agit de prendre au vol pour quelques minutes ou quelques heures.
Libre à vous de passer d’un écran à un autre, d’éprouver et choisir la façon dont vous regardez, écoutez, au gré des volumes, des courbes et des matières de l’espace d’exposition… On danse ?

Grace Wales Bonner explores mysticism, ritual and magical resonances within black cultural and aesthetic practices. Over the course of one month, a multi-sensory installation and a series of happenings will invite contemplation and activate the spaces of the Serpentine.

The exhibition will include a series of site-specific shrines by Kapwani Kiwanga, Eric N. Mack, Paul Mpagi Sepuya and Grace Wales Bonner. The musician Laraaji will lead a series of meditation workshops during the exhibition?s opening days that will become a lasting shrine of sound within the space, whilst Rashid Johnson?s installations using carpets will create a sense of grounding throughout the Gallery. Interested in the improvisation, intentionality and repurposing of shrines from the Black Atlantic, Wales Bonner will draw upon their relational nature, as material portals into multiple worlds and frames of experience.

Figure de l'art underground de Saint-Pétersbourg dans les années 1990, Babi Badalov s'est installé àParis où il a obtenu l'asile politique en 2011 après plusieurs années d'une destinée de sans-papiers et de camps de rétention.

Sa biographie se transcrit dans ses poèmes visuels, qui constituent une chambre d'écho des langues qui le traversent, des slogans politiques et publicitaires qu'il travestit et métamorphose en jeux de langage traduisant ses indignations, ses incompréhensions et les turbulences géopolitiques d'un monde contemporain dont il dénonce les polarisations (nord-sud, est-ouest, occident-orient).

Calligraphiées sur des carnets, des tissus ou sur les murs, les invocations de Badalov constituent un état sensible d'un monde en crise et en déficit de poésie. Lors du vernissage, performance dansée : Body Bada Love créée par Aurore Floreancig - Chorégraphe en résidence au Safran.

Dans cette création, la danse, le corps en action entrent en dialogue, en écho, en résonance et contrepoints avec l'univers visuel de Babi Badalov.

Depuis 2011, De Vishal attribue le prix d'art Vishal à l'un de ses membres tous les deux ans. Il existe trois catégories : le prix du jeune talent, le prix de mi-carrière et le prix de l'oeuvre. Cette année, Kees Visser s'est vu attribuer la dernière catégorie. Le prix consiste en une exposition personnelle au Vishal et une somme d'argent. 'nadorst' présente une sélection de ses oeuvres des années soixante-dix. L'exposition ouvrira le 15 décembre à 16h et se poursuivra jusqu'au 13 janvier 2019.

Informelle, intellectuelle, conflictuelle, la conversation permet d’étendre et d’articuler la pensée, de faire fructifier les idées, de sorte qu’adviennent de nouveaux possibles. Échanger avec l’autre permet de changer, sans se perdre ni se dénaturer, soutient Edouard Glissant. Et si l’entretien est devenu l’une des formes privilégiées du discours sur l’art contemporain, ce n’est pas seulement par regain d’intérêt pour la parole de l’artiste. C’est aussi parce qu’il éclaire les coulisses de la création et révèle, a posteriori, des trajectoires insoupçonnées.

Pour sa carte blanche au collectif Empreinte, la revue Possible publie une série d’entretiens réalisés par les jeunes commissaires du collectif auprès d’artistes émergent·e·s ou confirmé·e·s, avec la complicité de Marianne Derrien, critique d’art, commissaire d’exposition indépendante et chargée de cours à Paris 1. À l’occasion du lancement de ce numéro hors-série, les artistes rencontré·e·s sont invité·e·s à présenter leur travail dans un espace commun. Après le temps de la parole vient le moment de la publication, pérennisant un échange qui finalement s’incarne dans le temps, éphémère, de la monstration.

Peintures, sérigraphies textile, céramiques, installations, parfums, collages ou vidéos, les œuvres éclectiques de Raphaël Barontini, Pauline Bazignan, Jessica Boubetra, Julie Buffard-Moret & Raphaël Emine, Julie C. Fortier, Bertrand Lamarche, Lei Saito et du duo Trapier-Duporté sont rassemblées de manière inédite. Leurs médiums captent l’attention de tous nos sens, si bien que leur rencontre, presque fortuite, engendre des relations inattendues entre les œuvres. Pour un court moment de leur existence — le temps d’un week-end — elles se confrontent à l’altérité et entrent, à leur tour, en conversation.

Cette exposition collective est aussi l’occasion d’évoquer une réalité à laquelle beaucoup d’artistes sont confronté·e·s en amont du temps d’exposition : celle des ateliers partagés, qui peuvent devenir des lieux de mise en commun des ressources comme des idées. Le partage de l’espace de création est une question d’autant plus pertinente au sein de ce lieu de résidence et de production qu’est la Villa Belleville. Le rapport des artistes à leur atelier — partagé ou non — a d’ailleurs été l’une des questions abordées au cours des entretiens publiés dans la revue Possible. Quelle est l’incidence de l’environnement de travail sur la création ? Comment cohabiter, collaborer voire co-créer au sein d’un espace partagé ? Les artistes, seul·e·s ou en duos, le savent — tout comme les commissaires : travailler à plusieurs est un défi, un dialogue constant, une joute parfois. Entente ou confrontation, convaincre ou être convaincu, c’est toute une rhétorique du travail collectif qui se met en place dans la conversation.

Conçue comme une réponse au centenaire de la Première Guerre Mondiale, Sans tambour ni trompette ? Cent ans de guerres permet de revenir sur la Guerre des Tranchées ainsi que les guerres suivantes. Aux quatre coins du monde, les conflits n'ont pas cessé, l'Homme s'obstine au combat. Si des réflexions autour de la mémoire, de la commémoration ou encore de l'Histoire sont inhérentes à la démarche de certain.e.s des artistes invités, c'est avant un regard sur une époque qui est proposé : celle des guerres contemporaines. L'exposition croise des pistes de recherches liées à l'armement, la violence, l'hostilité, la stratégie, les déplacements de population, la théâtralisation, la réparation, l'information, les migrations, le territoire. C'est la guerre comme phénomène social et culturel qui émerge.

Nikita Kadan engages in contemplative art, tying closely in with the social circumstances and history of Ukrainian and Soviet culture. His objects ? even if referencing extreme experiences ? are devoid of emotional embellishment. Kadan exercises his activities on images, objects, archives, yet primarily on local 20^th and 21^st century discourses in a global perspective. In a quest for inspiration, he travels the world, explores literature, the Internet, cultural institutions storage and archives, and co-operates with groups of people representing a broad spectrum of political preference.

Les Revues phonographiques :
Avec Jalal Aro , Bertrand Lamarche, Violaine Lochu, Dominique Petitgand, Jérôme Poret, Marie Reinert + DJ Ravi Shardja
Sous la forme d?intervention brève et orchestrée de disques d?artistes, de connaisseurs et de collectionneurs. Venez découvrir quelques histoires particulières du support phonographique qui a parcouru les deux siècles précédant en leur donnant une lecture singulière jusqu?à nos jours

DJ set de Ravi Shardja aka Xavier Roux,compositeur, musicien soliste ou en groupe (Couloir Gang, GOL, Art & Technique?)

The exhibition interprets the Phrygian myth of Attis recorded in Pausania, with its motifs of fluidity and transformation of female and male,living and dead, anatomical and floral, human and divine ? bringing these motifs into contemporary political context.

Shadows suivi d?une rencontre/discussion à l?occasion de la sortie du catalogue The Plot

Shadows est une pièce performée par Bertrand Lamarche prenant comme espace et comme figure la maquette d?une ville, mêlant projections sonores et vidéo live.

La performance sera suivie d?une discussion avec Nathalie Leleu et Ingrid Luquet-Gad, auteures / critiques invitées pour l?ouvrage The Plot, édité par La Maréchalerie, centre d?art contemporain/ENSA-V, à l?occasion de sa sortie.

Pensé dans le prolongement de son travail à La Maréchalerie, The Plot présente le travail de Bertrand Lamarche. Mêlant vues d’expositions, documents d’archives, photographiques et oeuvres graphiques, la publication interroge la récurrence des formes et des motifs dans son travail ainsi que son rapport au réalisme, dans le double mouvement de figuration/modélisation et de disjonction qu’il met en place avec le réel.

---

The Plot

128 p.

Edition bilingue français & anglais

Avec des textes de Nathalie Leleu et Ingrid Luquet-Gad 

Design Graphique Charles Osmond Villa

Edité par La Maréchalerie, centre d’art contemporain/ENSA-V en partenariat avec le frac île-de-france

Prix 28 €

« Les formes du monde » sont toutes entières contenues dans un dessin, voilà ce qu'on pourrait dire en particulier des oeuvres réunies ici. C?est avec ce point de départ que Johana Carrier et Marine Pagès ont formé le groupe constitué de Io Burgard, Matthieu Cossé et Dirk Zoete.
L?exposition « Comme les nuages, les formes du monde tournent les unes dans les autres », citation extraite d?un poème de Hans Arp, est à l?image du dessin qui cherche, forme et se déploie sans fin, faisant écho à la manière de travailler de ces trois artistes, à la représentation du monde avec et à partir du dessin. Seules quelques lignes ont la capacité de créer un espace, des figures, comme une illusion de profondeur suggère un volume. Tout ce qui se dessine ici converge.

Créée en 2008 par Johana Carrier et Marine Pagès, Roven éditions est une structure éditoriale associative française. Elle publie la revue critique sur le dessin contemporain Roven ainsi que des ouvrages sur l'art contemporain et le dessin.

En parallèle de l'exposition, une soirée de projection de films d?artistes aura lieu le Samedi 17 Septembre. Le film de Georges Tony Stoll, Gravité Abstraite, de 2003 sera diffusé à cette occasion. 

Anna-Eva Bergman (1909-1987) is a Norwegian artist who considers the ?rhythm? such a painting essential structural element, a rhythm resulting from the use of certain materials -metal sheets, gold leaf, silver or copper- forms, lines and colours. Her work undergoes a radical turn from the 50s, when she focuses on pictorial abstraction. The landscape then becomes the essential reference of her work: natural motifs, Scandinavian mythology -stones, planets, mountains, boats- or Norwegian light. Her relationship with Spain began in 1933, when she settled for a year in Menorca with her partner, Hans Hartung. The trip to Andalusia in 1962 will be, however, the most decisive for her work: there she begins to elaborate her first horizons, a motif that she will resume when contacting with the Norwegian landscapes. This link between Norway and Spain -north and south- leads to a similar formality between both landscapes, which acquire, on the other hand, very different tonalities. The stone motifs it is also fundamental in the artist, which began to develop in 1951 on her trip to Norway and took over in the early seventies to travel the interior of the peninsula, as testified by her series ?Stones of Castile?.

Retour de Fordlândia est une exposition qui présente un ensemble d’œuvres, actions, gestes, réalisés à l'occasion ou au retour de la résidence. Fordlândia, une archive à ciel ouvert est le titre du colloque qui se tiendra une semaine durant, sous la forme de tables rondes quotidiennes pour discuter et comprendre ce que Fordlândia veut dire, aujourd’hui.

Le colloque organisé à Paris s’inscrit dans un projet international, qui engage la France et le Brésil mais aussi des artistes et chercheurs de différents pays d’Europe (Allemagne, Belgique, Canada, Portugal, Liban). L’expérience à l’origine de l’ensemble du projet est une résidence embarquée sur un bateau voguant de Santarém à Fordlândia, sur le rio Tapajós, en Amazonie. Ce moment partagé, avec 20 artistes et chercheurs de cultures, de nationalités, d’âges différents, déploiera ses enjeux et ses résultats à l’occasion de l’événement organisé à La Colonie.

Punk Orientalism focuses on the theme of non-conformity as a tool for investigating contemporary art and critical enquiry on the spaces and places that identify with Central Asia and the Caucasus from a post-Soviet perspective. Rooted in the conceptual capacity of ?punk? the exhibition centres on the contemporary theme of resistance and highlights the practices of artists who have questioned changing and divided societies from a variety of different historical and conceptual vantage points. Featuring a spectrum of recent artwork, projects, text based art (zines) and new media Punk Orientalism presents a forum for diverse artistic voices from a complex and multifaceted part of the globe, where artists have actively challenged draconian state and academic policies, mapped new territories and formed new artistic movements. Overall the exhibition aims to present overlooked models of artistic reality, which cross-circulate between different societal, cultural and political systems and provide alternative contexts from which globalism and other modernisms can be accessed from a non Eurocentric perspective. By adopting an ideas driven narrative Punk Orientalism offers proposals that solicit a redefinition of fixed geographical rubrics and instead offers a nuanced survey of recent artistic thinking.

If one of the main purposes of science fiction is to predict the future by simultaneously analysing the present and the past, it is important to emphasise that this genre?s literary tradition was continually hostage to the patriarchal and white narrative of its authors. Over recent decades, Afrofuturism has defended an artistic practice that combines scientific fiction with elements and traditions of a diaspora that is attentive to its historical roots in an Ancient Africa well before the colonial era. Can a community whose past has been deliberately erased seek out marks from its history and imagine possible futures?

During November 9, december 16, 2018,  an exhibition "(un)named" will be on display at the Museum of Odessa Modern Art. It combines reflections of the artist Nikita Kadan, historians, and other scholars on the subjects of contested issues of the past, particularly those connected with the crime of the Nazis and Stalinism, ethnic cleansings and other acts of violence in the 1930-1940s.

Les premiers travaux de Kees Visser portent sur la recherche sur les mots et la structure du langage. Vient ensuite l'évolution vers une représentation plus abstraite. Cela s'exprime finalement dans la peinture et surtout dans l'utilisation de la couleur et des formes géométriques. Lorsque Kees Visser quitte les Pays-Bas (années 70) et s'installe en Islande, son ?uvre a toujours une affinité avec l'art abstrait et Fluxus. En Islande, il a vécu près de la nature pendant près de 15 ans, ce qui a considérablement influencé son travail. Dans les années 1990, son travail est devenu plus sériel et méthodique, et de grandes peintures monumentales et monochromes ont été créées sur papier. Celles-ci constituent toujours une part importante de son ?uvre actuelle. Kees Visser a récemment remporté le Vishal Kunstprijs 2018, un prix fixé par l'association des artistes haarlemois De Vishal.
Le point de départ des photographies des installations temporaires de Kuno Grommers est son arrangement en studio de taille modeste. Il est simplement défini par deux murs, un plafond et un plancher. Pour les travaux photographiques, il utilise généralement une projection isométrique. Les effets de trompe l'?il et les définitions spatiales font des photographies de ces constructions perspectivales autonomes une série fascinante. D'autant plus que ses inscriptions sont toujours prises du même point de vue.
La qualification de sculpteur correspond le mieux à l'?uvre d'Erik van Spronsen. Ses ?uvres, souvent en acier (cortèn) ou en marbre, se retrouvent généralement dans l'espace public. Ces sculptures sont méticuleusement calculées par ce mathématicien et d'abord réalisées à l'échelle pour permettre une recherche objective. Le cube ou son dérivé sert de point de départ et d'élément constitutif.
Rosa Johanna vit et travaille à Amsterdam. La base de sa pratique en tant qu'artiste réside dans la peinture. Elle recherche les caractéristiques de la peinture sous des formes médiatiques telles que le film et l'installation. Rosa Johanna a été nominée pour le Volkskrant Beeldende Kunstprijs 2018 et les Koninklijke Prijs voor de Vrije Schilderkunst 2018.
En 2008, l'artiste conceptuel Wjm Kok a fait un pas qui n'a pas été souvent montré. Il commence ensuite ses recherches de doctorat chez PhDArts. Son travail consiste en une peinture conceptuellement informée dans laquelle le ready-made et le monochrome reviennent régulièrement. Il réalise des séries de peintures abstraites minimalistes, enseigne à l'Académie Rietveld et participe à des projets artistiques dans l'espace public. Ses recherches portent sur la relation entre son propre travail en série et le livre Différence et Répétition (1968) du philosophe poststructuraliste français Gilles Deleuze. Deleuze le fascine depuis des années.

