Kapwani Kiwanga

À l’occasion de la Biennale de Lyon, Manifesta invite la Galerie Poggi pour une exposition collective réunissant la vaste majorité des artistes du programme de la galerie, intitulée Le Fil du Temps. Ténu, fragile, souvent invisible, le fil est pourtant ce qui lie les choses entre elles, parfois même de manière mystérieuse. Il apparaît également peut-être à contre coup, lorsque l’on prend de la distance et que le fil narratif qui lie plusieurs événements entre eux apparaît peu à peu. C’est à cette ambiguïté que Le Fil du Temps s’intéresse, en mettant côte à côte des oeuvres de Kapwani Kiwanga, Djamel Tatah, Sidival Fila, Troy Makaza, Georges Tony Stoll, Kees Visser, Ittah Yoda, Paul Mignard et Vera Pagava.

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Au quatrième étage du New Museum of Contemporary Art, l'exposition présente un nouvel ensemble d'oeuvres qui associent recherche historique et intervention spatiale in-situ. Invoquant à la fois l'utilisation de projecteurs lumineux par la police dans certaines zones urbaines ciblées aujourd'hui, ainsi que des lois new-yorkaises du début du XVIIIe siècle connus sous le nom de "lantern laws" - des ordonnances qui obligeaient tous les esclaves de plus de quatorze ans à porter des lanternes ou des bougies allumées une fois la nuit tombée - l'installation de Kiwanga poursuit les recherches de l'artiste sur les architectures disciplinaires et les régimes complexes de visibilité. Mélangeant opacité et transparence à travers le textile et la sculpture, Off-Grid subvertit l'utilisation de la lumière artificielle comme moyen de contrôle. À l'inverse, l'exposition est uniquement éclairée à la lumière naturelle, produisant différents motifs qui évoluent tout au long de la journée. Déconnectée du réseau d'éclairage électrique, l'exposition émet également un scénario spéculatif, évoquant à la fois la fermeture soudaine des institutions culturelles pendant la pandémie de COVID- 19 et un avenir pas si lointain où les musées et la société devront fonctionner avec un accès limité à l'électricité.

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Dans la Grande halle du 109, plus de quarante artistes, parmi lesquelles Kees Visser, Kapwani Kiwanga et Ittah Yoda, convoquent les aspects symboliques de la fleur, de la métamorphose à l’évolution du vivant, de la puissance à la fragilité, s’emparant de sujets sociétaux et environnementaux contemporains. 

Dès la Grèce antique, fresques ou frises de fleurs ont séduit les spectateurs et le motif s’est même imposé bien avant celui du paysage, accompagné de la notion du sublime au XVIIIe siècle. Dans l’histoire de l’art, la fleur a très tôt été porteuse de symboles et d’attributs de saints ou de divers jardins d’Eden, quand les tableaux hollandais lui assignaient autant un rôle de représentation de l’opulence, qu’un témoignage de la fragilité et la finitude de la vie. 

Aujourd’hui encore, les plasticiens sont loin de la considérer tel un simple objet décoratif. Comme le montrent les quarante-deux artistes de Power Flower, dont certains vont réaliser des œuvres spécialement pour Le 109, la fleur accompagne les sujets qui nourrissent aujourd’hui le champ de l’art contemporain, mais aussi les débats sociétaux ou environnementaux. Ainsi, la fleur s’affiche comme outil féministe ou politique, sa forme ayant une connotation sexuelle assumée. Admirée par ailleurs dans son contexte naturel ou urbain, la fleur interroge la modernité et l’avancée écologique, tout en étant une projection vers un monde prospectif ou futuriste. De la racine au faîte, elle s’élève et crée le lien entre le passé et l’avenir, particulièrement si l’on songe à la transformation de son état de bourgeon à la fanaison. Dans l’art contemporain, elle est tout autant intellectuelle qu’elle réfère aux différents sens et ne dit-on pas que l’odorat demeure celui s’inscrivant le plus durablement dans la mémoire ? 

La fleur symbolise ainsi la métamorphose et l’évolution du vivant, affichant une forme de prise de pouvoir, bien qu’elle soit douce, subtile, inframince, parfois proche de l’invisible… mais toujours très enivrante.

Programme

Galerie Poggi is proud to announce that the artist Kapwani Kiwanga is invited to the 59th International Art Exhibition of La Biennale di Venezia curated by Cecilia Alemani. La Biennale di Venezia will run from May 23rd, 2022 to November 27th, 2022.

L'artiste franco-canadienne Kapwani Kiwanga reçoit le prestigieux Zurich Art Prize 2022, doté de 100 000 francs. Ses thèmes socialement pertinents l'ont distinguée aux yeux du jury, selon la Maison d'art constructif et concret (Museum Haus Konstruktiv) de Zurich.

Sur les 100 000 francs qu'elle reçoit, l'artiste devra dédier la plus grande partie (80'000 francs) à la production d'une exposition. Le prix est décerné par le musée Haus Konstruktiv de Zurich. L'exposition de Kapwani Kiwanga au musée Haus Konstruktiv sera visible dès l'automne prochain, du 27 octobre 2022 au 15 janvier 2023.

Sarah Maldoror : cinéma tricontinental est la première exposition rétrospective consacrée à l’œuvre de Sarah Maldoror (1929-2020). Elle est l’occasion de faire découvrir l’œuvre cinématographique, mais aussi théâtrale, poétique et politique, d’une cinéaste à la production foisonnante, alternant fiction et documentaire, au service d’un cinéma révolutionnaire et décolonial, résolument anti-raciste et irrévérencieux.

Programme

Sur une surface de 1500 m2, Cloud Seven accueille une partie de la collection d'art contemporain de Frédéric de Goldschmidt, présentée par roulements. Si l'inauguration est prévue pour février 2022, l'exposition sera visible dès le 11 novembre avec 315 œuvres (Louise Bourgeois, Julian Charrière, Theaster Gates, Roni Horn, Anne Imhof, Imi Knoebel, Kapwani Kiwanga, Alicja Kwade, François Morellet, Damián Ortega, Wolfgang Tillmans, David Wojnarowicz...). Son titre, « Inaspettatamente (Unexpectedly) », reprend celui d'une pièce brodée d'Alighiero Boetti, artiste très présent dans la collection de Frédéric de Goldschmidt.

Programme

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À l'automne 2021, le Moody Center for the Arts présentera une exposition personnelle de l'artiste Kapwani Kiwanga (né en 1978 à Hamilton, Canada), sa première à Houston. Pour le Moody, Kiwanga créera deux installations immersives et spécifiques au lieu, "Maya-Bantu" et "Dune", qui abordent toutes deux les liens entre le commerce et le travail, ainsi que la société et l'environnement, à l'échelle locale, nationale et mondiale.

Programme

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Le FRAC Champagne-Ardenne vous présente une grande exposition collective, consacrée au Mont Analogue, un récit de l’auteur rémois René Daumal (1908-1944). Mêlant art et littérature, l’exposition célèbre l’influence de René Daumal — et en particulier celle de son dernier livre, Le Mont Analogue — sur les artistes de son époque et d’aujourd’hui.

L'artiste Kapwani Kiwanga y présente notamment deux oeuvres de la série des "Subduction Studies".

Programme

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L'exposition "Liminal Identities in the Global South" qui aura lieu à la Joburg Contemporary Art Foundation (JCAF) du 20 mai au 20 novembre 2021 se concentrera sur le travail des femmes artistes d'Amérique latine (Ana Mendieta, Lygia Clark & Lygia Pape), de la région MENA (Moyen-Orient et Afrique du Nord), de la diaspora africaine et d'Afrique du Sud.

Kapwani Kiwanga y présentera l'oeuvre Ivory Coast issu de sa série de bouquets Flowers For Africa.

Ce parcours d'art contemporain est présenté en deux temps : la première partie à partir du 19 mai 2021 ; la seconde partie débutera à partir du 20 octobre 2021.

Pendant deux siècles, la figure de Napoléon a dominé non seulement l'histoire européenne, mais aussi la perception générale de cette dernière, en France mais aussi dans le reste du monde.

Génie pour les uns, ogre pour les autres, Napoléon a été le sujet et l'objet de centaines de milliers d?images, d'oeuvres d'art, de livres puis de films, souvent engagés, qui ont durablement marqué l'histoire de l'art et de la culture, de Jacques-Louis David ou Jean-Dominique Ingres à Larry Rivers ou Marcel Broodthaers, de Louis Lumière ou Abel Gance à Youssef Chahine ou Alexander Sokourov.

Les transformations sociales et politiques ont peut-être amoindri sa place explicite dans la pensée contemporaine mais celle-ci reste vive parce que, au-delà de tout jugement de valeur, il a façonné un monde dont nous sommes, consciemment ou non, positivement ou négativement, les héritiers.