Le Musée national de l'histoire de l'immigration et le MAC VAL - Musée d?art contemporain du Val-de-Marne ? s'associent dans un projet qui interroge la notion d'hospitalité à travers le prisme de la création contemporaine.
Les deux institutions - un musée de société qui valorise la création contemporaine et un musée d?art contemporain qui questionne les phénomènes de société - proposent ensemble Persona grata, une exposition en deux lieux et une large programmation, dans laquelle les artistes abordent avec leurs propres vision et sensibilité toutes les dimensions de ce qui construit ou bouscule les notions d?accueil et d'altérité.

Source d'inspiration majeure de l'histoire de l'art, la nuit continue de fasciner les artistes au XXe siècle, et aujourd'hui encore demeure un terrain d'expériences fécond. Si la proposition peut paraître d'emblée comme une contradiction, « peindre la nuit » se révèle au contraire riche de sens.

D'abord parce que la nuit n'a jamais été noire : « Souvent il me semble que la nuit est encore plus richement colorée que le jour » écrit Vincent Van Gogh en 1888, et l'est encore moins depuis les bouleversements apportés par l'éclairage public et l'électricité. Ensuite parce qu'elle permet, tant sur le plan physique que symbolique, ce « détachement du monde » si cher à la modernité. Le moment du crépuscule pourrait d?ailleurs être la parfaite métaphore de la volatile frontière entre figuration et abstraction.

À travers une approche essentiellement perceptuelle plutôt qu'iconographique, l'exposition se présente comme une expérience nocturne, une déambulation qui transforme le visiteur à son tour en noctambule.

Le titre contient volontairement une ambiguïté : soit peindre la nuit signifie représenter la nuit, soit peindre de nuit. Peindre l'obscurité ou peindre dans l'obscurité, c'est déjà faire un choix, celui d'affiner sa vision extérieure ou bien celui de l'abandonner.

Le parcours est constitué comme un cheminement qui suit l'évolution de nos sensations et de notre perception de la nuit : après le crépuscule indécis, une intensité impénétrable dans laquelle on se perd, puis avec l?accoutumance de l'oeil, les formes s'affinent et les couleurs apparaissent, des phénomènes surgissent, jusqu'à ouvrir de nouveaux mondes intérieurs. On avance ainsi dans l'exposition comme on avance dans la nuit : comment la peinture a développé des moyens propres pour témoigner d?une perception altérée du monde ? Comment capter et retranscrire la richesse et l'amplitude du sentiment nocturne ? Que dit-il de notre place dans l'univers et dans le temps présent ?

The Museum of Modern Art in Warsaw and the Museum of Warsaw welcome guests to the 10th edition of the WARSAW UNDER CONSTRUCTION festival, taking place this year in both Warsaw and Kiev at once. The Warsaw exhibition will be held in the former Cepelia pavilion at the intersection of ul. Marsza?kowska Street and Al. Jerozolimskie in the city centre.

À la manière d?un voyage, cette exposition vous invite à découvrir des installations et des vidéos immersives, augmentées et interactives qui célèbrent la nature et ses éléments. Des paysages à explorer, à habiter comme autant d?histoires dont vous êtes l?auteur et qui révèlent les corrélations subtiles et ambiguës qui lient le destin de l?homme à son environnement naturel.

Grâce aux avancées des techno-sciences, nous disposons d?une compréhension et d?une maîtrise de la nature jusqu?ici inégalée, alors même que la menace que nous faisons peser sur elle est au plus haut. Les 23 ?uvres présentées soulignent ce paradoxe, entre sublimation, réinvention du paysage de manière poétique et onirique et témoignage du pouvoir de nuisance de l?humanité sur la planète.

Kapwani Kiwanga creates works across installation, sound, performance, sculpture and video that marry her training in anthropology, comparative religion and documentary film with her interests in history, memory and storytelling. Presenting rigorous research in imaginative ways, Kiwanga intentionally confuses truth and fiction in her work to enable marginalized narratives to flourish. With a veracious appetite for exploring different pockets of knowledge, she has tackled subjects as far ranging as space travel, anti-colonial struggles, geology and disciplinary architectures.

The first exhibition, "The World on Paper" will focus on the bank's extensive collection of paper-based works, featuring Germany's Katharina Grosse and American artist Ellen Gallagher, as well as Nairobi-born and Brooklyn based Wangechi Mutu.In total, the grand opening of the palace will show around 300 highlights from the bank's extensive collection of works on paper, which it began building in the 1970s. The show will run until January 9, 2019.

Le frac île-de-france organise au Château de Rentilly* (Parc culturel de Rentilly ? Michel Chartier) une exposition à partir de sa collection relevant intrinsèquement du plus pur des hasards : un tirage au sort, ouvert à tous via un plugin sur le site internet du frac, a été organisé du 25 mai au 10 juin 2018 pour choisir une lettre de l?alphabet, lettre déterminant le choix des artistes exposés. La lettre « gagnante » est le « L » : tous les artistes présents dans la collection du frac dont le nom commence par « L » font donc partie de l?exposition et toutes leurs ?uvres sont systématiquement présentées

Parajanov at Asymetria marks the first Polish show of this minor retrospective of photography by Yuri Mechitov. 

The third cycle of Temporary Structurein which artists design a functional background for the gallery saw the creation of a cloakroom by Klára Hosnedlová, as well as the first presentation space (display) designed by the Belgian artist Wesley Meuris. Pictures and textiles from the property of the City of Ostrava have replaced artworks by the winners of the Jind?ich Chalupecký Prize from the Magnus Art collection as decorative and conceptual elements of the interior (decor).

Since the second half of the twentieth century, in particular poets and artists in Eastern Europe have taken up the challenge of reflecting on and investigating the instrumentalization of language for communicative and political-ideological purposes. They did so by drawing attention to the material and medial dimension of language, and by creating performative situations for themselves and their audiences within which possibilities of verbal expression could be tested and acted out.
The exhibition presents authors from subcultures in socialist states along with contemporary positions. Now and then, poetry and performance take on an exceptional topicality in periods of political crisis, as these ephemeral and flexible art forms enable the reflection of relations and contexts that remain otherwise undiscussed.

Le projet d’exposition Middle Gate II – L'histoire de Dimpna est une collaboration entre le M HKA, Musée pour l’ Art Contemporain à Anvers, et le centre culturel de Werft à Geel. Middle Gate 2 est la suite de l’exposition Middle Gate de Jan Hoet à Geel en 2013. Le concept de l’exposition est étroitement lié à la légende de sainte Dimpna, la patronne des possédés et malades mentaux, et la sainte protectrice contre l’épilepsie et la folie.  La légende de Dimpna est très liée à l’identité de la ville de Geel,  “la ville miséricordieuse”.

Metaphorai. Narration Created Humanity

The project?s 2018 edition is titled ?Metaphorai. Narration-Created Humanity?, and will take place at the Ancient Bath contemporary art complex between 14 September and 14 October. The edition?s curators will be Katya Angelova and Alessandra Poggianti. The title, ?Metaphorai.?, corresponds to the Greek word for public transport vehicles: "You take a metaphor ? a bus or a train ? to go to work or get back home. Stories can carry this noble name too: Everyday stories that cross and organise locations; they pick out the locations and link them; they then create sentences and routes out of them".* The exhibition explores the city as a collection of possible stories, and also as a blank sheet of paper that welcomes a story each time somebody is looking at it or is pacing around it in a different manner.

M HKA : EXTRA MUROS

Exhibition project Middle Gate II ? The Story of Dymphna is a cooperation between M HKA, the Museum of Contemporary Art Antwerp, and cultural centre de Werft in Geel. Middle Gate II is the sequel to the exhibition Middle Gate made by Jan Hoet in Geel in 2013. The concept of the exhibition is intricately interwoven with the legend of Saint Dymphna, patroness of the possessed and mentally ill and patron saint against epilepsy and insanity. The legend of Dymphna is also closely linked to the identity of Geel, town of mercy.

During a trip to Mexico, painter Eva Nielsen and sculptor Marion Verboom, explored Mexican, Mayan and Aztec architecture, both vernacular and contemporary. Nielsen and Verboom are interested in the organic aspect of these architectures invoking hidden worlds that seem to reappear on the surface of the world. Inspired by Luis Barragán and his architecture, a symbol of the blend of modern architecture and Mexican culture, the exhibition affirms the power of these visions of the world by mixing multiple cultures hardly present in the founding myths. Between naturalism, stylization and geometrization, a history of past and future forms is at stake, that of the ruins of a civilization that has been or is yet to come.

Cette exposition est conçue comme une expérience unique et s?inscrit comme les deux précédentes, Dépenses et Intériorités, dans une volonté d?expérimenter les conditions d?une exposition collective réunissant des productions inédites. Vertiges clôturera ce cycle, avec notamment neuf artistes sollicités sur le même principe de production hors norme, témoignage d?une recherche curatoriale fondée sur un principe d?écriture confrontant l?art contemporain à une pensée fondatrice du XX^e siècle.

Après l?énergie diffusée dans ses excès pour Dépenses, et un voyage nocturne au bout des possibles dans Intériorités, voici venu le temps d?une quête de l?abstraction sensorielle et d?une ouverture extatique. Ainsi, Vertiges, déployée dans les 1500 mdes quatre niveaux de Labanque, fait la promesse d?une promenade étrange et déroutante. Le vertige n?est-il pas avant tout une sensation physique, un trouble, une perte d?équilibre ? C?est aussi un état mental d?épreuve d?un impossible poétique que l?on aimerait pouvoir décrire, mais qui se laisse difficilement saisir. Désirant cet extrême inatteignable, l?exposition souhaite mettre en scène « une chute dans le vide du ciel », un élan, celui d?une existence sans borne.

Après la réussite publique et critique du premier Festival Extra ! consacré aux littératures hors du livre, le Centre Pompidou a choisi d'en poursuivre la dynamique et d'en lancer la deuxième édition. Avec ce rendez-vous très spécifique et clairement identifié, la littérature s'inscrit pleinement au programme du Centre Pompidou et y apparaît comme un art dûment contemporain.

?One Thing Plus Another Thing or One Thing Minus Another Thing.
That?s How Stories Begin.?
(Quoted from: ?Le Rapport Darty?, Jean-Luc Godard & Anne-Marie Mie?ville, 1989)

Helena Almeida
Katinka Bock
Pavel Büchler
Heman Chong
Julien Crépieux
Angela Detanico & Rafael Lain
Jason Dodge
Omer Fast
Laëtitia Badaut Haussmann
Christopher Knowles
Dominique Petitgand
Amalia Pica
Jimmy Robert
Yann Sérandour
Ian Whittlesea

Curated by: Chris Bestebreurtje, Petra Kuipers and Sam Steverlynck

The Inhabitants of Colosseum
Performance, sound sculpture
27 July 2018, 8 pm
Colosseum, Stone Bridge 

The Inhabitants of Colosseum
Installation, 2018
Städtische Galerie im Leeren Beutel

Quatre artistes, quatre oeuvres qui présentent autant de variations sur le thème du paysage.

De la grotte mythologique originelle d?Etienne Chambaud au voyage aérien dans les végétations de synthèse de Bertrand Lamarche, de l?apparition  lumineuse éphémère de Lucie de Laflorentie aux ciels de l?enfance de Jason Glasser, de multiples dimensions du paysage s?ouvrent et se proposent aux visiteurs du domaine.

Pour l?installation du Musée sans bâtiment aux Quatre-Chemins, Yona Friedman initie des échanges avec les habitant.e.s du quartier et identifient les acteurs.rices, autorisent les envies pour permettre la réalisation de « Meubles + », la production de projets d?expositions et de collections appartenants aux habitant.e.s, ainsi qu?un programme d?actions dans le Musée sans bâtiment. Les idées d?animations pour les « Meubles + » seront proposées par les acteurs principaux du quartier des Quatre-Chemins (habitant.e.s, commerçant.e.s, enseignant.e.s ou habitué.e.s) et les interlocuteurs.rices invité.e.s par le Cneai (architectes, artistes, chercheurs.ses, paysagistes, sociologues, urbanistes). Les cellules seront alors aménagées par ces acteurs, lesquels improvisent des meubles au grè de leurs inspirations et de leurs besoins ; ils collecteront des histoires, images et objets qui seront révélés dans le Musée sans bâtiment.

The exhibition Yesterday, Today, Today at Art Space Schloss Buchberg near Gars am Kamp is a joint project by the collectors Gertraud and Dieter Bogner and mumok. We present works inside and outside by eight artists that enter into dialog with the historical architecture and the surrounding landscape and thereby set off an inspiring interplay between history and present, yesterday and today.
The Bogners have been using this originally medieval castle since the 1970s as a dynamic stage for the exploration of contemporary art. References to architecture and to abstract forms and an interest in works that take an analytical approach to language and new media technologies have always been key elements in the Bogners? collecting philosophy. These themes and this diversity of media are the basis of this exhibition, which runs against traditional delineations between art genres and the conventional contrasts between past and present. By bridging different periods, the works on show also present the coexistence of abstract forms and concrete contents and of aesthetic structures and real situations.