Liste des artistes :

Marina Abramovich, Adel Abdessemed, Art & Language, Stéphane Calais, Pascal Convert,  Hélène Delprat, Damien Deroubaix, Pablo Gosselin, Laurent Grasso, Juliette Green, Fabrice Hyber,  Hervé Ingrand, Kapwani Kiwanga, Alexander Kluge avec Georg Baselitz, La Méduse,  Ange Leccia, Célia Muller, Yan Morvan, Hans Op de Beeck, Pavel Pepperstein, Edgar Sarin, Julian Schnabel, Shu Rui, Assan Smati, Georges Tony Stoll, Laure Subreville, Agnès Thurnauer, Yan Pei-Ming

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When our eyes touch est le premier chapitre de AISTIT / coming to our senses, une série d'expositions sur un an organiseée par les Instituts finlandais du Bénélux, de France, d'Allemagne, de Grande-Bretagne et d'Irlande, en collaboration avec la maison Louis Carré, afin d'explorer la complexité de nos perceptions sensorielles et d'interroger leurs manières de nous façonner en tant qu'êtres humains. Les commissaires de l'exposition Hans Rosenstrom et Satu Herrala ont été invités à porter leur réflexion sur le thème des sens ("aistit" en finnois) ainsi que leurs dimensions physiques, politiques et technologiques contemporaines.

Artistes participant.e.s : Etel Adnan, Axel Antas, Simone Fattal, Terike Haapoja, Anna Maria Hakkinen, Kapwani Kiwanga, Laurent Millet, Maija Mustonen, Laure Prouvost et Hans Rosenstrom.

Au même moment, les artistes Axel Antas, Laurent Millet et Dafna Maimon seront présenté.e.s à l'Institut finlandais, Paris.

Le Centre d'art contemporain d'Ivry – Le Crédac, soutenu par la Drac Île-de-France, présente "Cima Cima". L’ouverture de l’exposition personnelle de Kapwani Kiwanga, à partir du 26 avril 2021, est pour le moment réservée - jusqu’à ce que les conditions sanitaires le permettent - aux visites professionnelles.

Programmée du 23 avril au 28 juin 2020, l'exposition a été reportée à la suite de la crise sanitaire. Un projet distinct de celui précédemment pensé a donc été conçu pour représenter l’édition 2021.

Le titre de l’exposition, Cima Cima, fait référence aux « cimarrones » ou « marrons », termes d’origine arawak passés dans la langue espagnole pour désigner les personnes en condition d’esclavage, devenues fugitives dans les Amériques. Une fois émancipés, ces femmes et ces hommes devaient mettre en place des stratégies pour préserver leur liberté. Cela passait par l’établissement de villages précaires prêts à être abandonnés pour reprendre la route, par une agriculture exceptionnelle permettant leur survivance, et par l’apprivoisement de plantes ramenées de leurs terres natives pour être adaptées à un nouvel environnement.

Programme

L’exposition collective Structures of Radical Will propose d’explorer la notion de physicalité mise en jeu par des formes et pratiques associées à l’art minimal. Le projet souligne le caractère sensible des expériences offertes par des œuvres activatrices de l’espace et du temps dans lesquels elles se donnent à voir. De la création à la réception, le corps percevant est omniprésent, quoi que le plus souvent en creux. Dans un aller retour constant entre appréhension et cognition, Structures of Radical Will ambitionne enfin de remettre en lumière de manière concrète et incarnée la portée critique et politique d’un vocabulaire et d’une attitude désormais entrés dans les canons artistiques. L’exposition tire son titre de la combinaison de deux références historiques : Primary Structures (Jewish Museum, New York, 1966), exposition pionnière aux Etats-Unis de la sculpture dite minimale et Styles of Radical Will (1969) second recueil de textes de Susan Sontag dédiés aux arts de son temps et aux états de conscience qu’ils peuvent traduire et produire. Structures of Radical Will associera à son tour des figures issues de la période des années 1960/70 à des artistes contemporains aux créations récentes.

Master symposium
As part of the symposium series Womxn in the Arts and Leadership
17 – 18 March 2021

With contributions by Maria Thereza Alves, Ursula Biemann, Regina Bittner, Barbara Casavecchia, Anja Kirschner, Kapwani Kiwanga, Maria Lind, Otobong Nkanga, Lydia Ourahmane and Myriam Amroun, Filipa Ramos, Kerstin Stakemeier, as well as Yvonne Volkart and Peter Spillmann

Moderated by Chus Martínez and Quinn Latimer
Research Associate: Marion Ritzmann

The symposium is open to the public via Zoom and will be held in English.

→ PROGRAM AND ZOOM LINKS

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Félicitations à Kapwani !

Le projet PLOT de Kapwani Kiwanga à la Haus der Kunst München consiste en une série d?interventions et d?événements artistiques, pour lesquels des sculptures et des installations seront présentées dans le hall central, les colonnades et dans le paysage environnant du musée, remettant en cause la notion de sphère publique.

Ce projet fait partie du programme culturel lié à la présence du Canada en tant qu?invité d?honneur à la Foire du livre de Francfort. Il est soutenu par le Conseil des arts du Canada et le gouvernement du Canada.

Commissaire : Damian Lentini

Pour sa première exposition personnelle aux Pays-Bas, Kapwani Kiwanga présente New Work au FKA Witte de With à Rotterdam, du 20 septembre 2020 au 14 février 2021.
L'exposition est organisée par la commissaire invitée iLiana Fokianaki, et coordonnée par Wendy van Slagmaat-Bos.

Exposition collective de Kapwani Kiwanga, avec Marwa Arsanios, Raven Chacon, Bethany Collins, Tamar Guimarães, Kapwani Kiwanga, H??ng Ngô, Aliza Nisenbaum, Alison O'Daniel, Toyin Ojih Odutola, Elle Pérez, Charlotte Prodger.

Nine Lives prend forme autour d'un ensemble diversifié de protagonistes, comme si cette exposition était un recueil de nouvelles ou d'essais personnels, racontés à partir de différents points de vue. Ces personnages, réels ou imaginaires, se manifestent dans les ?uvres de l'exposition, qui offrent un accès intime mais imparfait à leur vie individuelle. Chaque ?uvre contient l'impression résiduelle d'un moment, d'un voyage, d'un effort ou d'une pensée, avec des degrés de lisibilité variables. À mesure que ces personnes se déplacent tranquillement dans leur environnement quotidien ou naviguent dans des circonstances plus extraordinaires, de plus grandes dimensions commencent également à émerger. Si la notion de soi reste centrale dans l'exposition, ce soi se déplace en relation avec la société et l'histoire, avec une tension permanente entre l'expérience publique et privée. Chacun est le personnage principal de l'histoire de sa propre vie, mais une histoire donnée recoupe celles qui sont écrites ou entretenues par d'autres personnes.

Des motifs de lecture, d'écriture et de traduction apparaissent tout au long de l'exposition. Cela prend des formes familières, comme des livres, des journaux et des documents d'archives, mais les artistes pensent aussi à ce genre d'activités de manière plus large : comment les textiles peuvent aussi être des textes, par exemple, ou comment une partition musicale attend d'être jouée. En réunissant les ?uvres de onze artistes, Nine Lives évalue la façon dont les histoires sont racontées, où elles peuvent être trouvées et quels peuvent être leurs effets, au sein de vies individuelles et à une échelle plus collective. Toutes les histoires ne sont pas racontées au présent et beaucoup d'entre elles nous suivent dans le passé, infusant la vie quotidienne, transmise à travers le langage mais aussi dans nos corps. Ainsi, certains des artistes de Nine Lives s'interrogent également sur la manière dont les traces du passé sont interprétées ou comprises. Ils développent de nouvelles appréciations de l'histoire, telle qu'elle est ressentie ici et maintenant, et comment elle peut être réexaminée ou réécrite.

Cette exposition fait partie de la Feminist Art Coalition, une vaste plateforme de projets inspirés par la pensée, l'expérience et l'action féministes qui se déroulera dans des dizaines de musées du pays à partir de l'automne 2020. Sur cette toile de fond, Nine Lives fait écho à divers héritages féministes, en particulier des artistes et des cinéastes qui ont exploré ce que c'est pour les femmes de raconter leurs propres histoires ou de faire de la place pour des récits autrement obstrués ou non écrits. Alors que les dialogues féministes continuent d'évoluer, Nine Lives montre comment ces efforts se sont étendus pour inclure de plus grandes multiplicités, géographies et identités de genre.

Commissaires : Karsten Lund and Caroline Picard.

Le point de départ de ce projet d'exposition est la culture artistique et visuelle des mouvements de solidarité internationale de l'ex-RDA. Angela Davis (*1944), symbole des droits civils et des mouvements sociaux mondiaux, fait campagne contre les inégalités depuis des décennies.

Le propos de l'exposition Prélude sera axé sur des thèmes liés à la nature et au concept de la vie dans un contexte artistique. Les oeuvres sélectionnées pour ce projet inviteront le spectateur à plonger dans des environnements et des récits qui abordent des scénarios sociaux, politiques et spéculatifs du présent et de l'avenir. L'exposition conçue par Tom Eccles et Hans-Ulrich Obrist, co-directeur artistiques et Vassilis Oikonomopoulos, senior curator de Luma Arles, évoquera l'intense fertilisation croisée des disciplines artistiques et des médias qui existe aujourd'hui, ainsi que les riches liens entre l'art et d'autres disciplines.