En 2013, l?association Art + Université + Culture a initié, dans le cadre de l?action Nouveaux commanditaires de la Fondation de France, une commande artistique confiée à l?artiste belge Wesley Meuris visant à rendre tangible l?important patrimoine artistique des établissements d?enseignement supérieur français. Exposée au niveau 5 du Musée National d?Art Moderne, The Public Art Center est conçue comme une institution muséale fictionnelle prenant la forme d?un inventaire de la collection des oeuvres des universités. À la fois archive, collection et exposition, cette sculpture composée de caisses de transports ouvragées par l?artiste et de deux cent cadres présentant des montages-collages originaux permet de mesurer la richesse du patrimoine des universités françaises.
Cette commande artistique d?envergure confiée à Wesley Meuris, dont la production et la médiation ont été assurées par la structure not-for-profit SOCIETIES a fait l'objet d'un don, et est inscrite à l?inventaire du Fonds national d?art contemporain, collection gérée par le Centre national des arts plastiques. Elle est destinée à être exposée dans les musées internationaux et nationaux, faisant ainsi entrer non pas l?art à l?université, mais l?université au musée.

With a keen sense for drawing and for use of materials, Anna Zvyagintseva captures traces of daily life, encounters, coincidences or autobiographical facts in her sculptures, drawings and film works. Ukrainian artist Nikita Kadan uses his artworks to compel us to think about the manipulations of history that occur in modern political and historical discourses. 

The exhibition attempts to respond to the current debate in Poland and around the world on the ?crisis of Enlightenment values.? To what extent is the crisis something new and self-contained, and to what extent is it inherent in the internal dynamics of the Enlightenment? The issue of the Enlightenment is always an issue of the here and now: any understanding of today?s reality without drawing on the sources of modernity will always be incomplete. This is clearly evident in the Polish context, where discussions and conflicts over the approach to modernity, and the role of religion and tradition, the significance of what is public and shared, have remained unresolved since the days of Stanis?aw August, but continue to drive thinking about a better future.

Portes ouvertes aux Maisons Daura, le vendredi 12 mai de 18h30 à 22h à Saint-Cirq-Lapopie, dans la cadre du Parcours d'art contemporain en Vallée du Lot qui se déploie pendant l'été.

Ce printemps, les Maisons Daura accueillent Fayçal Baghriche, Mohssin Harraki, Euridice Kala, Lucie Laflorentie et Dana Whabira. Ces artistes sont invités en résidence afin de réaliser des oeuvres sur place aux côtés de commissaires : Caroline Hancock (critique d'art, éditrice et traductrice indépendante) et Martine Michard (directrice de la maison des arts Georges et Claude Pompidou de Cajarc), les artistes se sont présentés.

Fayçal Baghriche né en 1972 à Skikda, Algérie, vit et travaille à Paris. Entre performance, installation, vidéo et photographie, Fayçal Baghriche joue du décalage pour distancier une réalité normée et élaborer une nouvelle poétique du réel.

Programmation de la vidéo "Philippe".

Si l'exposition inaugurale Histoire des formes privilégiait l'approche formaliste et silencieuse de l'oeuvre d'art, Formes d'histoires est à découvrir comme un retournement qui place le récit au coeur de l'oeuvre, vers la forme d'histoire qu'elle contient dans ses coutures, ses replis, ses accidents de matière.

Figure tutélaire de cette exposition, Erik Dietman parlait ainsi de « panser les choses », comme pour les préserver d'une lecture trop directe et autoritaire, les libérer d'un réel réducteur pour leur imaginer une nouvelle renaissance, une inscription dans le merveilleux et le féérique, le mystérieux et le grotesque, la poésie et le secret.

Dans le troisième chapitre Variation on Time, Karma Ltd. présente le travail d'artistes féminines qui traitent des temps organiques non anthropocentriques et remettent en question les modèles temporels traditionnels. En donnant accès à des formes de connaissance et de compréhension que la culture linéaire et anthropocentrique dominante du temps supprime, ils nous invitent à imaginer différentes manières de coexistence interespèces et de contre-narration.

Travaillant avec le son, le cinéma, la performance et les objets, Kapwani Kiwanga (né au Canada, basé à Paris) s'appuie sur des recherches approfondies pour transformer l'information brute en enquêtes sur les récits historiques et leur impact sur la formation politique, sociale et communautaire. Son travail se concentre sur des sites spécifiques à l'Afrique et à la diaspora africaine, examinant comment certains événements se développent et se déploient en récits populaires et folkloriques, et révélant comment ces histoires prennent forme dans les objets et les histoires orales. Anthropologue de formation, Kiwanga joue ce rôle dans sa pratique artistique, utilisant l'information historique pour construire des récits sur des groupes de personnes. Kiwanga n'est pas seulement investi dans le passé mais aussi dans l'avenir, créant des dossiers spéculatifs de civilisations futures pour réfléchir sur l'impact des événements historiques. Dans la série Subduction Studies (2015-2017), Kiwanga observe l'espace entre les continents terrestres, en particulier l'Afrique et l'Europe. La spéculation de Pangaea Ultima suggère la réapparition d'un supercontinent qui verra l'Europe glisser sous l'Afrique.

Kiwanga est le gagnant du Frieze Artist Award 2018. Son travail a été exposé au Hammer Museum (Los Angeles, 2018), Tate Liverpool (2017) et Portikus (Francfort, 2017), entre autres. Les performances de Kiwanga ont été présentées entre autres à Documenta 14 (Athènes, 2017), Momentum 9 (Oslo, 2017), Tate Modern (Londres, 2014) et Centre Pompidou (Paris, 2014).

Sur une invitation de 40mcube dans le cadre du programme Générator, le commissaire Sasha Pevak a réuni 12 artistes (Babi Badalov, Clément Cogitore, Bady Dalloul, Rémi Duprat, Jonas Fischer, Benoït Laffiché, Ioanna Neofytou, Chantal Peñalosa, Natalia Pakula, Diana Tamane, R.E.P., Marie Voignier, Vincent Voillat)

Résonance, collaboration d'envergure avec le musée des Beaux-Arts de Rouen, déploie pour la première fois plus de 250 acquisitions entrées dans la collection du Frac depuis 2013. Structurée autour des axes majeurs de la collection et ponctuée d'oeuvres plus anciennes du musée, cette exposition se déroule en deux temps et sur deux lieux, le premier au musée des Beaux-Arts de Rouen, le second au Frac Normandie Rouen. Ce projet approfondit les réflexions et dialogues transversaux que le Frac mène autour de son fonds. Résonance s?inscrit également dans un programme d?ouverture à l?art contemporain amorcé ces dernières années par la Réunion des Musées Métropolitains Rouen Normandie.

Depuis 1983, le Frac a constitué une collection généraliste de plus de 2400 oeuvres par 600 artistes, régulièrement présentée au public dans toute la région Normandie. Les différents projets de diffusion entrepris, notamment depuis 2011, au Frac et en région, ont permis de mieux révéler les contenus et enjeux de cette collection autour de ses thèmes directeurs que sont le corps, l?environnement ou les nouvelles formes de récits, et de voir s?imposer trois médiums : la photographie, le dessin et le livre d?artiste. Résonance est le fruit de ce véritable laboratoire d?expositions, depuis Feuillagisme à l?Hôtel de Région en 2012, à Explorateurs au Parc de Clères en 2016, en passant par Bibliologie (2014).

 A travers plus de 110 oeuvres du Frac acquises ces cinq dernières années, cette exposition propose de rendre compte des grandes articulations de la collection à l?appui de travaux d?artistes de renommée internationale comme Thomas Ruff, Collier Schorr, Rineke Dijkstra, Jeremy Deller ou encore Jonathan Monk ; d?artistes confirmés de la scène nationale et du territoire de Pierre-Olivier Arnaud, documentation céline duval, Marina Gadonneix, François Trocquet à Jonathan Loppin et Sophie Dubosc ; de talents de demain comme Laurence Cathala, Carina Brandes, Mathieu Martin ou Prioux & Peixoto. Elle permet aussi d?amorcer, par le renvoi à des oeuvres patrimoniales, de Hubert Robert à Jules Laurens, en provenance des musées métropolitains, une réflexion sur le caractère résolument transversal des oeuvres contemporaines.

Cette exposition propose une sélection d??uvres de la collection du FRAC Corsica par l'artiste Verana Costa. Citation d'une citation, ce titre se veut évocateur d'une dérive humaine dans l'art et la vie.
Le regard est porté sur l'individu, sa place au sein de la mémoire et des images qui en résultent. Elle interroge les principes de perception, comment nous voyons et recevons les expériences de la vie, de quelle manière nous nous construisons à partir de nos souvenirs, de tout ce qui s'enregistre en nous et qui réapparait sous une autre forme une fois assimilé.
Chaque ?uvre ici touche à l'énigme de l'être et de son passage dans notre monde, son chemin et ses représentations, ses apparitions, ses situations, jusqu'à la pensée qui prend forme ou se disperse.

Des civilisations détruites sous leurs cieux damnés? Les oiseaux eux-mêmes n'ont plus d'horizon et se figent dans leur géographie meurtrière.
Les guerriers ont enseveli leurs morts sous un tas de cendres noires, leur soleil a quitté le ciel et leurs étoiles les ont abandonnés avant l?aube. Ils sont désormais dans l'angle mort d'une cause qui ne sera jamais élucidée. Les vautours ont remplacé les rossignols qui trébuchent sur les frontières de l?intolérable.

Le Centre Régional d?Art Contemporain OCCITANIE à Sète annonce l?acte II de l?exposition collective La Tempête sous le commissariat de Hugues Reip.Tirant son inspiration de l??uvre éponyme de William Shakespeare, le parcours de La Tempête - Acte II nous plonge dans l?imminence d?un orage annoncé, dans une tourmente intérieure, dans l?espoir et la désillusion qui peuvent suivre une renaissance. Un nouvel accrochage, une production d'?uvres spécifiques et la présentation d?une installation d??uvres graphiques donneront lieu au second acte de La Tempête.

Prenant au pied de la lettre le nom de la manifestation, "pré-texte", annonçant que le dessin viendrait avant la lettre, le travail de Babi Badalov oscille en permanence entre le dessin et le texte : je dessine des mots, dit-il. Une écriture hybride à l'image de l'Azerbaïdjan, dont il est originaire, frontière entre des cultures (slave, occidentale, perse), des alphabets (altaïque, latin, russe), tout comme Babi, globe-trotter installé dans le quartier multiculturel de Barbès à Paris. À Eternal Gallery, il présente ses tissus peints, exposés comme des étoffes dans les marchés exotiques, un univers foisonnant et généreux, et témoignant d'un fort engagement politique pour les personnes perpétuellement chassées de leur terre natale ou d'exil.

Exposition dans le cadre de la manifestation PRETEXTE.

Cette exposition dessine un parcours à travers 25 ans d'histoire de la synagogue de Delme, un centre d'art hors norme, tant par son histoire que par son implantation géographique, un lieu de création précieux et rare pour les artistes du monde entier qu'il n'a cessé d'accueillir. Assemblée rassemble une vingtaine d'artistes ayant exposés à Delme ainsi que des artistes accueillis en résidence à Lindre-Basse, partie intégrante des missions du centre d'art depuis 2002.
L'exposition embrasse la diversité des pratiques, des gestes et des récits, et se fait l'écho de la vitalité artistique et intellectuelle qui a fait battre le coeur de la synagogue de Delme depuis un quart de siècle. Si l'exposition s'intitule Assemblée, c'est bien pour parler de ce qui fait la nature de la synagogue de Delme depuis ses débuts : un lieu de rassemblement, une agora, un espace de paroles et de débats partagés, un lieu polyphonique qui croise les singularités. Assemblée traduit enfin la bienveillance de l'institution vis à vis de ses publics et des artistes, pour qui le centre d'art reste une maison de pensée, d?action et de liberté.

Gandy gallery is pleased to announce the opening of the international group show which will be a new edition of the exhibition project Migration of Energies which was held in 2006 in Gandy gallery in Bratislava. The second part of this international exhibition will present works of fourteen artists or artistic groups who come from different countries and who work with different kind of media. What brings them together is the subject-matter of the show which will be more focused on the issues of the ecology, as well as the transcendental within the topic of the migration.

Composé de collectionneurs et de philanthropes, le Comité Photo a pour objectif d'enrichir le fond photographique déjà existant du Musée. Le Comité est présidé par Alexis Fabry, éditeur et commissaire d'exposition indépendant. Initiée au début des années 80, la collection de photographies du Musée d'Art moderne conserve plusieurs fonds significatifs de photographie surréaliste, photographie humaniste et de photographie dite « plasticienne » française ou européenne.

Depuis sa création le comité a acheté des oeuvres d'Eric Poitevin, de Walid Raad, de Malick Sidibé et Rémy Duval en 2014, des oeuvres de J.D'Okhai Ojeikere et de Gaveh Golestan en 2015, et enfin des oeuvres de Sophie Ristelhuber et de Daisuke Yokota en 2016.

A la suite des acquisitions de ce Comité, une exposition temporaire intitulée "Les acquisitions du Comité Photo de la Société des Amis du Musée d'Art Moderne", organisée par les Amis du MAMVP présente les nouvelles acquisions effectuées au cours des dernières années, au sein d'une des salles des collections permanentes du musée jusqu'au 15 mai 2018.

Les artistes font feu de tout bois : ils utilisent aussi bien la pâte à modeler que le granit, le plastique que le végétal, des matériaux bruts autant que manufacturés, le geste aussi bien que le produit du geste, le corps, etc. Une place importante est ainsi accordée à la matière première qu?elle soit assemblée, déformée, composée ou recyclée. À l?atelier, on fabrique : parmi les artistes invités certains maîtrisent seuls la réalisation de leur ?uvre, en s?appuyant parfois exclusivement sur la maîtrise d?une technique traditionnelle ou artisanale ? le faire se revendique alors savoir-faire ?, d?autres préfèrent s?entourer d?experts issus parfois du hors-champ de l?art pour réaliser leurs ?uvres.
Sculpter (faire à l?atelier) se veut une exposition sans barrière ni de génération ni de matériaux ni de techniques, non plus que de « style ».

Né en 1923 en Hongrie, Yona Friedman développe depuis plus de 60 ans une réflexion sur l?architecture et plus largement sur la société et le vivre ensemble. Ses pensées à la dimension holistique résonnent encore aujourd'hui : raréfaction des ressources naturelles, surpopulation, paupérisation, préoccupations écologiques, transformation de l'habitat et du paysage?

Figure incontournable de l?architecture et de l?art contemporain, Yona Friedman défend, une conception de l?utopie réalisable. L?ensemble de ses productions, écrits, conférences n?a donc de cesse de proposer à chacun un code source. Auteur de l?ouvrage « l?Architecture mobile » en 1958, Yona Friedman prône avant tout le droit à l?autodétermination pour l?habitant de structurer son environnement en fonction de ses besoins et ressources.

Pour le Musée de Rochechouart, Yona Friedman imagine un parcours rythmé par plusieurs réalisations à l?échelle du bâtiment. Ces installations improvisées sur place à l?aide de matériaux pauvres ou courant (fil d?aluminium, carton?) permettront de (re)découvrir cette ?uvre en perpétuel mouvement.