Avec l’aide de l’équipe du Crédac, Kapwani Kiwanga lance une invitation aux acteurs locaux ainsi qu’à des chercheurs, intellectuels, artistes, musiciens, danseurs, auxquels elle propose d’intervenir au sein d’un décor sculptural sous la forme de discussion, conférence ou performance pour échanger autour des questions soulevées par son projet.

L'œuvre de l'artiste originaire d'Antigua-et-Barbuda Frank Walter (1926-2009) comprend de nombreuses peintures, dessins, sculptures, écrits et enregistrements sur bande magnétique qui seront exposés pour la première fois dans un musée.

Les œuvres de John Akomfrah, Khalik Allah, Kader Attia, Marcel Broodthaers, Birgit Hein, Isaac Julien, Julia Phillips, Howardena Pindell et Rosemarie Trockel tournent autour du colonialisme dans les Caraïbes dans le passé et le présent ainsi que des contextes intellectuels de la pensée coloniale et post-coloniale. Elles abordent le régime visuel du racisme et décrivent les complexités de l'identité, de la classe et de la racialisation. Julien Creuzet, Kapwani Kiwanga et Carolyn Lazard ont produit de nouvelles œuvres spécialement pour l'exposition.

Le Museum of Contemporary Art Tokyo et KADIST présentent l'exposition Things Entangling, point culminant d'une importante collaboration à long terme entre conservateurs. Arbres, fossiles, livres, artefacts, voilà quelques-uns de nos compagnons de vie et de sens dans un monde où les réalités et les histoires se heurtent et se réverbèrent continuellement. Cette exposition présente des œuvres de douze artistes/groupes qui tracent et animent les trajectoires, les liens et les mutations des choses qui entrent en résonance avec un temps et un lieu précis. Ces choses peuvent être des objets matériels ou des sujets vivants, mais elles sont aussi des médiateurs de sens, d'idéologie et de mémoire. Lorsque les pratiques de ces artistes invoquent l'anthropologie, l'archéologie ou l'historiographie pour rechercher un enracinement, elles visent moins à fouiller ou à clarifier le passé qu'à ouvrir une nouvelle politique d'interprétation pour construire le présent.

Cette exposition, dont le titre est tiré de la magnifique chanson de l'artiste japonaise Yoko Ono, invite à voir le monde autrement. Comme un voyage poétique, le Musée d'Art Contemporain Africain Al Maaden (MACAAL) nous invite à parcourir les ?uvres d'artistes internationaux émergents et établis, qui, de manière sensible et engagée, remettent en question leur environnement, puisant dans leur propre vécu.

Pour le Capture Photography Festival de 2020, Kapwani Kiwanga a créé Counter-Illumination (2020), présentée sur la façade du bâtiment Dal Grauer. La façade en verre de cette structure moderne est revêtue de l'œuvre de l'artiste.

Le Dhaka Art Summit (DAS) est une plateforme internationale et non commerciale de recherche et d'exposition pour l'art et l'architecture liées à l'Asie du Sud. Basé au Bangladesh, le DAS est un exercice de partage des connaissances dont chaque édition répond de manière dynamique à son époque.

Dans son travail, l'artiste franco-canadienne Kapwani Kiwanga (née en 1978, Hamilton, CA) questionne les façons dont l'écriture de l'histoire, les systèmes de pouvoir et la production de connaissances fonctionnent, sapant la compréhension officielle de la vérité en élargissant l'histoire avec la croyance populaire, la spiritualité, la magie et la mythologie. Elle réagit en particulier à la dynamique du pouvoir de l'architecture et examine l'effet des bâtiments publics sur le corps humain, en se concentrant sur les éléments de conception et sur les formes de surveillance raciste.

Cette exposition solo sur 800 m2 reflétera la carrière de Kiwanga avec une sélection d'?uvres significatives et représentatives et de nouvelles pièces spécifiques au site. Elle fonctionnera comme un récit qui met l'accent sur l'impact de l'architecture disciplinaire et des éléments spatiaux sur le corps humain ainsi que sur la recherche d'histoires et de récits post-coloniaux dans lesquels la vérité et la fiction sont combinées.

Kapwani Kiwanga vit et travaille à Paris. Elle a reçu le Sobey Art Award (CA) et le Frieze Artist Award (USA) en 2018.

Made of Honey, Gold, and Marigold est une exploration contemporaine du soleil, en tant qu'activateur de l'engagement sensoriel, provoquant des contemplations plus profondes sur la sensualité, l'érotisme, le plaisir et la politique du désir. Inspirées par les descriptions que Dionne Brand a faites de sa jeune protagoniste Maya et de sa conscience de soi en éveil, les ?uvres sélectionnées de Kapwani Kiwanga, Kosisochukwu Nnebe et Rajni Perera attirent l'attention sur une écologie sensorielle à plusieurs niveaux qui tisse ensemble l'incarnation, l'espace et le rayonnement du soleil.

Artists Confront the Justice System présente des œuvres d'artistes de tout le pays qui traitent du système de justice pénale, de l'incarcération de masse et du complexe pénitentiaire industriel. Représentant toute la gamme de la production artistique contemporaine réalisée en atelier et dans le domaine social, l'exposition comprend des œuvres d'art qui prennent pour sujet les questions de justice sociale et qui positionnent les systèmes pénitentiaires et judiciaires comme des structures à démanteler par la critique institutionnelle.

Leave No Stone Unturned [Remuer la terre] est la première exposition collective au Maroc qui initie des réflexions sur la nature, la politique et les structures de pouvoir, allant du Maroc à la Tunisie, en Israël/Palestine, de l'Afrique du Sud à Haïti, à la Turquie et même aux déserts. Il est essentiel d'encourager le dialogue sur la question de la flore et des systèmes de significations, en particulier dans une perspective postcoloniale et dans un échange Sud-Sud. En fouillant dans la terre, les graines et les plantes, nous découvrons une autre nature : une nature construite non seulement par ses relations avec l'homme - souvent dans la domination et l'exploitation, et également par le respect, la spiritualité et la guérison - mais qui réclame son propre pouvoir.

Clelia Coussonnet

The Sun Ra Repatriation Project propose un geste artistique qui a pour but le rapatriement de Sun Ra à son lieu d'origine: Saturne. Musicien de jazz mort en 1993, Sun Ra témoigne de parvenir de Saturne et prône une philosophie «astro-black» dans laquelle il affirme son origine extraterrestre. Inspiré par la mythologie de Sun Ra, The Sun Ra Repatriation Project crée un système de communication interplanétaire sur quatre étapes: Phase I - Production d'image Un portrait robot de Sun Ra est produit à partir des interviews vidéo effectuées avec ceux qui l'ont connu. Phase II - Codage et émission Le portrait est encodé afin d'être émis par des ondes radio vers Saturne. Phase III - Réception et Observation Les informations en provenance de Saturne sont observées, enregistrées et diffusées dans l'espace d'exposition sous forme de sons. Phase IV - Analyse, Transcription, Carnet d'observation Ces informations sont analysées et transcrites régulièrement afin d'établir un carnet d'observation. Ce carnet sert d'archive et de document d'étude dans lequel se déchiffrera peut-être un message de Sun Ra confirmant son retour.

The intersection of art and anthropology can be traced to the long-standing human desire to collect, classify, and display across cultures and time. In Western societies, the systematic accumulation and exhibition of objects considered to be culturally valuable dates back to the Renaissance-era cabinet of curiosities, or Wunderkammer, the precursor by several centuries to the modern art museum. Meant to inspire and amaze, these cabinets began in private, domestic spaces but over time expanded to entire rooms in the public sphere, eventually becoming what we know today as natural history, anthropology, and ethnographic museums. It wasn?t until the late seventeenth century that the first art museums appeared, taking their cue from these private curio collections turned public, where art collections of the royal, wealthy, and ruling elite made their way into public spaces for exhibition. In many ways, art museums evolved in opposition to natural history museums, the relationship between the two echoing undercurrents of the longstanding discussion between ?high? and ?low? art. In tandem, anthropological endeavors aspired to remain a comfortable distance from notions of fine art, averse to ethnographic methods becoming aestheticized and the inherent colonialist impulses present in both fields. (...)

Taking the politics of making as its point of departure, this group exhibition explores the cultural meanings that emerge from the materials artists use. Drawing on the writings of Édouard Glissant, guest curator Daisy Desrosiers assembles a selection of works that engage often-overlooked narratives within cultural histories, considering the itinerant and opaque legacies that surround certain materials. Ideas of belonging, witnessing, domesticity, and migratory journeys are brought to the fore, engaging shared and self-reflective experiences and inviting audiences to be guided by the stories that they tell.

Serpentine Galleries present the third instalment of this year-long symposium and research project, presented as part of the General Ecology project. The Shape of a Circle in the Mind of a Fish with Plants brings together scientists, anthropologists, artists and theologians around plant sentience, plant intelligence, communication with the vegetal world and forms of mysticism and healing. Participants include Saelia Aparicio, Antoine Bertin, Vivian Caccuri, Teresa Castro, Amy Hollywood, Kapwani Kiwanga, Natasha Myers, Michael Marder, Tabita Rezaire, Kim Walker, Elvia Wilk and more to be announced. A new commission from Chris Watson will be presented on the night.