Dans la cour du Château, une grande structure spatiale, produite à cette occasion, accueille les visiteurs. Composée de 200 cerceaux en aluminium, cette forme ouverte, légère et aérienne recevra, durant la durée de l?exposition, les images envoyées par le public. Fidèle à sa pratique défendant la délégation et la transmission, ce musée sans bâtiment sera petit à petit investi et transformé.

L?exposition fera enfin une part importante aux écrits de Yona Friedman et tout particulièrement à sa volonté de vulgarisation par l?emploi récurrent de la bande dessinée (employée notamment dans une série de manuels diffusés par l?Unesco dans les années 1970) et à la dimension poétique et philosophique de son ?uvre. À travers de grands walldrawings d?un bestiaire fabuleux et de la diffusion de contes africains réalisés entre 1960 et 1963 pour l?ORTF, l?exposition se clôturera sur des thèmes à la portée universelle.

A l?occasion de l?exposition le Musée présentera le dvd Yona Friedman, un habitant indiscipliné, produit en 2017 par le Huit et le CNEAI avec le concours du MDAC de Rochechouart.

Au tournant des années 1980, Jean-Luc Monterosso, qui n?est pas encore directeur de la MEP, se rend à New York où il rencontre alors le conservateur de la collection photographique du MoMA. Lorsqu?il lui demande ce qu?il pense de la photographie contemporaine française, le couperet tombe : « It doesn?t exist ». Plus de trente ans après, et à l?occasion de son départ de la MEP, Jean-Luc Monterosso répond par une grande exposition sur la photographie française de 1980 à nos jours, qui prend la forme d?un récit très personnel et subjectif.

Pour célébrer son troisième anniversaire, la Galerie Richard Taittinger est heureuse de présenter une vision unique du monochrome à travers une sélection d?oeuvres des 60 dernières années dans l'exposition "UNTITLED (MONOCHROME), 1957-2017".
L'exposition explore différentes expériences artistiques à travers des oeuvres monochromes d?artistes américains et internationaux. Parmi eux, Ellsworth Kelly, l'un des peintres les plus radicalement abstraits, Nassos Daphnis, Marcia Hafif, Joseph Marioni, Allan McCollum, Steven Parrino, Stephen Prina.
Leurs oeuvres dialoguent avec des maîtres européens tels que Bernard Aubertin, Enrico Castellani, Yves Klein, Walter Leblanc, Piero Manzoni, Guy Mees, Olivier Mosset, Aurélie Nemours, Turi Simeti, Kees Visser et Marthe Wéry.
L'exposition se penche également sur les recherches et les ?uvres d'autres artistes internationaux tels qu'Alan Charlton, Henry Codax, Claudia Comte, Edith Dekyndt, Will Kerr, Lab-au, Teresa Margolles, Navid Nuur, Fabrice Samyn, Peter Scott et Morgane Tschiember.

Créé en 1998 et doté de 55 000 euros, le Prix d'architecture et d'art autrichien Friedrich-Kiesler a déjà été décerné notamment aux Américains Frank O. Gehry et Bruce Nauman, ainsi qu'au Danois Olafur Eliasson. Yona Friedman s'est vu décerné ce prix pour son "travail visionnaire et son influence sur la profession" a annoncé le gouvernement autrichien.

Kapwani Kiwanga a été nommée lauréate du Frieze Artist Award, une opportunité majeure pour les artistes émergents. L'artiste réalisera une installation en plein air, dans le Parc de Randall's Island à l'occasion de la foire Frieze New-York en mai prochain.

Tenter une expérience, c?est faire l?essai de quelque chose. C?est la part de risque qui consiste à aller vers l?inconnu, c?est se mettre en danger. 

L?expérience fait appel à l?expérimentation et à l?expérimental. Elle remet en question les paramètres établis des procédures photographiques. Expérimenter c?est se jouer des règles, déroger au processus, envisager autrement. S?affranchir de la lumière, du temps, des appareils ou de la surface plane dite photographique. C?est réinventer un rapport au monde qui retourne les préjugés, les conventions et les règles qui font ?photographie?. C?est en quelque sorte reprendre son indépendance, s?émanciper de se qui limite ou gène dans un protocole prédéfinis. C?est se réapproprier une façon de faire, différente et précise, qui s?inscrit cette fois en résonance.

Stories of Almost Everyone est une exposition sur la volonté de croire les histoires véhiculées par l'art contemporain.

L?artiste ukrainien Nikita Kadan a entamé, à partir de sa ville natale de Kiev, une expédition de conquête artistique afin de mettre en lumière l?histoire tumultueuse et surtout violente de son peuple, de son pays et par extension de toute l?ancienne Union soviétique. Kadan dessine, peint et réalise des installations ? souvent en partenariat avec des architectes, des militants des droits de l?homme et des sociologues ? et a toujours le regard tourné vers le côté sombre du passé. L?artiste souhaite démontrer que l?horreur du passé est encore apparente et tangible dans la vie actuelle. Kadan ne montre pas seulement à quel point il est lui-même aux prises avec la culture, l?origine et le patriotisme, mais surtout la manière dont les conséquences néfastes de leur abus déterminent toujours la vie à ce jour.

Museum of Contemporary Art, Zagreb, presents with I AM THE MOUTH, works from Art Collection Telekom. The corporate Art Collection Telekom was initiated by Deutsche Telekom in 2010 and comprises today of some 200 art works by about 60 artists from around 15 countries. The collection has a clear focus on contemporary art from Central and Eastern European countries.
The title of the exhibition I AM THE MOUTH is from a video work by Polish artist Agnieszka Polska. It expresses the characteristic qualities of contemporary art from a region in Europe, which is searching for identity in the global context. These voices are looking for new social and political structures, for a democratic and civic exchange by balancing opposing ideas and interests.

S?il est vrai que les histoires que l?on se / nous raconte reposent sur des situations et des éléments perturbateurs, elles ne seraient rien ou peu de choses sans les personnages porteurs de trajectoires qui s?y mobilisent.
De la personne à la personnalité jusqu?au personnage, c?est précisément à cet endroit de l?hybridation et de l?invention de soi et d?un autre qu?invite à réfléchir cette galerie de portraits contemporains, de visages, de corps et de rôles, présents par leurs représentations ou parfois en creux, acteurs de vies singulières et doubles.
Des vies jumelles et plurielles qui se désirent tantôt ailleurs, tantôt autrement, des vies fragiles qui se façonnent des masques, des façades et des lieux, qui empruntent et habitent des habits d?un autre genre, qui se dissimulent, se griment, se travestissent, forcent parfois leur émancipation et se permettent ainsi d?exister et de se raconter.
Avec comme désir de (se) demander, à visage couvert et découvert, comme une seule voix : d?où venons-nous, que sommes-nous, où allons-nous ?

Le sol est notre surface de contact avec la terre. Si nous y projetons nos racines, nous semblons aussi vouloir nous en détacher, par notre position debout, nos constructions vertigineuses, nos désirs d?envol et d?élévation. Tels des danseurs, nous entretenons un jeu d?attraction-répulsion avec le sol, où chaque élancement finit en chute fracassante. Nous creusons la terre, en quête de nos origines, pour y trouver amas de vestiges et de corps en décomposition. Nous lui extrayons richesses, nutriments et matériaux de construction, nous y dressons des murs qui se fissureront, à leur tour, et redeviendront débris, poussière, terre. L?exposition Sols, murs, fêlures reprend ce mouvement perpétuel entre excavation, érection, érosion. La fêlure y est un geste de mémoire autant que d?émancipation, une arme contre les remparts identitaires. La surface du sol contient alors toutes les hauteurs et profondeurs auxquelles nous aspirons.

Réfugiés politiques, réfugiés poétiques
Poésie visuelle et performance de l'artiste.
Exposition de collages, peintures et de textiles qui explore les limites du langage, témoigne de l'exil et de l'expérience de l'artiste pris entre plusieurs langues et cultures.

A PARTIR D'UNE PROBLÉMATIQUE CHAQUE FOIS RENOUVELÉE, CE SÉMINAIRE TRANSDISCIPLINAIRE ENVISAGE LES ENJEUX DE L'IMAGE-DOCUMENT ET APPRÉHENDE CE QUE PEUT RECOUVRIR DANS TOUTE SA DIVERISTÉ ET COMPLEXITÉ LA NOTION DE DOCUMENT ASSOCIÉE À DIFFÉRENTS CHAMPS D'ÉTUDES. DES ÉTUDES DE CAS SONT DISPENSÉES PAR DES INVITÉS DE RENOM ISSUS DE DIFFÉRENTS CHAMPS DE LA CONNAISSANCE ET DE L'HISTOIRE DES FORMES.

Magali Lesauvage, Journal des Arts, n°488, du 3 au 16 novembre 2017

Georges Tony Stoll, L'Actualité des Galeries, L'Oeil #706, novembre 2017

Texte d'Eric de Chassey, Artpress n°449, novembre 2017

Pour son exposition personnelle au centre d'art image/imatge, Julien Crépieux propose un ensemble d'oeuvres inédites associant films, peintures murales, cyanotypes, sérigraphies... Les jeux formels mis en oeuvre entre le proche et le lointain, la figure et la couleur pure, le plan et la profondeur, la durée et l'immédiat, l'opaque et le transparent prolongent son étude sur les modes de fonctionnement de la perception.

Avec Maxime Bondu & Daniel Zamarbide & Leopold Banchini, Laurence Favre Gaël Grivet Severin Guelpa Valentin Lunik & Guillaume de Morsier Laurence Piaget Camille Villetard-Matthieu & Barbezat et Sabine Zaalene.

Intervention sculpturale au Centre Culturel de Merksem

Avec les oeuvres de Ammar Abo Bakr, Etel Adnan, Mustapha Akrim, L'Atlas, Fayçal Baghriche, Khaled Ben Slimane, Mounir Fatmi, Parastou Forouhar, Heather Hansen, Rachid Koraïchi, Nja Mahdaoui, Hassan Massoudy, Mari Minato, Bahman Panahi, Sara Ouhaddou, Hossein Valamanesh et Bernar Venet.

Projets spéciaux de Tarek Benaoum (en co-production avec Quai 36), Smail Kanouté et SIFAT et Bahia Shehab.

Bertrand Lamarche
Du 16 septembre au 17 décembre 2017

VERNISSAGE Jeudi 5 octobre de 18h à 22h. Entrée libre

Navette gratuite au départ de Paris, Place du Châtelet, à 18h30 - information et réservations : lamarechalerie@versailles.archi.fr

Du 16 Septembre au 17 décembre, La Maréchalerie est heureuse de présenter une nouvelle exposition de Bertrand Lamarche pensée en dialogue avec la figure du Baphomet. Depuis ses débuts, le travail de Bertrand Lamarche est traversé par un ensemble d'événements et de figures récurrentes, comme la grande berce du Caucase, la skyline nancéenne, Kate Bush ou la météorologie qui s'incarnent dans un ensemble d'oeuvres qui peuvent s'envisager comme des micro scénario.

Idolâtre et androgyne, Le Baphomet est une figure occulte remise en lumière par le roman éponyme de Pierre Klossowski en 1965. Figure de fascination ou d'effroi, le Baphomet se caractérise par sa transformation continue et par son rapport indéterminé à la sagesse, à la morale et à ses propres origines. Déjà convoqué dans certains projets plus anciens de Bertrand Lamarche telles que l'installation La Réplique ou la vidéo Les Souffles, le prince des modifications prend ici corps dans un sujet en lévitation, autour duquel s'articulent des oeuvres renvoyant à un principe de transformation.

L?exposition présente un ensemble de sculptures, installations et vidéos animées au sens étymologique du terme. Par l'utilisation de procédés mécaniques et techniques, et par la manifestation de formes automates ou organiques, elles convoquent un bestiaire pouvant faire écho aux classiques du genre fantastique, et à la littérature

Présentation du catalogue de l'exposition Ujamaa à la Ferme du Buisson :

Kapwani Kiwanga, Disgression series, la Ferme du Buisson / Captures Editions

Avec : Patrick Beaulieu, Vincent Chevillon, Eric Giraudet de Boudemange, Raphaëlle de Groot, Kapwani Kiwanga, Nadia Myre, Eléonore Saintagnan, Sébastien Rémy & Cyril Verde.

Commissaire : Ann Stouvenel

Tout part d'un voyage, de l'idée même au déplacement physique. Des mers traversées aux populations rencontrées, du simple clic sur « envoyé » aux terres foulées, les artistes globe-trotteurs nous rapportent des histoires fabuleuses. Ces témoignages renvoient à des découvertes fortuites, au cours d?escales, ici et là, quelque part dans notre société globale et post-digitale. La curiosité pousse jusqu'à la collecte d'informations auprès de ceux qui peuvent le plus en témoigner. Le déplacement de ces récits, de leur lieu d'origine jusqu'à nous, est opéré pour l'occasion par ces grands voyageurs, naviguant dans les creux qui subliment la réalité. Ces creux, les artistes s'en saisissent. Ils collectionnent, coupent, assemblent, détournent, se réapproprient, tissent des liens, à partir d'une matière première rapportée. Ils ont ramené, ou se sont fait livrés, des croyances et usages singuliers, des souvenirs d'une histoire marquée par les dommages collatéraux du modernisme, des retours d'expérience du voyage même, des instants de rêverie. De retour chez soi la distance se fait et ouvre les portes à d'autres mondes, révélés, interrogés, mystifiés, réenchantés. Les oeuvres présentées sont produites spécifiquement ou réinventées en fonction de ce contexte d'exposition.

Ann Stouvenel

Travailler, aujourd'hui, qu'est-ce que ça signifie finalement ? Obtenir une position sociale, s'occuper au quotidien, avoir une source de revenu ou bien encore se sentir utile ? Découvrez une exposition collective et intersectionnelle qui réhabilite le travail des 'invisibles' : celui du personnel d'entretien ou du stagiaire, en passant par celui de l'artiste et de l'acteur.rice culturel.le ! Virginie Jourdain, commissaire invitée, propose une lecture décalée du monde du travail d'un point de vue féministe, engagé et militant. Qu'il soit domestique, artistique ou alimentaire, changeons notre regard sur le travail et ses valeurs sociale et morale.

L'exposition Ressources Humaines aborde ainsi les spécificités du travail des artistes du point de vue des artistes elles et eux-mêmes et déploie sans hiérarchie des oeuvres et des contributions issues de pratiques collaboratives, horizontales et solidaires, inspirées des pratiques et des luttes féministes. La question du travail et du travail de l'art se fond dans une réflexion essentielle sur le bien-être, les stratégies de survie, les modes de production éthiques et les perspectives inclusives à travers lesquelles repenser le travail.

Une proposition impertinente qui se poursuit avec des performances déroutantes, des ateliers d'empowerment, des débats sans détour? Partageons nos expériences professionnelles et emparons-nous d'outils pour nourrir nos corps et bien sûr ouvrir nos esprits !

Dans l'atelier de la Mission photographique de la Datar

Dominique Auerbacher (1955), Gabriele Basilico (1944-2013), Alain Ceccaroli (1945), Despatin (1949) & Gobeli (1949), Robert Doisneau (1912-1994), Tom Drahos (1947), Pierre de Fenoyl (1945-1987), Jean-Louis Garnell (1954), Albert Giordan (1943), François Hers (1943), Josef Koudelka (1938), Christian Milovanoff (1948), Sophie Ristelhueber (1949), Holger Trulzsch (1939)

Regards de 15 photographes

Dans l'atelier de la Mission se propose de revenir sur le tournant fondateur qu'a représenté la Mission photographique de la DATAR dans la carrière de ceux qui aujourd'hui comptent parmi les plus grands photographes contemporains. C'est au printemps 1983, à l'occasion de ses vingt ans, que la Délégation à l'aménagement du territoire et à l'action régionale (DATAR) lance une vaste commande artistique de photographies ayant pour objet de « représenter le paysage français des années 1980 ». Prévue pour une seule année à l'origine, la Mission va finalement durer jusqu'en 1989. Le projet réunit les travaux de vingt-neuf photographes, jeunes auteurs ou artistes confirmés, français et étrangers. Offrant au public la possibilité de découvrir les arcanes du processus créatif dans le cadre d'une Mission devenue aujourd'hui mythique dans l'histoire de la photographie, cette exposition sera aussi l'occasion de faire dialoguer certaines images méconnues de la Mission avec des archives personnelles inédites.

Commissaires de l'exposition : Raphaële Bertho et Héloïse Conésa.
Exposition coproduite par la Bibliothèque nationale de France et les Rencontres d'Arles.
Retrouvez en prolongement l'exposition Paysages français, une aventure photographique à la BnF du 24 octobre 2017 au 4 février 2018.

Le travail de l'artiste anversois Wesley Meuris (1977) examine avec rigueur les dispositifs de présentation qui occupent les espaces d'exposition. C'est ainsi qu'il construit, de manière artisanale, du mobilier muséal et zoologique. Ces structures stéréotypées sont néanmoins vides, et le resteront manifestement. L'objet servant d'ordinaire à montrer est désormais celui que l'on regarde, et se mue dès lors en objet sculptural. Un travail conceptuel sur les processus de monstration qui rappelle l'héritage de Marcel Broodthaers qui, en 1968 déjà, soulevait avec son Musée d'Art Moderne Département des Aigles des préoccupations semblables. Pour l'exposition qui lui est consacrée au MAC's, Wesley Meuris présente, tels des vivariums vidés, trois « cages », ainsi qu'une installation monumentale qui interroge le spectateur sur son mode de perception de l'espace d'exposition.

En avril 2016, le SHED était contacté par six familles, propriétaires de résidences de campagne en Normandie. Ces familles souhaitaient inviter un artiste à porter un regard singulier sur ces demeures, témoins remarquables du patrimoine et de l?histoire de la région normande.

Il s'agissait avant tout d'inscrire dans le contemporain ces architectures et ces sites qui l'ont été un jour, mais aussi d'affirmer leur valeur collective en les rendant ponctuellement visibles et accessibles : qu'elles deviennent, à travers la relecture contemporaine que pourront en faire les artistes, un patrimoine partagé, un bien culturel commun.

L'invitation a pris la forme de six résidences organisées par le SHED : six artistes - Stéphanie Cherpin, Christophe Cuzin, Cédrick Eymenier, Véronique Joumard, Krijn de Koning et Perrine Lievens - invités à produire une oeuvre ou un ensemble d'oeuvres, dans et pour chaque propriété. Toutes seront ensuite visibles du 10 juin, jour de lancement, jusqu'au 29 octobre 2017. Durant cette période, les oeuvres seront accessibles au public gratuitement, a minima le premier dimanche de chaque mois et sur rendez-vous.

Voisins de Campagne 2017 sera la première édition d'une série de trois rendez-vous qui se dérouleront sur un rythme biennal.

Fayçal Baghriche | Sammy Baloji | Taysir Batniji
Sylvie Blocher | Laurent Chambert | Sépànd Danesh
Anthony Freestone | Maryam Jafri | Katia Kameli
Kapwani Kiwanga | Meiro Koizumi Natacha Lesueur
Lahouari Mohammed Bakir | Gianni Motti | Éric Tabuchi

Collections FRAC Poitou-Charentes, FRAC Aquitaine, FRAC-Artothèque du Limousin

L'Histoire devrait idéalement s'écrire de manière objective mais, l'honnêteté intellectuelle est un exercice difficile lorsqu'il est question de pouvoir ou d'émotion. L'exposition "Faits alternatifs" se constitue d'oeuvres remettant en question les récits qui, officiels, personnels ou convenus, (dé)servent des intérêts plus ou moins conscients.

Divers aspects sont abordés : Qui sont les narrateurs et à qui profite la version énoncée ? Quelles sont les traces, qui les détient ? Les représentations paraissant aujourd'hui immuables sont-elles erronées ? Quelle place et quels canaux d'expression sont réservés à la mémoire individuelle ? Le passé, s'il est mal transmis, est-il condamné à inlassablement se répéter ?

Ce monument de notre patrimoine est un objet énigmatique dont chacune des dimensions ouvre sur l'indétermination, le trouble : le sujet ? champ de bataille ou amoncellement de poussières ?, l'échelle ? vue aérienne ou plan rapproché ?, la nature ? paysage ou nature morte ?, l'auteur ? Man Ray et/ou Marcel Duchamp ?, et le titre ? d'abord Vue prise en aéroplane (Littérature, 1922) puis Élevage de poussière (La Boîte Verte, 1934). Ce champ ouvert de sens et de lectures a contribué à l?influence décisive de cette image dans l?histoire de la création. L'exposition proposera un parcours thématique au travers de 150 oeuvres et objets dont les travaux de Man Ray, John Divola, Sophie Ristelhueber, Walker Evans, Mona Kuhn, Aaron Siskind, Gerhard Richter, Xavier Ribas, Nick Waplington, Eva Stenram, Georges Bataille, Jeff Wall et aussi des vues aériennes, des images de médecine légale, des cartes postales, des photographies amateur?
Avec : Marcel Duchamp, Walker Evans, Robert Filliou, Mona Kuhn, Man Ray, Gerhard Richter, Sophie Ristelhueber, Aaron Siskind, Shomei Tomatsu, Jeff Wall et Nick Waplington

Au début du XX^e siècle, les formalistes russes font de l'estrangement une opération-clé de l'art et de la littérature : « Le procédé de l'art est le procédé d'"estrangement" des objets, procédé qui consiste à compliquer la forme, qui accroît la difficulté et la durée de la perception, car en art, le processus perceptif est une fin en soi et doit être prolongé. L'art est un moyen de revivre la réalisation de l'objet, ce qui a été réalisé n'importe pas en art. » (L'art comme procédé, de Victor Chklovski, rééd. Allia) En ce qu'elle vise à soustraire ce que nous vivons, voyons, sentons au « monde de la perception automatisée », la défamiliarisation constitue « un antidote efficace à un risque qui nous guette tous: celui de tenir la réalité (nous compris) pour sûre. » (Carlo Ginzburg)

Ostranénie évoque un pays où chaque entreprise constitue un « estrangement », chaque geste, un commencement et une avancée. La difficulté y est naturelle et mène à la simplicité : elle nous met face à la sensation des choses qui fait de la pierre une pierre, d'une chose une chose, un brin d'herbe un brin d'herbe. C'est alors qu'une chose devient la même et une autre, nouvelle, multiple dans ses usages ou ses aspects. Orange Rouge emmène les artistes dans une expérience d'estrangement et les artistes à leur tour emmènent les élèves à s'estranger de leur quotidien scolaire, dans lequel ceux-ci sont, en quelque sorte, comme des nomades voyageant d'une classe à l'autre, au sein de leur collège. Mot à mot, pas à pas, heure après heure, une succession de gestes devient une chaîne d'opérations. 

L'exposition Ostranénie ! se fait l'écho des onze aventures artistiques d'Orange Rouge qui se sont déroulées en 2016.

Anne Bonnin

16h / Kapwani Kiwanga - conférence-performance / 26 min

Béatrice Balcou, Marcelline Delbecq & Ellie Ga, Ben Evans & Luís Miguel Félix, Ricardo Jacinto, Kapwani Kiwanga, Anouchka Oler, Catarina de Oliveira, Onze Heures Onze Orchestra, Pétrel | Roumagnac (duo), Projecto Teatral.

Dans le cadre des 40 ans du Centre Pompidou, Performance Day prend de l’ampleur et se déploie dans tous les espaces de la Ferme du Buisson, mais aussi au Centre Photographique d’Île-de-France. Devenu dès sa première édition une référence en matière de performance, le festival bouscule les frontières entre arts visuels et arts scéniques.

Avec : Natalie Czech; Kapwani Kiwanga
Episodes par: Chiara Camoni, Douglas Coupland, David Horvitz, Bruno Munari, Ettore Sottsass Jr.

Du 20 mai au 15 juillet, le SHED invite Fayçal Baghriche, dans le cadre du programme Suite, initié par le Cnap, en partenariat avec l'ADAGP.

L'artiste a conçu un projet spécifique qui se déploiera sur deux sites : les 600 m² du SHED et les 1600 m² de la Presqu'île Rollet pour le festival Rush (19 au 21 mai) organisé par Le 106 - Scène de musiques actuelles de la Métropole Rouen Normandie. Jouant sur la notion de ready made, il présente un ensemble de plots de bois exotique, troncs d?arbres au sol évoquant à la fois le paysage, la sculpture et la peinture. 

Cette exposition s'inscrit dans le cadre du programme Suite, initié par le Centre national des arts plastiques (Cnap) en partenariat avec l'ADAGP.

Evènement annuel phare organisé par CHOICES, Paris Gallery Weekend s'est établi en moins de trois ans comme un temps fort de l'art contemporain au printemps.

Les galeries accueillent chaleureusement tous les visiteurs pour deux jours de vernissage ponctués de Rendez-Vous (performances, discussions, brunches) où se mêlent artistes, professionnels, collectionneurs et amateurs.

Pour la première fois, des médiateurs seront présents sur le parcours pour diriger les visiteurs d'une galerie à l'autre dans les quartiers de Matignon, du Marais et de Saint Germain des Prés. Des parcours guidés sont également proposés par différents partenaires pour permettre de découvrir les expositions plus en détails selon des thématiques choisies.

Projection des vidéos P#13 Shanghai et P#09 Chicago.

Invité en résidence de création dans les ateliers du centre d'art, l'artiste belge Wesley Meuris découvre et arpente la Grande halle. Cet espace conserve visibles les singularités architecturales liées aux anciennes activités de tannage des peaux animales. Il comporte également la signature de l?architecte en charge de la transformation du bâtiment industriel en centre d'art.

L'identité serait en crise. Le constat semble intemporel et transhistorique. Les questions demeurent les mêmes. Qui sommes-nous ? Comment nous définissons-nous ? Par rapport à quoi ? À qui ? L'Autre ? Qu'Est-ce qui nous définit ? Qu'est-ce qui nous rassemble et nous sépare ? Comment et à partir de quels éléments se construit une identité culturelle ? Quelles représentations lui donner ? Comment en parler ?

« (?) Je sais l?Afrique profonde
Jusqu?au vertige
Venez filles et fils du continent,
Il n?est royaume, roi et reine,
Artisan de talent, prince glorieux,
Que je ne connaisse,
Ma mémoire est univers
Ma parole sagesse,
Mon chant festin,
Mes récits plénitude ?
Avec lesquels la génération nouvelle
Tisse sur l?horizon vierge, une
Afrique riche de son patrimoine. »

Albert Aoussine, Alchimie Poétique

« Beautiful Africa » propose, par une sélection d??uvres, une balade sur le continent africain, plus particulièrement au niveau de la zone sub-saharienne, non sans un certain point de vue critique et politique. Ce sera une balade où l?on rira aux éclats, où l?on aura autant envie de s?ambiancer et de laisser ses soucis au vestiaire qu?une balade permettant de poser un regard critique sur l?histoire et sur le présent de cet immense continent et de ses relations aux autres continents. L?Afrique est, pour l?Occident, mystérieuse et fascinante. Vaste continent de plus de 30.000.000 km², de Tanger au Cap. Continent aux traditions séculaires et à l?extrême modernité. Continent aux mille et un visages. Continent meurtri mais plus que jamais debout. En un siècle et demi, on a beaucoup parlé d?art africain comme s?il n?y avait qu?une seule et même forme d?art issu de cet immense continent ce qui est, mais faut-il l?écrire, totalement faux.

L?Afrique. Fermons les yeux et laissons notre imagination galoper. Nous sommes tantôt au c?ur de la savane, tantôt en plein désert, sur les grands plateaux ou dans les immenses mégalopoles, ou encore face à des animaux sauvages. Nous sommes, surtout, fascinés. « Beautiful Africa » sera, au final, une invitation au voyage ?

Lydie Marchi, commissaire de l?exposition

Un paisible road movie aquatique. L'histoire d'une coïncidence en forme de test de Rorscharch. Filmé le long du Canal du Midi, basé sur une histoire vraie.

The Tropicool Company installe, du 24 mars à fin décembre 2017, une boutique dans la rotonde du centre d'art Le Consortium. Évoluant au fil des saisons, la décoration de la boutique écrira les trois chapitres d'un récit scénographique intime.

Intitulées The Bedroom, The Office et The Living Room, ces pièces-à-vivre en forme de lieu d'échange définiront en effet à terme les contours d'un seul et même espace : celui de l'appartement du Président-Fondateur de The Tropicool Company, Jonathan Chauveau-Friggiati.Tableaux, photographies, sculptures, vidéos, multiples, musiques, vêtements, mobiliers, livres d'artistes et accessoires.

Karina Bisch
Elvire Bonduelle
CARISSA
Cats Hats Gown
CORIOLIS SOUNDS
François Curlet
Cédrick Eymenier
GENERAL IDEA
LAPIN-CANARD
Mathieu Mercier
RAYDA
SYNDICAT
Le Bureau des Tropicool
Florian Viel
We Are The Painters
WE DO NOT WORK ALONE

Au coeur de toute action se cache une force physique. Logé dans les entrailles du mécanisme, le ressort en est l'élément moteur, la cause agissante. Cet organe élastique, élément invisible mais essentiel, exerce un flux fascinant : il se tend, produisant un mouvement, et se détend, retrouvant alors sa position initiale. Symbole d'un progrès technique, il qualifie également l'énergie, l'élan qui anime toute production, action ou engagement.
Le contexte politique et social actuel creuse des écarts qui se manifestent par des replis identitaires et des tensions sociétales doublés d'une perte de confiance en toute forme d'autorité, à l'ère où l'influence de la post-vérité va croissante. De la complexité du système dans lequel nous évoluons découlent autant de possibilités de s'impliquer que de céder à l'immobilisme, conséquence d'une confusion vertigineuse. C'est la volonté de dépasser cet état qui initie l'exercice du ressort, force instigatrice d'une prise de position. Le moment de réflexion la précédant revêt déjà, par son pouvoir d'évocation, une forme d'engagement.