In April 1955, representatives of 29 newly, and struggling-to-be, independent countries from Asia and Africa gathered for a conference in Bandung, Indonesia, to champion common interests of national sovereignty, decolonisation, anti-imperialism and economic development. The international meeting of new geopolitical alliances represented 54% of the world population at the time and signalled a pivotal moment for postcolonial political order. From this encounter emerged the Non-Aligned Movement (NAM) formed by nations that embraced the above and shunned the polarities of the Cold War ? the Third World. [...]

Dans le cadre de cet événement d?une durée de trois semaines orchestré par Rhodnie Désir, des artistes de descendance africaine de Montréal et de la diaspora animeront rencontres et laboratoires socioartisitiques axés sur les enjeux et les expériences relatives aux droits civils et à l?engagement social. Présenté parallèlement aux performances de cinq artistes internationaux.
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Kapwani Kiwanga
AFROGALACTICA : A brief history of the future [performance]
19/04/2019 20h

As part of the Demonstration Rooms project, Céline Condorelli, Kapwani Kiwanga and Judy Radul have been invited to reflect on the presentation of the collection in the Albertinum. In various rooms of the museum they have developed artistic interventions that interrogate customary viewing habits and spatial perception. Hence, this project builds upon the ideas of El Lissitzky who in 1926 created a ?Demonstration Room? for the Dresden International Art Exhibition, through which he sought to make the viewing of art a more active process by taking an unconventional approach to interior design. Even today, the progressive designs of Mondrian and Lissitzky still have the potential to inspire innovative thinking.

In an era when humanity is facing new challenges posed by big data, bioengineering and climate change, Whitechapel Gallery has invited ten groups of artists, architects and other cultural practitioners to explore the potential of collaboration and offer their visions of the future. They imagine scenarios in which queer desire, house music and fracking meet on a mountainside; grief and microbes generate new possibilities for housing; or machines dispense objects and emotions to support our place in the technological world of tomorrow.

At the core of Safe Passage, Kiwanga?s exhibition at the List Center, is an engagement with racialized surveillance and the power dynamics inherent in seeing and being seen. Kiwanga follows the lineage of surveillance and positions it in relation to blackness in America, from its roots in slavery to the role that technology performs today. Safe Passage presents four recent interconnected bodies of work that address the history of forced visibility, strategic concealment, and networks of resistance.

Grace Wales Bonner explores mysticism, ritual and magical resonances within black cultural and aesthetic practices. Over the course of one month, a multi-sensory installation and a series of happenings will invite contemplation and activate the spaces of the Serpentine.

The exhibition will include a series of site-specific shrines by Kapwani Kiwanga, Eric N. Mack, Paul Mpagi Sepuya and Grace Wales Bonner. The musician Laraaji will lead a series of meditation workshops during the exhibition?s opening days that will become a lasting shrine of sound within the space, whilst Rashid Johnson?s installations using carpets will create a sense of grounding throughout the Gallery. Interested in the improvisation, intentionality and repurposing of shrines from the Black Atlantic, Wales Bonner will draw upon their relational nature, as material portals into multiple worlds and frames of experience.

If one of the main purposes of science fiction is to predict the future by simultaneously analysing the present and the past, it is important to emphasise that this genre?s literary tradition was continually hostage to the patriarchal and white narrative of its authors. Over recent decades, Afrofuturism has defended an artistic practice that combines scientific fiction with elements and traditions of a diaspora that is attentive to its historical roots in an Ancient Africa well before the colonial era. Can a community whose past has been deliberately erased seek out marks from its history and imagine possible futures?

Kapwani Kiwanga creates works across installation, sound, performance, sculpture and video that marry her training in anthropology, comparative religion and documentary film with her interests in history, memory and storytelling. Presenting rigorous research in imaginative ways, Kiwanga intentionally confuses truth and fiction in her work to enable marginalized narratives to flourish. With a veracious appetite for exploring different pockets of knowledge, she has tackled subjects as far ranging as space travel, anti-colonial struggles, geology and disciplinary architectures.

Dans le troisième chapitre Variation on Time, Karma Ltd. présente le travail d'artistes féminines qui traitent des temps organiques non anthropocentriques et remettent en question les modèles temporels traditionnels. En donnant accès à des formes de connaissance et de compréhension que la culture linéaire et anthropocentrique dominante du temps supprime, ils nous invitent à imaginer différentes manières de coexistence interespèces et de contre-narration.

Travaillant avec le son, le cinéma, la performance et les objets, Kapwani Kiwanga (né au Canada, basé à Paris) s'appuie sur des recherches approfondies pour transformer l'information brute en enquêtes sur les récits historiques et leur impact sur la formation politique, sociale et communautaire. Son travail se concentre sur des sites spécifiques à l'Afrique et à la diaspora africaine, examinant comment certains événements se développent et se déploient en récits populaires et folkloriques, et révélant comment ces histoires prennent forme dans les objets et les histoires orales. Anthropologue de formation, Kiwanga joue ce rôle dans sa pratique artistique, utilisant l'information historique pour construire des récits sur des groupes de personnes. Kiwanga n'est pas seulement investi dans le passé mais aussi dans l'avenir, créant des dossiers spéculatifs de civilisations futures pour réfléchir sur l'impact des événements historiques. Dans la série Subduction Studies (2015-2017), Kiwanga observe l'espace entre les continents terrestres, en particulier l'Afrique et l'Europe. La spéculation de Pangaea Ultima suggère la réapparition d'un supercontinent qui verra l'Europe glisser sous l'Afrique.

Kiwanga est le gagnant du Frieze Artist Award 2018. Son travail a été exposé au Hammer Museum (Los Angeles, 2018), Tate Liverpool (2017) et Portikus (Francfort, 2017), entre autres. Les performances de Kiwanga ont été présentées entre autres à Documenta 14 (Athènes, 2017), Momentum 9 (Oslo, 2017), Tate Modern (Londres, 2014) et Centre Pompidou (Paris, 2014).

Kapwani Kiwanga a été nommée lauréate du Frieze Artist Award, une opportunité majeure pour les artistes émergents. L'artiste réalisera une installation en plein air, dans le Parc de Randall's Island à l'occasion de la foire Frieze New-York en mai prochain.

Stories of Almost Everyone est une exposition sur la volonté de croire les histoires véhiculées par l'art contemporain.

Présentation du catalogue de l'exposition Ujamaa à la Ferme du Buisson :

Kapwani Kiwanga, Disgression series, la Ferme du Buisson / Captures Editions

Avec : Patrick Beaulieu, Vincent Chevillon, Eric Giraudet de Boudemange, Raphaëlle de Groot, Kapwani Kiwanga, Nadia Myre, Eléonore Saintagnan, Sébastien Rémy & Cyril Verde.

Commissaire : Ann Stouvenel

Tout part d'un voyage, de l'idée même au déplacement physique. Des mers traversées aux populations rencontrées, du simple clic sur « envoyé » aux terres foulées, les artistes globe-trotteurs nous rapportent des histoires fabuleuses. Ces témoignages renvoient à des découvertes fortuites, au cours d?escales, ici et là, quelque part dans notre société globale et post-digitale. La curiosité pousse jusqu'à la collecte d'informations auprès de ceux qui peuvent le plus en témoigner. Le déplacement de ces récits, de leur lieu d'origine jusqu'à nous, est opéré pour l'occasion par ces grands voyageurs, naviguant dans les creux qui subliment la réalité. Ces creux, les artistes s'en saisissent. Ils collectionnent, coupent, assemblent, détournent, se réapproprient, tissent des liens, à partir d'une matière première rapportée. Ils ont ramené, ou se sont fait livrés, des croyances et usages singuliers, des souvenirs d'une histoire marquée par les dommages collatéraux du modernisme, des retours d'expérience du voyage même, des instants de rêverie. De retour chez soi la distance se fait et ouvre les portes à d'autres mondes, révélés, interrogés, mystifiés, réenchantés. Les oeuvres présentées sont produites spécifiquement ou réinventées en fonction de ce contexte d'exposition.

Ann Stouvenel

Travailler, aujourd'hui, qu'est-ce que ça signifie finalement ? Obtenir une position sociale, s'occuper au quotidien, avoir une source de revenu ou bien encore se sentir utile ? Découvrez une exposition collective et intersectionnelle qui réhabilite le travail des 'invisibles' : celui du personnel d'entretien ou du stagiaire, en passant par celui de l'artiste et de l'acteur.rice culturel.le ! Virginie Jourdain, commissaire invitée, propose une lecture décalée du monde du travail d'un point de vue féministe, engagé et militant. Qu'il soit domestique, artistique ou alimentaire, changeons notre regard sur le travail et ses valeurs sociale et morale.

L'exposition Ressources Humaines aborde ainsi les spécificités du travail des artistes du point de vue des artistes elles et eux-mêmes et déploie sans hiérarchie des oeuvres et des contributions issues de pratiques collaboratives, horizontales et solidaires, inspirées des pratiques et des luttes féministes. La question du travail et du travail de l'art se fond dans une réflexion essentielle sur le bien-être, les stratégies de survie, les modes de production éthiques et les perspectives inclusives à travers lesquelles repenser le travail.