La nature du ressort, sa résistance, limite son mouvement à un espace défini. Cet espace constitue l'interstice que l'exposition, L'exercice du ressort souhaite investir pour réengager notre regard sur le monde, en suspension entre action et inaction. Ce temps de latence et d'incubation invite à laisser libre cours à notre imagination et à son pouvoir effectif, trop souvent sous-estimé. Ainsi réunies, les oeuvres ouvrent un espace de questionnement, tant sur le contexte de leur création que de leur présentation, rappelant que tout champ d'action est souvent limité par une force interne ou externe exerçant une pression.

Farah Atassi, Kader Attia, Claude Cattelain, Christophe Cuzin, Sépànd Danesh, Emma Dusong, Ian Grant, Elen Radova, Jean-Baptiste Perrot, Jean-Charles de Quillacq, Anna-Katharina Scheidegger, Georges Tony Stoll, Raphaël Tiberghien, Xim Xom et Oa4s

Alexander Brodsky & Ilya Utkin, Mathis Altmann, Filipe Alves, Andreas Angelidakis, Archigram, Archizoom, Timo Arnall, åyr, Kader Attia, Pedro Bandeira, Pedro Barateiro, Olivo Barbieri, James Beckett, Berdaguer & Péjus, Alain Bublex, Jordi Colomer, Robert Darroll, Inês Dantas, Tacita Dean, DIS, Diogo Evangelista, Inci Eviner, Didier Faustino, Cao Fei, Ângela Ferreira, Yona Friedman, Cyprien Gaillard, Pierre-Jean Giloux, Clara Ianni, Renaud Jerez, Gonçalo Mabunda, Michael MacGarry, Luca Martinucci, Office em colaboração com / in collaboration with Dogma, Olalekan Jeyifous, OMA, Miguel Palma, Pedro Portugal, William Powhida, Tabor Robak, André Romão, Aldo Rossi, Jonas Staal, Beniamino Servino, Michael E. Smith, Superstudio, Ryan Trecartin, Nasan Tur, WAI Think Tank, Wolfgang Tillmans, Lebbeus Woods.

Démarré en 2013, le projet du « Musée domestiqué » est une enquête de terrain, un work in progress visant à recenser des histoires d’œuvres d’art n’ayant jamais fait l’objet d’une acquisition. Comment fait l’artiste pour entretenir la mémoire et le sens de ce qu’il a lui-même produit et qui peut finir, des années plus tard, par encombrer son espace quotidien ?

Gregory Buchert (ancien étudiant du Fresnoy et du post-diplôme de l’ENSBA Lyon) poursuit, en parallèle de sa propre pratique artistique, une collecte de témoignages, d'images, de sons et d'archives qui prennent la forme d’un récit gigogne où s’entremêlent des voix, des souvenirs d’expositions, des histoires de poussière, de bricolage et d’héritage.  

Entrée libre dans la limite des places disponibles

Présentation de la vidéo-performance "Geranos" produite par l'association Finis Terrae.

Patrick Javault reçoit l'artiste Kapwani Kiwanga et Oulimata Gueye, curatrice.

Kapwani Kiwanga a opté pour les arts visuels après avoir étudié l'anthropologie et les sciences sociales. Sa formation première fait mieux que nourrir et informer son oeuvre plastique, on peut dire de celle-ci qu'elle est la continuation de l'anthropologie par d'autres moyens. Le rôle de la pensée magique et la croyance dans des pouvoirs attribués aux plantes et leur rôle dans les luttes anticoloniales au siècle dernier ont donné lieu à une exposition présentée l'année dernière à la Southg London Gallery et à la Ferme du Buisson.

Dans cette exposition où des documents sonores et visuels, témoignages directs ou réinterprétés, permettaient de remonter le cours de l'histoire tanzanienn  jusqu'à la rébellion Maji-Maji de 1907, Kampwani Kiwanga procédait à une véritable hybridation des double rôles d'artiste-chercheur et de commissaire-muséographe: fibres végétales employées pour la production de sculptures, panneaux pédagogiques envahis par des pans de tissus leur faisant comme un habillage faussement négligé, serre horticole abritant des plantes savamment répertoriées et classées dont la croissance croisait le temps de l'exposition. A quoi s'ajoutaient des discussions et des performances. L'hybridation mais aussi les mutations des plantes et des cultures. L'exposition est un champ d'expérimentations et d'enseignement aussi bien pour les visiteurs que pour l'artiste elle-même, suppose-t-on. Par ailleurs, Kapwani Kiwanga est également anthropologue du futur.

Oulimata Gueye est curatrice et journaliste indépendante. Elle axe ses recherches sur les pratiques culturelles en lien avec les technologies numériques et les cultures urbaines en Afrique. Elle anime la plate-forme xamxam (xamxam.org) et elle a cofondé le collectif Startup Africa Paris.

L'exposition consacrée à Anna-Eva Bergman (1909-1987), artiste d'origine norvégienne, met à l'honneur les oeuvres des dernières années, les années d'Antibes où elle avait installé son atelier en 1973. Ces années sont aussi celles des grandes expositions et des rétrospectives qui couronnent sa carrière artistique.

Pour cette exposition Julie Crenn (docteure en histoire de l'art, critique d'art (AICA) et commissaire d'exposition indépendante) a opéré une sélection d'oeuvres dans la collection du musée en l'accompagnant d'oeuvres d'artistes invités :

Stephan Balkenhol, Eduardo Basualdo, Christian Boltanski, Julien Dubuisson, Rineke Dijkstra, Douglas Gordon, Mona Hatoum, Lydie Jean-Dit-Pannel, Valérie Jouve, Suzanne Lafont, Wolfgang Laib, Claude Lévêque, Steeve McQueen, Annette Messager, Lucien Murat, Hassan Musa, Gabriel Orozco, Giulio Paolini, Giuseppe Penone, Agathe Pitié, Michelangelo Pistoletto, Arnulf Rainer, Sophie Ristelhueber, ,Thomas Ruff, Lazaro  Saavedra, Carolee Schneemann, Kiki Smith, Laure Tixier, Patrick Tosani, Sarah Trouche, Jeff Wall.

Digérer le Monde résulte d'une mise en corrélation de deux modes digestifs : celui d'une digestion du monde et notamment de notre rapport saturé à l'espace médiatique, et celui de la digestion d'une collection muséale qui s'est structurée depuis plusieurs décennies.

Au creux de cet espace médiatique dominé par l'excès, comment digérer le monde ? Comment mettre en perspective et en relation ses informations et ses transformations ? La surinformation est-elle motrice d'inventivité, de réaction et de résistance ? Ou bien, ne nous mène-t-elle pas vers une intoxication, une ingestion qui, petit à petit, rétrécit et paralyse les consciences ?

L'exposition pense aussi un geste curatorial : celui de réfléchir une exposition à partir d'une collection muséale. Comment l?appréhender et la digérer ? Comment prendre position à travers elle ? Pour exprimer quoi ? Que dit-elle des sociétés passées, actuelles et futures ? Il s'agit alors de penser une exposition sans jamais s'extraire du réel dans ce qu'il a de plus paradoxal, sa rudesse comme sa richesse. Comment les oeuvres de la collection du musée départemental d'art contemporain de Rochechouart peuvent-elles traduire, évoquer, manifester une digestion à la fois personnelle et collective du monde ?

Différentes problématiques sont explorées : le corps impuissant, un monde inconfortable, la fin des utopies, la chute, les violences sourdes et convulsives, la sidération, la résistance et la capacité d'agir. À travers elles, les corps sont placés au centre de la réflexion. Les ouvres tendent ainsi à rendre visible, perceptible et sensible un flux alimenté de paradoxes qui structurent nos sociétés sidérées.

SAMEDI 18 FÉVRIER 2017, 15h à 16h - Conversation avec Wesley Meuris, artiste en résidence : "La Grande halle, terrain d'histoires et de fictions"

Invité en résidence aux Tanneries, l'artiste Wesley Meuris présente un projet pensé spécifiquement pour la Grande halle, qui sera inauguré le 22 avril : une installation dialoguant avec le lieu, ses espaces et leur démesure, leur physionomie et leurs matériaux. Invitant à (re)découvrir le site, sa force architecturale, mais aussi les formes d'histoires et de présences qui l'ont marquées, cette installation sera destinée à être activée par les publics. La Grande Halle sera ainsi reconfigurée par l'artiste pour ouvrir de nouvelles possibilités d'usages de ces lieux, à la fois réels et imaginaires.

To Make Art to Take Clothes Off est un projet spécifique de l'artiste Babi Badalov pour le MUSAC, et sa première exposition personnelle en Espagne.

Né en 1959 à Lerik (République d'Azerbaïdjan), Babi Badalov vit aujourd'hui à Paris. Le langage constitue le matériau essentiel à partir duquel travaille Babi Badalov. Par ce biais, l'artiste aborde des questions géo-politiques très actuelles qui font écho à ses propres expériences. Ses migrations entre l'ex Union soviétique, les États-Unis, l'Europe, l'Asie Mineure et le Moyen-Orient constituent le ferment de son art pictural et graphique, poésie ornementale donnant à lire et à voir les télescopages culturels, historiques et idéologiques de notre monde globalisé.

« Dimensions variables » est un terme descriptif souvent utilisé dans les légendes d'oeuvres d'art, particulièrement dans l'art contemporain - mais très rarement utilisé dans l'architecture, où les dimensions relèvent un caractère construit, et donc pré-défini. Cette exposition propose un regard neuf sur ces différences et veut réinventer le dialogue entre artistes et architecture.

Avec :

Absalon, Saâdane Afif, Francis Alÿs, Nazgol Ansarinia, Giovanni Anselmo, Juan Araujo, Farah Atassi, John Baldessari, Thomas Bayrle, Pierre Besson, Julien Bismuth, Mel Bochner, Nathalie Brevet_Hughes Rochette, stanley brouwn, Carlos Bunga, Pedro Cabrita Reis, James Casebere, David Claerbout, Abraham Cruzvillegas, Thomas Demand, Denicolai & Provoost, Peter Downsbrough, Olafur Eliasson, Cevdet Erek, Larissa Fassler, Hans-Peter Feldmann, Jean-Pascal Flavien, Zachary Formwalt, Peter Friedl, Carlos Garaicoa, Isa Genzken, Liam Gillick, Dan Graham, Pierre Huyghe, Bertrand Lamarche, Gordon Matta-Clark, Rita McBride, Jorge Méndez Blake, Matt Mullican, Bruce Nauman, Olaf Nicolai, Daniela Ortiz, Alexandre Périgot, Charlotte Posenenske, Evariste Richer, Thomas Ruff, Ed Ruscha, Julião Sarmento, Rirkrit Tiravanija, Rui Toscano, Lawrence Weiner, Erwin Wurm.

Sous ce titre repris d'une injonction de dockers écossais de la fin du XIXe siècle, cette exposition explore des stratégies de résistance, de dissension, contestation, perturbation, dérèglement s'apparentant au sabotage, acte créatif par excellence qui mobilise inventivité et débrouille.

Les artistes de l'exposition pratiquent l'art du « grain de sable », intervenant sur les rouages pour amorcer des dérapages, mobiliser les consciences, produire une « poésie du dysfonctionnement » et pourquoi pas des transformations en profondeur.

L'exposition Burdened landscape: from Kiefer to Ristelhueber aborde la façon dont les artistes peuvent transformer les traces des guerres et des conflits en des métaphores du fait humain.

Auschwitz, Lampedusa, Alep, ces lieux sont scellés dans notre conscience collective. L'Histoire à laissé sa marque dans l'art : pour l'artiste Anselm Kiefer tout l'Allemagne, en tant que paysage, est contaminé. L'exposition inclus son travail Bilder-Streit. Là où Kiefer décrit une quête, Sophie Ristelhueber enregistre littéralement les traces des conflits. Sa série Fait donne à voir les traces presque semaines de la première guerre du Golfe au Koweit.

Commissaire d'exposition Julie Crenn

Kwame Akoto / Almighty God / Pilar Albarracin / Elodie Antoine / Pierre Ardouvin / Marion Auburtin & Benjamin L. Aman / Omar Ba / Enrico Baj / Rina Banerjee / Raphael Barontini / Zoulikha Bouabdellah / Thérèse Bonnelalbay / Anne Brégeaut / Bernard Buffet / Marcos Carrasquer / Henri Darger / Hélène Delprat / Mathilde Denize / Dewar & Gicquel / Hervé Di Rosa / Jean Dubuffet / Christelle Familiari / Richard Fauguet / Harald Fernagu / Aurélie Ferruel & Florentine Guédon / Charles Fréger / Vidya Gastaldon / Romuald Hazoumé / Hessie / Hippolyte Hentgen / David Hockney / Benoit Huot / Lydie Jean-Dit-Pannel / Milan Kunc / Yayoi Kusama / Carlos Kusnir / Charles Lapicque / Francisco Larios / Léa Le Bricomte / Mélanie Lecointe / Fernand Léger / Eugène Leroy / Natacha Lesueur / Aurélie William Levaux / Pascal Lièvre / Myriam Mechita / Elena Moaty / Pierre Molinier / Lucien Murat / Hassan Musa / Otobong Nkanga / ORLAN / Régis Perray / Guillaume Pinard / Agathe Pitié / Raphaëlle Ricol / Athi Patra Ruga / Lionel Sabatté / Peter Saul / Judith Scott / Sarah Tschann / Sarah Tritz / Willem Van Genk / Alan Vega / Erwan Venn / Marion Verboom / Adrien Vermont / Jean-Luc Verna / Gretel Weyer / Maria Jeona Zoleta / Unica Zurn.

Entamé en 2013 et destiné à se poursuivre dans le temps, le projet du Musée domestiqué est une patiente enquête de terrain, mêlant anthropologie, fiction littéraire et performance. Une enquête visant à recenser des histoires d'ouvres n'ayant fait l'objet d'aucune acquisition. Que se passe-t-il en effet lorsque l'objet d'art, passé le temps de l'exposition, n'intègre aucune collection (publique ou privée) et réinvestit l'univers quotidien et domestique de l'artiste ? Entre anecdotes biographiques, manuel de bricolage, et réflexion sur les conditions d?existence d'une oeuvre au-delà des flux et reflux de l'actualité culturelle, Le Musée domestiqué est une institution imaginaire qui réaménage les rebuts en rébus, en univers de sens.

Commissaire : Caroline Köchling

L'approche artistiques de Kapwani Kiwanga s'enracine dans sa formation en anthropologie. Les faits historiques ainsi que les éléments fictionnels, magiques et surnaturels s'entremêlent dans ses projets de recherche. Dans sa conférence-performance Afrogalactica: A brief history of the future (2012-en cours), elle prend le rôle d'une anthropologue fictionnelle pour spéculer sur le futur et explorer le concept d'Afrofuturisme comme moyen d'analyser le passé depuis un point de vue africain ou celui de la diaspora africaine.

Les 28 et 29 janvier 2017, une assemblée d'écrivains, poètes, artistes, intellectuels, juristes, politologues, migrants, oeuvrera à l'écriture collective d'une Constituante pour un peuple qui manque.

Dans le cadre du Festival Hors Pistes 12ème édition (25 janvier au 12 février 2017).

Grande salle du Centre Georges-Pompidou de 14h à 21h.

Born in Hamilton, Canada and based in Paris, Kapwani Kiwanga produces works across installation, performance, and video that marry her training in anthropology and comparative religions with her interests in history, memory, and mythology. Presenting rigorous research in imaginative ways, Kiwanga intentionally confuses truth and fiction in her work in order to enable fantastical narratives.

For her first solo exhibition in the United States, Kiwanga presents a site-specific installation, video, and prints that draw on the artist's research into the design of institutional spaces, including materials found in the University of Chicago's Special Collections Library. Across the elements of Kapwani Kiwanga: The sum and its parts, Kiwanga deconstructs the physical and psychological qualities of different built environments including schools, prisons, hospitals, and mental health facilities. In the main gallery, Kiwanga brings together architectural elements from historical and contemporary versions of these spaces including wall sections, lighting fixtures, and surface treatments creating a spatial collage that escapes the sum of its fragments. For these works, Kiwanga has drawn from her extensive research into disciplinary architectures throughout time, extracting specific details from the designs of late 19th century workhouses and reformatory schools in Britain and France respectively.

A distinctive feature of the exhibition is the artist's transposition of two-tone color palettes, often used in the interiors of institutional spaces, onto the gallery walls. Social hygiene movements and hospital reforms at the turn of the 20th century inform the artist's selection of colors as well as the work of Chicago-born color consultant and color theorist Faber Birren. A student in the College at UChicago in the early 1920's, Birren later established a consulting company, advising on the use of color in industry and the workplace. Drawing from color design studies by Faber Birren and Company held at the University of Chicago's Special Collections Library, Kiwanga thereby recalls the application of color theory to the conditions of work, learning, surveillance, healing, and care. Also on view is a selection of prints that reproduce images from Birren's archive and a new film A primer that delves deeper into the spatial histories of different building typologies. The new commissioned film A primer is co-produced by Logan Center Exhibitions, University of Chicago and The Power Plant, Toronto.

Dans la continuité du cycle Incorporer le texte, présenté pendant la saison en 2015-2016, le LaM et le CEAC de l'Université Lille 3 s'associent de nouveau pour vous proposer une journée autour des nouvelles formes de performances.

À cette occasion, venez découvrir les interventions de : Kobe Matthys, le Peuple qui manque (sous réserve), Grégory Buchert et Florence Jung.

The title of the coming edition of flagship exhibition project of the Pune Biennale is based on a wordplay between "Habit" and "Cohabit". By attaching the suffix "co" before "habit" a rather alternate meaning is obtained. A habit, or ritual, is literally turned into something else, suggesting a transformation in our own behaviour: we get of rid of our habits to start a cohabitation, to live with someone else, to share our living condition with the other, with another.

Cohabitation suggests the politics of living arrangements, from being arbitrarily denied spaces to rent, to the street and the politics of sleep. The city of Pune, economically and culturally a leading city in the state of Maharashtra, is one of the fastest growing cities in India and its growth is a factor of attraction for workers, professionals, students, and migrants from India as well as from East-Asia, the Middle-East and Africa. Pune becomes an interesting place to host a reflection on the potentialities, repercussions and consequences of such a movement of people and the development of Asian cities in the present time. At the same time, Pune's local situation can allude to a wider reality of, certainly more dramatic, migratory movements that are taking place in other parts of the world and the subsequent struggles for cohabitation.

The exhibition Habit-co-Habit aims to present different forms in which artists reflect on topics such as migration, cohabitation, adaptation, and assimilation.

Portikus is pleased to present the exhibition House of Commons with works by younger and internationally established artists. Throughout its duration, House of Commons changes constantly and thus sees itself less as a static group exhibition than as a dynamic project. Art works will be added, swapped out, and rearranged weekly. Each of these presentations will be enhanced by discussions of the works, film screenings, and performances. The exhibition is kicked-off with the juxtaposition of only two works: Danh Vo?s sculpture WE THE PEOPLE (2011), a one-to-one replica of the Statue of Liberty in 225 fragments, of which Portikus shows a part of the foot, and Passer en Angleterre, Accès terminal transmanche, Calais, juillet 2007, a photograph by Bruno Serralongue that captures a moment of waiting in the lives of refugees on the French coast. Starting from this dual presentation, the exhibition continues to grow, and in subsequent chapters presents more photographs, paintings, sculptures, and video works.

House of Commons arose in response to the political events of recent months in Europe and the United States. A general change in mood can be sensed?events such as the Brexit referendum and the election of Donald Trump call into question the basis of democratic action and reveal the importance of constructive debate over different opinions and views. Against this backdrop, the exhibition presents both artistic works that deal explicitly with political or social issues as well as works dealing with more fundamental questions inherent in art itself. In this way, Portikus takes a political stance, argues through art, and using the simple gesture of juxtaposition, emphasizes the importance of dialogue and engagement with opposing opinions for our common coexistence.

A l'occasion de la fin de sa résidence à la maison des arts centre d'art contemporain de Malakoff, Grégory Buchert réalise entre novembre et décembre 2016, une série de lectures 'hors-les-murs' de son roman "L'Invention de Malakoff", dans différents lieux à Malakoff : chez des habitants, à la médiathèque, à la maison de la vie associative, etc.

En écho aux décors de l'Aubette réalisés en 1928 par Theo Van Doesburg, Jean Arp et Sophie Taeuber-Arp, l'exposition « Hétérotopies. Des avant-gardes dans l'art contemporain » présentée du 10 décembre 2016 au 30 avril 2017 au Musée d'Art moderne et contemporain et à l'Aubette 1928 propose de mettre en parallèle les concepts fondateurs des avant-gardes artistiques et architecturales des années vingt et des ouvres de dix artistes contemporains réalisées en écho à cette période. La réception de l'utopie qui caractérise les avant-gardes est l'un des thèmes fréquemment traités par la création contemporaine qui tour à tour rejette les formes issues de la modernité, les copie, les détourne ou les réévalue.

Le parcours de l'exposition est organisé en quatre sections illustrant les concepts ou mouvements représentatifs des avant-gardes que se sont appropriés les artistes contemporains. Les oeuvres de Ryan Gander, Bertrand Lamarche, Cyprien Gaillard, Haegue Yang, Edi Rama, Anri Sala, Xavier Veilhan, Nicolas Godin, Farah Atassi, et Michel Aubry proposent ainsi une relecture des idées-forces qui ont caractérisées la modernité au début du vingtième siècle telles que la synthèse des arts, la Gesamtkunstwerk (oeuvre d?art totale), l'élémentarisme, les Espace/temps, les architectones ou la ruine du modernisme.
Deux séries d'oeuvres seront spécialement produites pour l'exposition au Musée d'art moderne et contemporain et à l'Aubette 1928 par Xavier Veilhan et Ryan Gander.

Hétérotopies, concept emprunté à Michel Foucault définissant les espaces physiques de l'utopie, cet Espace-Temps également pensé par Van Doesburg, formule ainsi le postulat d?une certaine actualité des concepts issus des avant-gardes. L'exposition Hétérotopies devient ainsi un espace de réévaluation de ces concepts, au moyen des oeuvres contemporaines qui les activent à la lumière des enjeux sociaux, économiques et culturels contemporains. Le parallèle ainsi établi permet de prendre la mesure de l'actualité de ces hétérotopies dont la portée influence l'histoire et la société contemporaine.

Commissaire : Camille Giertler, attachée de conservation, responsable de l'Aubette 1928.

L'exposition est présentée dans le cadre de la saison « Passions Partagées. Au coeur des collections », programme d'expositions consacré à la valorisation des collections des musées strasbourgeois. Cette exposition bénéficie du soutien exceptionnel de l'Eurométropole de Strasbourg.

Dans le cadre de l'"Année France-Corée", le Centre d'art contemporain de Meymac s'est associé avec l'Artspace Boan 1942 à Séoul pour proposer un regard croisé sur la création contemporaine.

Exposition collective avec Renaud Auguste-Dormeuil, Ronan Barrot, Amélie Bertrand, Anne Brégeaut, Guillaume Bresson, Philippe Cognée, Roland Cognet, Delphine Coindet, Julien Crépieux, Jean Denant, Damien Deroubaix, Valérie du Chéné, documentation Céline Duval, Daniel Firman, Nicolas Guiet, Laura Henno, Guillaume Leblon, Laurent Le Deunff, Natacha Lesueur, Didier Marcel, Maude Maris, Mathieu Mercier, Valérie Mréjen, Aurore Pallet, Florence Paradéis, Guillaume Pinard, Philippe Ramette, Julia Scalbert, Muriel Toulemonde.

Commissaires : Caroline Bissière et Jean-Paul Blanchet.

Lecture et installation de Gregory Buchert.

Durant deux semaines, entre la maison des arts, la médiathèque ou directement chez les habitant, il propose différents rendez-vous publics au cours desquels il lit des fragments de son récit. Il accompagne ses lectures d’une scénographie, présentant une série d’images, d’objets et d’archives, engendrés par son roman.

Commissaires de l'exposition : Marianne Derrien et Sarah Ihler-Meyer

La créativité pourrait-elle être un synonyme de sérendipité ?

Inventé au XVIIIème siècle par Horace Walpole, alors inspiré par le conte oriental Les Trois princes de Serendip (1754), ce néologisme, qui passera dans le domaine des sciences au XXème siècle, désigne la capacité de reconnaître et de faire fructifier des découvertes hasardeuses dues à des erreurs, des négligences ou des maladresses. Or, que ce soit dans les domaines de la recherche fondamentale ou de la création artistique, tout processus créatif semble être un cheminement fait d'expérimentations, de tâtonnements, d'imprévus et d?accidents ouvrant parfois de nouvelles perspectives et de nouveaux territoires.

2016 marque les deux cent ans du naufrage du Navire La Méduse, drame historique immortalisé par la célèbre peinture de Théodore Géricault. Des récits d'horreur, de cannibalisme et de fin du monde, ont été racontés par les survivants. Le spectateur du XXIe siècle est malheureusement devenu familier de ce type d'images de catastrophe, dans un contexte où certaines menaces, politiques, sociales ou environnementales, apparaissent bien réelles.

Dans les oeuvres présentées, les artistes s'y réfèrent largement: Monira Al Qadiri (1983, Sénégal) compose un chant religieux et apocalyptique, Rachel Rose (1986, USA) revisite l'histoire de l'art à travers une catastrophe, Deimantas Narkevicius (1964, Lituanie) réecrit la menace nucléaire de la Guerre Froide, Cédrick Eymenier (1974, France) suggère la fin d'un modèle civilisationnel dans son film Kill Akropolis, et enfin Basma Alsharif (1983, Koweït) se joue de la violence des images contemporaines.

Séance présentée par Loïc Le Gall et Olivier Zeitoun, en présence de l'artiste Cédrick Eymenier.

Avec Marc Lenot, historien de l'art et auteur du blog Lunettes rouges, Juliana Borinski, photographe, et Denis Bernard, photographe et enseignant en design graphique.

Jeudi 24 novembre de 18h30 à 20h

À partir d'un cas pratique proposé et présenté par un artiste, « Le présent de nos savoirs » nourrit la capacité d'agir de chacun-e sur ces nouvelles plateformes tout en générant un savoir absent de ces espaces. 

Programmé sur toute l'année, l'atelier Le présent de nos savoirs s'est d'abord concentré sur la plateforme Wikipédia et les féminismes, constituant une équipe d'accueil et de formation présente aux Archives nationales pour le marathon Editathon Art+Feminism 2016. Il se poursuit fin 2016 en compagnie d'activistes des savoirs libres.

C'est en compagnie de l'artiste Kapwani Kiwanga que "Le Présent de nos savoirs" poursuit sa collaboration avec La Quadrature du Net et Bibliothèque sans frontières pour un cinquième atelier. ami, Une nouvelle façon d'écrire mon nom est un livre écrit en 1982 par la poète africaine américaine féministe et activiste Audre Lorde (1934-1992). Objet hybride entre autobiographie et fiction, cette biomythologie a beaucoup inspiré Kapwani Kiwanga dans les débuts de sa pratique artistique, alors qu'elle étudiait l'anthropologie au Canada et était active dans des groupes féministes.

A La Colonie, nouveau lieu ouvert par Kader Attia, tout juste couronné par le prix Marcel Duchamp 2016, se déroulera, à l'initiative de Lionel Ruffel, la manifestation Theory Now qui se propose, entre ateliers, performances, et conférences, de redéployer la pensée, de la réengager, pour se mettre en quête de la théorie aujourd'hui.

L'artiste Kapwani Kiwanga y présentera sa performance Afrogalactica, jeudi 17 novembre à 20h. 

Un projet d'expositions croisées entre les villes de Belgrade (Serbie) et de Montpellier (France). Commissariat Milan Tutunovic.

L'exposition regroupe seize artistes, enseignants et étudiants en Art de Montpellier et de le Région Occitanie: Nicolas Aguirre, Vincent Betbeze, Armelle Caron, Valérie Du Chéné, Cédrick Eymenier, Grout et Mazèas, Naomi Heinrich, Didier Hébert-Guillon, Alain Lapierre, Marion Lisch, Michel Martin, Guillaume Poulain, Benoît Pype, Sébastien Taillefer, Eric Watier, et Valentine Zivanovic.

Avec la participation des artistes : Halldór Ásgeirsson, Art Orienté Objet, Basserode, Caroline Corbasson, Johan Creten, Philippe Deloison, Damien Deroubaix, Paul-Armand Gette, Evi Keller, Bertrand Lamarche, Julie Legrand, Sandra Lorenzi, Myriam Mechita, Jean-Michel Othoniel, Olivier Raud, Jean-Jacques Rullier, Lionel Sabatté, Elsa Sahal, Erik Samakh, Vladimir Skoda, Tunga.

commissaire : Pascal Pique et le musée de l'invisible

Le sixième cycle du Prix Pictet se déplace à Tokyo en Octobre 2016, marquant la seconde exposition du prix au Japon. L'exposition présentera les oeuvres des 12 artistes shortlistés pour le prix Pictet Disorder dont Sophie Ristelhueber, du 21 au 27 octobre 2017 à la BANK Gallery.