Une proposition impertinente qui se poursuit avec des performances déroutantes, des ateliers d'empowerment, des débats sans détour? Partageons nos expériences professionnelles et emparons-nous d'outils pour nourrir nos corps et bien sûr ouvrir nos esprits !

Fayçal Baghriche | Sammy Baloji | Taysir Batniji
Sylvie Blocher | Laurent Chambert | Sépànd Danesh
Anthony Freestone | Maryam Jafri | Katia Kameli
Kapwani Kiwanga | Meiro Koizumi Natacha Lesueur
Lahouari Mohammed Bakir | Gianni Motti | Éric Tabuchi

Collections FRAC Poitou-Charentes, FRAC Aquitaine, FRAC-Artothèque du Limousin

L'Histoire devrait idéalement s'écrire de manière objective mais, l'honnêteté intellectuelle est un exercice difficile lorsqu'il est question de pouvoir ou d'émotion. L'exposition "Faits alternatifs" se constitue d'oeuvres remettant en question les récits qui, officiels, personnels ou convenus, (dé)servent des intérêts plus ou moins conscients.

Divers aspects sont abordés : Qui sont les narrateurs et à qui profite la version énoncée ? Quelles sont les traces, qui les détient ? Les représentations paraissant aujourd'hui immuables sont-elles erronées ? Quelle place et quels canaux d'expression sont réservés à la mémoire individuelle ? Le passé, s'il est mal transmis, est-il condamné à inlassablement se répéter ?

16h / Kapwani Kiwanga - conférence-performance / 26 min

Béatrice Balcou, Marcelline Delbecq & Ellie Ga, Ben Evans & Luís Miguel Félix, Ricardo Jacinto, Kapwani Kiwanga, Anouchka Oler, Catarina de Oliveira, Onze Heures Onze Orchestra, Pétrel | Roumagnac (duo), Projecto Teatral.

Dans le cadre des 40 ans du Centre Pompidou, Performance Day prend de l’ampleur et se déploie dans tous les espaces de la Ferme du Buisson, mais aussi au Centre Photographique d’Île-de-France. Devenu dès sa première édition une référence en matière de performance, le festival bouscule les frontières entre arts visuels et arts scéniques.

Avec : Natalie Czech; Kapwani Kiwanga
Episodes par: Chiara Camoni, Douglas Coupland, David Horvitz, Bruno Munari, Ettore Sottsass Jr.

L'identité serait en crise. Le constat semble intemporel et transhistorique. Les questions demeurent les mêmes. Qui sommes-nous ? Comment nous définissons-nous ? Par rapport à quoi ? À qui ? L'Autre ? Qu'Est-ce qui nous définit ? Qu'est-ce qui nous rassemble et nous sépare ? Comment et à partir de quels éléments se construit une identité culturelle ? Quelles représentations lui donner ? Comment en parler ?

« (?) Je sais l?Afrique profonde
Jusqu?au vertige
Venez filles et fils du continent,
Il n?est royaume, roi et reine,
Artisan de talent, prince glorieux,
Que je ne connaisse,
Ma mémoire est univers
Ma parole sagesse,
Mon chant festin,
Mes récits plénitude ?
Avec lesquels la génération nouvelle
Tisse sur l?horizon vierge, une
Afrique riche de son patrimoine. »

Albert Aoussine, Alchimie Poétique

« Beautiful Africa » propose, par une sélection d??uvres, une balade sur le continent africain, plus particulièrement au niveau de la zone sub-saharienne, non sans un certain point de vue critique et politique. Ce sera une balade où l?on rira aux éclats, où l?on aura autant envie de s?ambiancer et de laisser ses soucis au vestiaire qu?une balade permettant de poser un regard critique sur l?histoire et sur le présent de cet immense continent et de ses relations aux autres continents. L?Afrique est, pour l?Occident, mystérieuse et fascinante. Vaste continent de plus de 30.000.000 km², de Tanger au Cap. Continent aux traditions séculaires et à l?extrême modernité. Continent aux mille et un visages. Continent meurtri mais plus que jamais debout. En un siècle et demi, on a beaucoup parlé d?art africain comme s?il n?y avait qu?une seule et même forme d?art issu de cet immense continent ce qui est, mais faut-il l?écrire, totalement faux.

L?Afrique. Fermons les yeux et laissons notre imagination galoper. Nous sommes tantôt au c?ur de la savane, tantôt en plein désert, sur les grands plateaux ou dans les immenses mégalopoles, ou encore face à des animaux sauvages. Nous sommes, surtout, fascinés. « Beautiful Africa » sera, au final, une invitation au voyage ?

Lydie Marchi, commissaire de l?exposition

Patrick Javault reçoit l'artiste Kapwani Kiwanga et Oulimata Gueye, curatrice.

Kapwani Kiwanga a opté pour les arts visuels après avoir étudié l'anthropologie et les sciences sociales. Sa formation première fait mieux que nourrir et informer son oeuvre plastique, on peut dire de celle-ci qu'elle est la continuation de l'anthropologie par d'autres moyens. Le rôle de la pensée magique et la croyance dans des pouvoirs attribués aux plantes et leur rôle dans les luttes anticoloniales au siècle dernier ont donné lieu à une exposition présentée l'année dernière à la Southg London Gallery et à la Ferme du Buisson.

Dans cette exposition où des documents sonores et visuels, témoignages directs ou réinterprétés, permettaient de remonter le cours de l'histoire tanzanienn  jusqu'à la rébellion Maji-Maji de 1907, Kampwani Kiwanga procédait à une véritable hybridation des double rôles d'artiste-chercheur et de commissaire-muséographe: fibres végétales employées pour la production de sculptures, panneaux pédagogiques envahis par des pans de tissus leur faisant comme un habillage faussement négligé, serre horticole abritant des plantes savamment répertoriées et classées dont la croissance croisait le temps de l'exposition. A quoi s'ajoutaient des discussions et des performances. L'hybridation mais aussi les mutations des plantes et des cultures. L'exposition est un champ d'expérimentations et d'enseignement aussi bien pour les visiteurs que pour l'artiste elle-même, suppose-t-on. Par ailleurs, Kapwani Kiwanga est également anthropologue du futur.

Oulimata Gueye est curatrice et journaliste indépendante. Elle axe ses recherches sur les pratiques culturelles en lien avec les technologies numériques et les cultures urbaines en Afrique. Elle anime la plate-forme xamxam (xamxam.org) et elle a cofondé le collectif Startup Africa Paris.

Commissaire : Caroline Köchling

L'approche artistiques de Kapwani Kiwanga s'enracine dans sa formation en anthropologie. Les faits historiques ainsi que les éléments fictionnels, magiques et surnaturels s'entremêlent dans ses projets de recherche. Dans sa conférence-performance Afrogalactica: A brief history of the future (2012-en cours), elle prend le rôle d'une anthropologue fictionnelle pour spéculer sur le futur et explorer le concept d'Afrofuturisme comme moyen d'analyser le passé depuis un point de vue africain ou celui de la diaspora africaine.

Born in Hamilton, Canada and based in Paris, Kapwani Kiwanga produces works across installation, performance, and video that marry her training in anthropology and comparative religions with her interests in history, memory, and mythology. Presenting rigorous research in imaginative ways, Kiwanga intentionally confuses truth and fiction in her work in order to enable fantastical narratives.

For her first solo exhibition in the United States, Kiwanga presents a site-specific installation, video, and prints that draw on the artist's research into the design of institutional spaces, including materials found in the University of Chicago's Special Collections Library. Across the elements of Kapwani Kiwanga: The sum and its parts, Kiwanga deconstructs the physical and psychological qualities of different built environments including schools, prisons, hospitals, and mental health facilities. In the main gallery, Kiwanga brings together architectural elements from historical and contemporary versions of these spaces including wall sections, lighting fixtures, and surface treatments creating a spatial collage that escapes the sum of its fragments. For these works, Kiwanga has drawn from her extensive research into disciplinary architectures throughout time, extracting specific details from the designs of late 19th century workhouses and reformatory schools in Britain and France respectively.

A distinctive feature of the exhibition is the artist's transposition of two-tone color palettes, often used in the interiors of institutional spaces, onto the gallery walls. Social hygiene movements and hospital reforms at the turn of the 20th century inform the artist's selection of colors as well as the work of Chicago-born color consultant and color theorist Faber Birren. A student in the College at UChicago in the early 1920's, Birren later established a consulting company, advising on the use of color in industry and the workplace. Drawing from color design studies by Faber Birren and Company held at the University of Chicago's Special Collections Library, Kiwanga thereby recalls the application of color theory to the conditions of work, learning, surveillance, healing, and care. Also on view is a selection of prints that reproduce images from Birren's archive and a new film A primer that delves deeper into the spatial histories of different building typologies. The new commissioned film A primer is co-produced by Logan Center Exhibitions, University of Chicago and The Power Plant, Toronto.

Portikus is pleased to present the exhibition House of Commons with works by younger and internationally established artists. Throughout its duration, House of Commons changes constantly and thus sees itself less as a static group exhibition than as a dynamic project. Art works will be added, swapped out, and rearranged weekly. Each of these presentations will be enhanced by discussions of the works, film screenings, and performances. The exhibition is kicked-off with the juxtaposition of only two works: Danh Vo?s sculpture WE THE PEOPLE (2011), a one-to-one replica of the Statue of Liberty in 225 fragments, of which Portikus shows a part of the foot, and Passer en Angleterre, Accès terminal transmanche, Calais, juillet 2007, a photograph by Bruno Serralongue that captures a moment of waiting in the lives of refugees on the French coast. Starting from this dual presentation, the exhibition continues to grow, and in subsequent chapters presents more photographs, paintings, sculptures, and video works.

House of Commons arose in response to the political events of recent months in Europe and the United States. A general change in mood can be sensed?events such as the Brexit referendum and the election of Donald Trump call into question the basis of democratic action and reveal the importance of constructive debate over different opinions and views. Against this backdrop, the exhibition presents both artistic works that deal explicitly with political or social issues as well as works dealing with more fundamental questions inherent in art itself. In this way, Portikus takes a political stance, argues through art, and using the simple gesture of juxtaposition, emphasizes the importance of dialogue and engagement with opposing opinions for our common coexistence.

À partir d'un cas pratique proposé et présenté par un artiste, « Le présent de nos savoirs » nourrit la capacité d'agir de chacun-e sur ces nouvelles plateformes tout en générant un savoir absent de ces espaces. 

Programmé sur toute l'année, l'atelier Le présent de nos savoirs s'est d'abord concentré sur la plateforme Wikipédia et les féminismes, constituant une équipe d'accueil et de formation présente aux Archives nationales pour le marathon Editathon Art+Feminism 2016. Il se poursuit fin 2016 en compagnie d'activistes des savoirs libres.

C'est en compagnie de l'artiste Kapwani Kiwanga que "Le Présent de nos savoirs" poursuit sa collaboration avec La Quadrature du Net et Bibliothèque sans frontières pour un cinquième atelier. ami, Une nouvelle façon d'écrire mon nom est un livre écrit en 1982 par la poète africaine américaine féministe et activiste Audre Lorde (1934-1992). Objet hybride entre autobiographie et fiction, cette biomythologie a beaucoup inspiré Kapwani Kiwanga dans les débuts de sa pratique artistique, alors qu'elle étudiait l'anthropologie au Canada et était active dans des groupes féministes.

A La Colonie, nouveau lieu ouvert par Kader Attia, tout juste couronné par le prix Marcel Duchamp 2016, se déroulera, à l'initiative de Lionel Ruffel, la manifestation Theory Now qui se propose, entre ateliers, performances, et conférences, de redéployer la pensée, de la réengager, pour se mettre en quête de la théorie aujourd'hui.

L'artiste Kapwani Kiwanga y présentera sa performance Afrogalactica, jeudi 17 novembre à 20h. 

RUN RUN RUN, une exposition autour de la notion d'artist-run space, conçue par une vingtaine de structures européennes et plus de quarante artistes, transformant la Villa Arson en vaste chantier de création et d'expérimentations. Ce projet est réalisé à l'occasion des 20 ans de La Station (Nice).

Celui qui prend son temps, perd-il son temps ?

Alors que nous avons créé tout un tas d'outils pour aller plus vite, que faisons-nous de ce temps libéré ? Où passe tout ce temps gagné ? Pourquoi courons-nous toujours après le temps ? Oeuvres éphémères, périssables, intemporelles...Artistes montrant le temps ou proposant d'en faire l'expérience... Cette exposition vous invite à un véritable voyage dans le temps... même s'il n'existe pas !

The Showroom présente une nouvelle production commissionnée à l'artiste Londonien Uriel Orlow, qui regarde la flore comme un espace politique à travers la vidéo, la photographie, l'installation et le son.

Travaillant entre les deux angles d'attaques que sont l'Afrique du Sud et l'Europe, le projet considère les plantes comme des témoins et des acteurs de l'histoire, autant que des agents dynamiques - reliant les humains à la nature, la médecine rurale et cosmopolite, la tradition et la modernité - à travers différentes aires géographiques, histoires de systèmes de connaissance, avec une variété de vertus curatives, spirituelles et économiques.

Le show inclut les reconstructions d'arrangements floraux de Kapwani Kiwanga, présents lors des négociations entre la délégation du Front de Libération du Mozambique (Frelimo) et le gouvernement Portugais le 7 septembre 1974, dont découla la reconnaissance par le Portugal du droit à l'indépendance du Mozambique.

Commissaire : Clelia Cloussonnet

Artistes : Alberto Baraya, Joscelyn Gardner, Sasha Huber & Petri Saarikko, Kapwani Kiwanga, Pia Rönicke, Beatriz Santiago Muñoz

L'exposition Botany under Influence explore les implications économiques et diplomatiques de l'exploitation de la nature et des flux d'échange. Dans l'aire coloniale par exemple, le pouvoir occidental puise ses richesses dans l'exloitation des ressources humaines et naturelles, par l'appropriation et l'exploitation systématiques de la force de travail, des plantes ainsi que des minéraux. Le contrôle de la faune et de la flore en est un effet secondaire et est devenu le symbole des souverainetés nationales, politiques et alimentaires.

Commissaire de l'exposition : Raffaella Frascarelli

Artistes: Giorgio Andreotta Calò, Meris Angioletti, Francesco Arena, Kader Attia, Elisabetta Benassi, Daniel Buren, Loris Cecchini, Zhen Chen, Isabelle Cornaro, Michael Dean, Tomaso De Luca, Giulio Delvé, Maria Adele Del Vecchio, Gabriele De Santis, Flavio Favelli, Piero Golia, Petrit Halilaj, David Horvitz, Kapwani Kiwanga, Jannis Kounellis, Marko Lulic, Emiliano Maggi, Masbedo, Rosalind Nashashibi, Alessandro Piangiamore, Gianni Politi, Valerio Rocco Orlando, Michal Rovner, Marinella Senatore, Sissi, Pascale Marthine Tayou, Adrian Tranquilli, Guido van der Werve, Nico Vascellari, Tris Vonna Michell, Sislej Xhafa.

Commissaire : Chris Sharp

Artistes : Bas Jan Ader, Tom Allen, Polly Apfelbaum, Becky Beasley, Juliette Blightman, Vern Blosum, Joe Brainard, Mathew Cerletty, Leidy Churchman, Holly Coulis, Ann Craven, Sam Falls, Saul Fletcher, Jane Freilicher, Daan van Golden, Felix Gonzalez-Torres, Camille Henrot, Paul Heyer, Alex Katz, Allison Katz, Ellsworth Kelly, Caitlin Keogh, Kapwani Kiwanga, Robert Kushner, Jochen Lempert, Maria Loboda, Robert Mapplethorpe, Jenine Marsh, Ryan Mrozowski, Aliza Nisenbaum, D'Ette Nogle, Andy Robert, Mark A. Rodriguez, Daniel Rios Rodriguez, Willem de Rooij, Melanie Smith, Dylan Spaysky, Kunié Sugiura, Walter Sutin, Kyle Thurman, Wolfgang Tillmans, Andy Warhol, James Welling, Tom Wesselmann, Hannah Wilke, Amy Yao, Nathan Zeidman.

Vernissage le dimanche 24 avril à 16h

navette gratuite de Paris - Opéra Bastille à 15h30 / réservation au 01 64 62 77 00

Après plusieurs expositions remarquées à l'étranger, la Ferme du Buisson consacre à Kapwani Kiwanga sa monographie la plus importante à ce jour. Mettant à profit sa formation dans le champ des sciences sociales, elle élabore des projets de recherches expérimentaux dans lesquels elle endosse le rôle de chercheur.

Pour la Ferme du Buisson, elle déploie un ensemble représentatif de pièces existantes et trois importantes installations inédites. Mêlant matériaux et réflexions liés à l'économie, l'agriculture, la magie, l'anthropologie ou la muséographie, elle fait suite à ses recherches menées au Jeu de Paume et à la South London Gallery autour des systèmes de croyance, et des trajectoires pré et post indépendance en Tanzanie.

Ce projet articule deux recherches : la première autour des pouvoirs magiques prêtés aux plantes dans des situations de résistance politique et sociale ; la seconde autour du concept d'Ujamaa qui fut à l?origine du socialisme panafricain. À travers des installations organiques, des vidéos, des pièces sonores et performatives, Kapwani Kiwanga nous entraîne dans un voyage au sein de systèmes de croyances, qu'il s'agisse de pouvoirs surnaturels ou d'utopie politique.

Group show

Curator : Koyo Kouoh

Avec Tom Flanagan et Megs Morley (Ireland) / Liam Gillick (UK) / Yong Sun Gullach (Denmark) / Carsten Höller (Belgium) / Dorothy Hunter (Northern Ireland) / Jeremy Hutchison (UK) / Joanna Hutton (UK) / Alfredo Jaar (Chile) / Michael Joo (USA) / Journal Rappé (Senegal) / Kapwani Kiwanga (Canada/France) / Abdoulaye Konaté (Mali) / Syowia Kyambi (Kenya) /Kemang Wa Lehulere (South Africa) / Leung Chi Wo (Hong Kong) / Charles Lim Yi Yong (Singapore) /Alice Maher (Ireland) etc.