Vernissage le 16 octobre 2016.

On occasion of its grand opening, the Luigi Pecci Centre for Contemporary Art presents the inaugural exhibition The End of the World, curated by director Fabio Cavallucci in collaboration with an international team of advisors including Antonia Alampi, Luca Barni, Myriam Ben Salah, Marco Brizzi, Lorenzo Bruni, Jota Castro, Wlodek Goldkorn, Katia Krupennikova, Morad Montazami, Giulia Poli, Luisa Santacesaria, Monika Szewczyk and Pier Luigi Tazzi.

Including the work of over 50 international artists in an exhibit which will occupy a space of over 3,000 square metres, the exhibition encourages us to take an outsiders perspective on our current reality. Spectators will enter through the new wing of the museum, designed by Maurice Nio, and once inside will experience a feeling of being projected a few thousand light years away from the present to review our world as if it were geological eras from our current time.

This journey is made up of works by already established international artists and also those of younger, emerging artists, many of whom come from regions of strong contrast and conflict. Throughout the exhibition, various mediums and artistic expressions will be interconnected: music, theatre, cinema, architecture and dance, depicted not only through specific pieces but as integral moments of the show as a whole.

The End of the World will be accompanied by a series of conferences and debates which will develop the various themes explored in the exhibition, and will include scientific, philosophical and literary aspects; from more recent theories of physics to archaeological topics, and from science fiction to ecology and sustainability.

The exhibition will include works by: Adel Abdessemed, Jananne Al-Ani, Darren Almond, Aristide Antonas, Riccardo Arena, Kader Attia, Babi Badalov, Fayçal Baghriche, Francesco Bertelè, Rossella Biscotti, Björk, Umberto Boccioni, Cai Guo-Qiang, Julian Charrière and Julius Von Bismark, Ali Cherri, Ana Livia Cordeiro, Isabelle Cornaro, Hanne Darboven, Pippo Delbono, Marcel Duchamp, Marlene Dumas, Federico Fellini, Lucio Fontana, Carlos Garaicoa, Arash Hanaei, Camille Henrot, Thomas Hirschhorn, Joakim, Polina Kanis, Robert Ku mirowski, Andrey Kuzkin, Volodymyr Kuznetsov, Suzanne Lacy, Ahmed Mater, Boris Mikhailov, Henrique Oliveira, Lydia Ourahmane, Piotr Pavlevsky, Gianni Pettena, Pussy Riot, Józef Robakowski, Batoul Shimi, Fari Shams, Hiroshi Sugimoto, Emmanuel Van Der Auwera, Ekaterina Vasilyeva and Hanna Zubkova, Andy Warhol, Ingrid Wildi Merino, Andrzej Wróblewski, Aik Yakubovich, Qiu Zhijie, Istvan Zimmerman and Giovanna Amoroso, David Zink Yi.

Le Centre national des arts plastiques (Cnap) et la Bibliothèque Kandinsky du Musée national d'art moderne/CCI, Centre Pompidou sont heureux de vous inviter au lancement du livre La vie et la mort des œuvres d’art publié par Tombolo Presses.

La présentation réunira Thierry Chancogne (Tombolo Presses), Cécile Dazord (Conservatrice chargée de l’art contemporain et des phénomènes d’obsolescence au C2RMF), Alexis Guillier (Artiste), Nathalie Leleu (Auteure, chercheuse, chargée de mission au Centre Pompidou puis au Musée Picasso), Christophe Lemaitre (Artiste, éditeur), Céline Poulin (Le Bureau/, directrice du CAC Brétigny), Spassky Fischer (Studio de design graphique).

Mercredi 12 octobre 2016, à partir de 18h30
Bibliothèque Kandinsky
Centre Pompidou
Niveau 3

Entrée libre sur réservation à : reservation.bibliothequekandinsky@centrepompidou.fr

Recueil de récits et de textes d’essence théorique, « La vie et la mort des œuvres d’art » entend poursuivre l’entreprise abordée par l’exposition éponyme au Cneai (Chatou, France) en 2014, et lors du panel de discussion organisé chez Treize (Paris, France) en Novembre de la même année. Avec pour point de départ une collection d’objets qui furent des œuvres d’art et ne le sont plus, ce livre s’intéresse à différentes continuités matérielles et perceptibles traversées par la définition d’œuvre d’art. Il convoque plus généralement un certain nombre de questions liées à l’ontologie de l’œuvre d’art : de quelle manière une œuvre s’inscrit-elle dans la continuité matérielle de la forme qui la contient et l’excède ? De quelle façon ce temps de l’œuvre au sein de l’objet excède-t-il à son tour la durée d’une vie humaine ? Quelles raisons et quelles pratiques président à la conservation et l’entretien d’un artefact ? « La vie et la mort des œuvres d’art » se tient là où l’œuvre cesse, et tente d’écrire ce qu’elle devient. Recouvrement mutuel des figures de l’artiste et du restaurateur, chimères technologiques, entités biologiques substituées à l’intérieur d’une œuvre pour sa conservation, reconstitutions muséales, hyper-restauration, œuvres re-configurées physiquement et œuvres re-configurées chimiquement sont autant d’exemples qui composent les paysages de cet ouvrage.

Avec le soutien à l’édition du Cnap.

Éditeur : Christophe Lemaitre
Textes de : Christophe Lemaitre, Petra Lange-Berndt, Gregory Buchert, Le Bureau/, Paul-Hervé Parsy, Nathalie Leleu, Amelia Groom
Iconographie/Images : Alexis Guillier
Mise en livre : Spassky Fischer
ISBN : 9-782954-684284
Impression offset noir et blanc + 1 couleur
12,5 x 20cm, 224 pages
2 langues : Français, english

1976, de grands tessons de verre s'écrasent contre le trottoir devant l'Institut d'Architecture et des Affaires Urbaines à New York. L'éclatement des fenêtres commis en plein milieu de Manhattan par un Anarchitecte agissant seul avec une carabine devient l'Idée Comme Modèle.

Schizo Culture + Carabine est la première partie de deux expositions successives qui réexaminent les Années de Plomb de l'Europe, l'Opération Chaos du CIA, le programme du contre-espionnage (Counter Intelligence) du FBI, un siècle de sabotage, détournement, dynamite et la montée des résistances armées dont les origines pourraient même être attribuées à la lutte entre les Lumières et ses détracteurs.

Giovanni Bonfanti, Pier Paolo Pasolini, Dodici Dicembre, 1971. Courtesy Cineteca Bologna.

Gordon Matta-Clark, Fresh Kill, 1972. Courtesy Gallery David Zwirner et Electronic Arts Intermix.

Otolith Group, Communists Llike Us, 2006. Courtesy LUX.

Pier Paolo Pasolini, La Rabbia, 1963. Courtesy Minerva Pictures Group, Rome.

Société Réaliste, Universal Anthem, 2013. Courtesy Galerie Jérôme Poggi, Paris.

RUN RUN RUN, une exposition autour de la notion d'artist-run space, conçue par une vingtaine de structures européennes et plus de quarante artistes, transformant la Villa Arson en vaste chantier de création et d'expérimentations. Ce projet est réalisé à l'occasion des 20 ans de La Station (Nice).

Celui qui prend son temps, perd-il son temps ?

Alors que nous avons créé tout un tas d'outils pour aller plus vite, que faisons-nous de ce temps libéré ? Où passe tout ce temps gagné ? Pourquoi courons-nous toujours après le temps ? Oeuvres éphémères, périssables, intemporelles...Artistes montrant le temps ou proposant d'en faire l'expérience... Cette exposition vous invite à un véritable voyage dans le temps... même s'il n'existe pas !

"Cent ans de Guerres" est conçu dans le cadre des commémorations de la Grande guerre à l'échelle de l'Europe. Ce programme d'exposition est attentif au centenaire, aux cents années qui ont suivi celle que l'on a voulu croire être la Der des Der. Pourtant, le monde est en guerre perpétuelle. Au Frac Aquitaine, l'exposition fait émerger, en creux,la notion de lumière qui apparaît comme un fil rouge à suivre pour apprivoiser un sujet vaste, complexe et imposant.

The Showroom présente une nouvelle production commissionnée à l'artiste Londonien Uriel Orlow, qui regarde la flore comme un espace politique à travers la vidéo, la photographie, l'installation et le son.

Travaillant entre les deux angles d'attaques que sont l'Afrique du Sud et l'Europe, le projet considère les plantes comme des témoins et des acteurs de l'histoire, autant que des agents dynamiques - reliant les humains à la nature, la médecine rurale et cosmopolite, la tradition et la modernité - à travers différentes aires géographiques, histoires de systèmes de connaissance, avec une variété de vertus curatives, spirituelles et économiques.

Le show inclut les reconstructions d'arrangements floraux de Kapwani Kiwanga, présents lors des négociations entre la délégation du Front de Libération du Mozambique (Frelimo) et le gouvernement Portugais le 7 septembre 1974, dont découla la reconnaissance par le Portugal du droit à l'indépendance du Mozambique.

SOCIETIES cherche à fédérer les capacités de tous les membres de la société civile qui le souhaitent pour interagir sur la scène de l'art et faire ensemble oeuvre d'art.

Plus que de nouveaux publics, ce sont de nouveaux acteurs que SOCIETIES souhaite encourager à prendre part à l'économie de l'art aujourd'hui. SOCIETIES réfléchit et expérimente avec plusieurs partenaires de nouvelles formes de commerce entre l'art et la société, qui dépassent les cadres conventionnels de l'institution et du marché.

www.societies.fr

SOCIETIES est une structure non gouvernementale et sans but lucratif, fondée par Jérôme Poggi en 2004, sous le nom initial d'Objet de production. SOCIETIES met notamment en oeuvre l'action Nouveaux commanditaires à Paris et en Ile-de-France, initiée et soutenue par la Fondation de France.

Vernissage le 24 septembre 2016 - Galerie haute

Artistes : Lena Amuat & Zoë Meyer, Iván Argote, Bernard Aubertin, Elisabeth Ballet, Iain & Ingrid Baxter, Janos Ber, Anna-Eva Bergman, Nicolas Chardon, Claire Chesnier, Constant, Adrien Couvrat, Salvatore Emblema, Herbert Hamak, Donald Judd, Maude Maris, Marianne Mispelaëre, Vera Molnár, François Morellet, Gyan Panchal, Bruno Rousselot, Eva Taulois, Olivier Vadrot, Kees Visser.

En décloisonnant les univers artistiques liés aux champs de la peinture, de la sculpture, de l'architecture et du design, l'exposition Histoire des formes invite à une libre explo­ration de la forme, de la couleur et du mouvement.

S'il y est majoritairement question d'abstraction, la notion se pose ici comme principe de « mise en forme », éclairant ce qui se joue essentiel­lement dans la définition de l'oeuvre d'art, quelle qu'en soit sa fina­lité ou son appa­­rence finale.

L'oeuvre prend forme à travers une suite de décisions où ses propriétés physiques s'analysent, ses possibilités matérielles se testent, son devenir se précise.

Une histoire la travaille; elle se dépose et se décante dans cette chaîne d'opérations.
Elle sous-tend une volonté créatrice, ou entropique, d'inventer de nouveaux possibles. Elle s'actualise dans la manipulation du matériau, dans les choix de texture, de densité, de contraste et des multiples propriétés physiques à travers lesquelles l'oeuvre s'éprouve pour finalement apparaître et se stabiliser.

Ainsi, l'économie de l'oeuvre est une orga­nisation qui englobe tout à la fois ses modalités d'apparition en lien avec son support et l'espace où elle s'expose.

Cette organisation formelle structure également un espace à l'intérieur duquel le regardeur peut advenir en tant que sujet et dépositaire qui la reçoit et la fait exister.

Cette exposition a été pensée comme un « champ de formes », pour que l'oeuvre de chaque artiste s'inscrive et se singularise dans un même temps.
Ce temps est cependant différencié : trois générations d'artistes habitent l'exposition, déterminant ainsi ce qu'il est possible de res­sentir comme un voi­sinage, une proximité d'héritage.

En formulant des hypothèses de chemi­nement pour le regard, l'exposition fait converger des formes de temps reconduites, rejouées dans l?ouvrage contemporain et formant un présent habité, un présent historique.
Tenter de penser, de ressentir et d?éprouver ensemble ce qui est ou ce qui fait le contemporain est tout l'enjeu de ce nouveau lieu de diffusion, de production et de programmation artistique que représente Les Tanneries.

Histoire des formes adresse ainsi une invitation au public ainsi qu'aux artistes, commissaires d'exposition et acteurs de la vie artistique qui viendront par leur présence rendre ce désir possible, manifeste.

Construit à Plovdiv, en 1963, durant la période Soviétique, le cinéma Cosmos ferme ses portes en 1999 après avoir accueilli 35 ans de projection de films et d'idéologie. Il est une réflexion de l'histoire politique et sociale du pays avant et après la chute du mur de Berlin. Ce bâtiment rationaliste (architecte : Lyubomir Shinkov) exprime une monumentalité et une idée du futur contenue dans l'ancienne Europe de l'Est.

"La couleur du Cosmos" est une quête qui s'intéresse au bâtiment et à l'idéologie du Cosmos. Poursuivant de longues recherches sur place en 2015, Maxime Bondu se questionne quant aux images possibles du Cosmos. Recherchant l'invisible, il en trouve des traces dans des fragments de peintures tombant du plafond, dans les toiles d'araignées de la cave inondée et dans de vieux programmes tachés d'encre. Il tente de déduire la couleur persistante de l'écran de projection, c'est à dire la couleur dominante obtenue par la surimposition de phonogrammes de chacun des centaines de films projetés dans le cinéma. En travaillant avec Julien Griffit, il développe un algorithme pour analyser les films. Après deux semaines de calculs, un serveur online propose un code hexadécimal spécifiant une couleur : #282320. Transférée sur un film 35mm et montrée en une boucle, cette couleur apparaît extrêmement difficile à projeter à cause de son ton sombre.

Exposition soutenue par l'Institut Français de Bulgarie et NCF.

Jean-Théodore Delacour (1890-1985) a fondé le parc de Clères en 1919. Cet amateur éclairé, passionné d'ornithologie, a patiemment construit un ensemble paysager et architectural exceptionnel qui accueille, encore aujourd'hui, une réserve animalière d'espèces rares rapportées de ses expéditions lointaines.

L'exposition Les Explorateurs fait écho à la personnalité de Jean-Théodore Delacour et à l'identité du lieu. Elle réunit des artistes qui s'intéressent aux sciences naturelles, depuis la zoologie à l'astronomie en passant par la géolo