Avec Mathieu K. Abonnenc, Fadlabi, Rana Hamadeh, Kapwani Kiwanga
Curator : Jens Maier-Rothe

Shifted from a familiar mental movement, we suddenly find ourselves in the middle - in between things, between this and that sense, between one fiction and many others. "Between One Time and Another" unhinges a series of narratives and stories, re-choreographing them in a different way. Documented as fragments, suspended in time and decomposed into narrative textures and ideological strands, they are investigated, filtered and rearranged in a new light. Narratives and stories take on a different sort of legibility, giving insight into the workings of their historical effects. Arranged in seemingly static configurations, the artists refract the light of historical facts, turning cartographies upside down. They speculate on future pasts, question stratigraphic oracles and expose new concepts of "otherness" as outdated strategies of alienation. Mute things are given a voice and once forgotten ideas reappear as fantastic interpretations of today's power relations, yielding a collection of told stories and untold histories, strange encounters with local heroes and fossil witnesses of colonial inversion. Together they create a multi-perspective projection machine, sharpening our sensesfor the narrative layers of power, violence and hegemony over the supposed "Other".

Vernissage : Vendredi 4 Mars 2016 à 18h00

Entre recherches scientifiques, sociologiques, historiques et géologiques, Kapwani enquête à Gibraltar sur le projet de l’Afrotunnel. Le rapprochement est déjà en marche, au rythme de 4,8 mm par an dans le détroit de Gibraltar la zone de subduction qui agit entre les plaques eurasienne et africaine semble jouer en faveur d’un rapprochement durable. Un projet futuriste, une utopie, pour cette zone d’intenses échanges.

L?Armory Show (New York), qui aura lieu du 3 au 6 mars 2016, et les commissaires du Focus Julia Grosse et Yvette Mutumba ont désigné Kapwani Kiwanga comme artiste commissionnée pour l?année 2016.

La nouvelle présentation des collections met en regard des œuvres qui questionnent les mots, le langage, la poésie, le slogan…Avec des œuvres d’Alighiero e Boetti, Ian Hamilton Findlay, Douglas Gordon, Kapwani Kiwanga, Laure Prouvost etc.

Avec des oeuvres de : Paolo Codeluppi & Kristina Solomoukha - Kapwani Kiwanga - Nicolas Milhé - Bruno Petremann -Slimane Raïs - Erwan Venn - Fabien Zocco.

Collections FRAC Aquitaine, FRAC Provence-Alpes-Côte-d’Azur et Observatoire de l’Espace du CNES, prêts des artistes et production FRAC Poitou-Charentes.

En 1965, la fusée Diamant s’élançait depuis la base de lancement Brigitte à Hammaguir en Algérie, une date qui a marqué l’avènement de l’indépendance spatiale française. Cinquante ans plus tard, l’Observatoire de l’Espace a proposé à des artistes d’associer création et archives pour aborder cette mémoire et les questions contemporaines qu’elle soulevait. Le FRAC Poitou-Charentes a été partenaire de l’Observatoire de l’Espace à toutes les étapes de ce projet artistique.

Les artistes Paolo Codeluppi & Kristina Solomoukha, Bruno Petremann et Erwan Venn, qui ont été retenus après un appel à projets, ont imaginé des œuvres à partir des archives du programme Diamant. La documentation fournie et les œuvres produites ont d’abord été présentées dans INterDÉPENDANCE au CNES lors de la Nuit blanche 2015 à Paris et sont maintenant exposées au FRAC Poitou-Charentes à Angoulême pour une deuxième phase du projet qui s’enrichit d’autres démarches artistiques (Kapwani Kiwanga, Nicolas Milhé, Slimane Raïs, Fabien Zocco).

Exposition collective

Avec Jane Alexander, Berry Bickle, Zoulikha Bouabdellah, Loulou Cherinet, Safaa Erruas, Pélagie Gbaguidi, Amal Kenawy, Kapwani Kiwanga, Nicène Kossentini , Mwangi Hutter , Fatima Mazmouz, Julie Mehretu, Myriam Mihindou, Aida Muluneh, Wangechi Mutu, Otobong Nkanga, Tracey Rose, Berni Searle, Sue Williamson, Billie Zangewa, Amina Zoubir.

Commisssaire: Orlando Britto Jinorio

HALLES 4 et 5

Exposition collective organisée par Paula Doepfner

Avec Ulf Aminde, Kerstin Brätsch, Annabel Daou, Mariechen Danz, Antje Engelmann, Thomas Helbig, Sejla Kameric, Kapwani Kiwanga, Michael Müller, Marinella Senatore et Anna Witt

Kapwani Kiwanga produces works across installation, performance, and video that marry her training in anthropology and comparative religions with her interests in history, memory, and mythology. Presenting rigorous research in imaginative ways, Kiwanga intentionally confuses truth and fiction in her work in order to enable the flourishing of fantastical narratives.

For her first solo exhibition in the United States, Kiwanga presents a selection of newly commissioned work. Across sculptural installations and prints, Kiwanga deconstructs the physical and psychic qualities of built environments including schools, prisons, hospitals, and mental health facilities. In the main gallery, Kiwanga brings together architectural elements from historical and contemporary versions of these spaces including wall sections, lighting fixtures, and surface treatments to propose a spatial collage that escapes the sum of its fragments. A distinctive feature of the show is the artist?s transposition of two-tone color palettes, often used in the interiors of institutional spaces, onto the gallery walls. Kiwanga thereby recalls the application of color theory to the conditions of learning, surveillance, healing, and care. A separate single-channel video in an adjoining gallery delves deeper into the spatial histories of different building typologies.

Cycle de recherche autour de la performance

En incarnant le rôle d'une anthropologue du futur, l'artiste revient sur l’Afrofuturisme et sur son implication dans le développement de l'Agence Spatiale des États-Unis d’Afrique. Elle puise dans les archives du passé tout en se projetant dans un futur de science-fiction…

Vernissage : 22 Oct, 2015

Jérôme Poggi est heureux de présenter la première exposition personnelle de Kapwani Kiwanga à la galerie. Intitulée « Continental Shift », l'exposition s'inscrit dans le projet « Afrotunnel » mené actuellement par l'artiste, en référence à un hypothétique passage souterrain reliant l'Europe au continent africain par le détroit de Gibraltar. Ce dernier fait depuis plusieurs années l'objet d'études d'ingénierie se succédant sans aboutissement, l'appel d'offre étant toujours en cours. Parallèlement à cette exposition, la galerie présente à la FIAC (Secteur Lafayette) un solo show de Kapwani Kiwanga consacré au projet «Flowers for Africa» et publie à cette occasion un entretien avec Nataša Petrešin-Bachelez.
Le projet Afrotunnel est développé avec le soutien du Centre national des arts plastiques (soutien pour une recherche artistique).

Jeudi 22 octobre 2015 à 12h? Auditorium du Grand Palais

Dans le cadre de la FIAC 2015, d.c.a / association française de développement des centres d’art invite Kapwani Kiwanga et CONCERT (Benjamin Seror, Morten Norbye Halvorsen, Chris Evans). Ils présenteront des formes performatives où l’espace de la parole, par exemple celui de la chanson ou encore celui de la conférence, devient espace d'exposition.

Conférence-performance
Kapwani Kiwanga met à profit sa formation dans le champ des sciences sociales afin d’élaborer des oeuvres au sein desquelles elle incarne le rôle d'un cher­cheur. A travers ses lectures performées, notamment, elle construit des récits scientifiques nourris d’afrofuturisme, de science fiction, de fables populaires et de documents intangibles afin d’approcher archives et figures invisibles.

Conférence-performance en anglais. Entrée libre dans la limite des places disponibles.

Solo show

La FIAC a retenu le projet radical composé uniquement de fleurs que Kapwani Kiwanga et la galerie ont proposé pour le secteur Lafayette au Grand Palais. Flowers For Africa est un projet protocolaire de l?artiste qui questionne la matière dont est faite l?histoire, sa fragilité, son infaillibilité, sa visibilité et sa hiérarchie. Partant d?un long et patient travail sur les archives visuelles liées à la décolonisation, Kapwani Kiwanga a défini un protocole invitant à reconstituer à partir de documents iconographiques d?époque, des bouquets de fleurs ayant été utilisés à des fins manifestement symboliques lors de cérémonies ou manifestations relatives à l?indépendance de pays africains.
A cette occasion, la galerie publiera un entretien de Nata?a Petre?in-Bachelez et Kapwani Kiwanga à propos de son projet Flowers for Africa.
Pour l'ouverture de la FIAC, le jeudi 22 octobre 2015, l'artiste réalisera une performance dans l'auditorium du Grand Palais à l'invitation de l'Association des directeurs de centres d'art.

Plus d'information

Solo show

Depuis sa performance à la Tate Modern en avril 2014, Kapwani Kiwanga est particulièrement présente sur la scène artistique londonienne. La South London Gallery, une de plus importantes institutions publiques d'art contemporain à Londres, vient de lui consacrer une importante exposition personnelle (Kinjiketile suite, 15 avril - 7 juin 2015). C'est dans cette dynamique que la galerie présentera un solo show de l'artiste à Somerset House, dans le cadre de la foire 1:54. Créée en 2013, cette foire consacrée à l'art contemporain africain est devenue un des évènements les plus pointus et incontournables pendant la semaine de Frieze.

Plus d'information

Performance

Jarrestraße 20, 22303 Hamburg, Allemagne

Commissariat : Fabienne Bideaud

La vérité des apparences – Histoires de codes et de reflets est le premier volet
de deux expositions. Le deuxième, La vérité des apparences – Histoires de
symboles, de motifs et de langage se tient à la galerie De Roussan à Paris, du 5
septembre au 31 octobre 2015 et aborde les notions de motifs décoratifs, de
surface et de représentation avec Anna Ådahl, Donatella Bernardi, Jagna
Ciuchta, Lukas Hoffmann, Kapwani Kiwanga, Václav Magid, François
Mazabraud.

Commissaire: Elena Agudio & Michael Arzt

Avec Ricardo Basbaum (BR), Paolo Bottarelli (IT), Rod Dickinson (GB), Ivana Franke (HR), Satch Hoyt (GB/JM), Kapwani Kiwanga (CA/FR), Daniel Pinheiro (PT), Fabian Reimann (DE), Alberto Tadiello (IT), Suzanne Treister (GB)

Commissaire: Christine Macel

Avec Marina Abramovi and ULAY, Sadie Benning, Louise Bourgeois, Constantin Brancusi, Brassaï, Victor Brauner, André Breton, Luis Buñuel, Cecily Brown, Miriam Cahn, Sophie Calle, Michele Ciacciofera, Dorothy Cross, Attila Csörgö, Salvador Dalí, Annabel Daou, Vlasta Delimar and Jerman, Zackary Drucker and Rhys Ernst, Marcel Duchamp, Jean Dupuy, Elmgreen and Dragset, Max Ernst, VALIE EXPORT, Jean Genet, Jochen Gerz, Alberto Giacometti, Nan Goldin, Felix Gonzalez-Torres, Douglas Gordon, Mona Hatoum, Damien Hirst, Jim Hodges, Rebecca Horn, Jesper Just, Kapwani Kiwanga, Ange Leccia, Ghérasim Luca, Vlado Martek, André Masson, Annette Messager, Tracey Moffatt, Séamus Nolan, Nadja, Henrik Olesen, Yoko Ono, Meret Oppenheim, Ferhat Ozgür, Christodoulos Panayiotou, Nesa Paripovic, Garrett Phelan, Pablo Picasso, Man Ray, Carolee Schneemann, Rudolf Schwarzkogler, Paul Sharits, Jeremy Shaw, Wolfgang Tillmans, Andy Warhol, Cerith Wyn Evans, Jun Yang, Akram Zaatari.

Le Cube - independent art room réunit pour la troisième édition de son “Curator’s Zone” l’artiste Soufiane Ababri et la commissaire Karima Boudou. Le projet What’s The Name Of This Nation (WTNOTN) propose par la forme du magazine une exploration de divers procédés par lesquels l'identité africaine peut être ré-évaluée, sous le prisme de Égypte antique. En dialogue avec le magazine et ses différents contributeurs (artistes, poètes, chorégraphes, militants, critiques d’art…), l’espace du Cube accueillera des fragments de narration et propositions de Soufiane Ababri en lien direct avec le magazine, questionnant la manière dont le passé peut se contenir dans une dimension plus vaste que celle de la culture.? Une série de rencontres sera organisée au Cube pendant le temps de résidence. ?

Artiste: Soufiane Ababri | Commissaire: Karima Boudou

Contributeurs magazine: Kool Moe Dee, Lili Reynaud Dewar & Alexis Vaillant, Mohamed Hmoudane, Kapwani Kiwanga, Mohamed Leftah, Maha Maamoun, Stéphane Léger, Lorraine O'Grady, Alexandre Paulikevitch,  Montassir Sakhi, Fred Wilson

En partenariat avec l'Institut Français de Rabat.

Commissaire: Fabienne Bideaud

Avec Anna Adahl, Donatella Bernardi, Jagna Ciuchta, Lukas Hoffmann, Kapwani Kiwanga, Václav Magid, François Mazabraud

La vérité des apparences ? histoires de symboles, de motifs et de langage est un projet d?exposition qui s'intéresse aux motifs, aux symboles, à l'ornement, et au discours que ces derniers véhiculent. La forme et le sens ne font qu'un. La création s'empare et renouvelle ce langage, à travers l'histoire de l'art, du design, mais aussi en politique et en business. Comment ces motifs, ces formes, ce langage sont-ils repris en art contemporain ? Quel est le sens de leur mise en scène ? La symbolique vient également s'associer à cette image immédiate de sens. Le symbole représente une histoire, une idéologie, un discours. La vérité des apparences - histoires de symboles, de motifs et de langage, exposera à la galerie De Roussan des artistes qui utilisent le motif, l'image, de façon subversive. Il ne s'agira pas de recenser les signes qui remplissent notre quotidien mais une appropriation de ce langage et de ces formes au service d'un engagement personnel et structurel.

Recherche en anthropologie et en littérature et travail d’archive sont au cœur de la pratique de Kapwani Kiwanga. Ses films, installations et performances ont pour focale, notamment, l’Afrofuturisme, une esthétique littéraire, musicale et, plus largement, culturelle née en Amérique du Nord, qui marie regards afrocentrés, science fiction, fiction historique, fantaisie, réalisme magique et cosmologies extra-européennes pour (re)penser les expériences présentes et passées de peuples issus de la diaspora africaine. Pour AFRICA ACTS, l’artiste présente Afrogalactica : Un abrégé du futur.

Jeudi 25 juin / 19-20h
STORY of a CONSERVATOR
Performance de Kapwani Kiwanga 

Dans Story of a Conservator, Kapwani Kiwanga tient le rôle d’une conservatrice en charge d’archives à la fois particulières et subjectives. Elle donne voix à des objets silencieux, vie à des récits oubliés et narre des histoires fantastiques. Anecdotes, faits inédits et bêtes mythiques trouvent leur place dans les récits de Kiwanga. En combinant lectures, extraits sonores et vidéo, l’artiste explore le statut du document, mais aussi les possibilités de la transmission orale. La performance se fera en anglais.

Cet événement conclut le séminaire The Place from Where We Look organisé par Kadist Art Foundation du 22 au 25 juin 2015 à Paris, dans le cadre de Collecting Matters, un programme initié en 2012 par Kadist Art Foundation (Paris), Nomas Foundation (Rome) et David Roberts Arts Foundation (Londres) visant à encourager de nouvelles façons de penser, partager et réfléchir la notion de collection. The Place from Where We Look bénéficie du soutien de Contemporary Art Heritage Flanders (CAHF). 

Bétonsalon - Centre d’art et de recherche a contribué à la sélection des participants internationaux du séminaire - Marianna Hovhannisyan, Yu Ji, Moses Serubiri, Simon Soon, Yesomi Umolu et Natalia Zuluaga - et en accueille la dernière journée.

Pour en savoir plus sur le programme d’événements publics :
www.kadist.org / http://collecting-matters.tumblr.com

Kapwani Kiwanga souhaite remercier le Jeu de Paume, Marta Ponsa et Nataša Petrešin-Bachelez

Mediated measures
Curator : Simone Frangi

The core of Kapwani Kiwanga?s Milanese project is the assumption of the haptic ? touching, brushing against, squeezing ? as minim procedure of relation with the urban contest: the fabric of the city of Milan ? taken as the extreme edge of that economical hogback called Blue Banana and equally as the prototype of that European hallway from Manchester to Genoa - is measured using the body as a structure of mediation.

This strategy, employed for reading the anonymity of the urbanity through the intimate subjectivity of the body, proceeds from a performative and ethnographic work on the environment assuming art handler white gloves as a device for recording and collecting the context. Hailing from a previous research on the manipulation of pesticide-treated ?ethnical objects? in ethnographic European museum, the figure of the glove ? surface and barrier between the body and the object ? circulates in Kiwanga?s production as an analogy of the oscillation between fascination and cultural rejection. In the mist of the project at Viafarini, the glove recurs in its inverted signification, namely as an occasion of blemishing, spoiling and contaminate ?purity?. Opening up to the intrinsic narrativity of materiality, Kiwanga amends the implicit authority of historical and urbanistic narratives with the aim of focusing through a set of installation works and a wall drawing on these ?fugitive? layers of every day objects: fluxes, transient states and transitions where one can eventually detect evidences of the social and political belonging of the users.

Viafarin via Procaccini 4, Milano

Kapwani Kiwanga / Afrogalactique : Les manuscripts de l?espace profond

Pour sa troisième intervention dans le programme Partitions (Performances) Kapwani Kiwanga présente le dernier volet de sa trilogie Afrogalactique, abordant cette fois le patrimoine astronomique de l'Afrique. Initiées en 2011, les chroniques Afrogalactiques visent à interroger la notion d?Afro-futurisme par une réécriture des récits hégémoniques sur l?Afrique. Campant une anthropologue du futur, elle mêle dans ses performances richement documentées, faits historiques et éléments de fiction, explorant l?histoire de possibles Etats-Unis d'Afrique.